RECUERDOS DE AXA

STAR WARS

2011-07-17T15:43:00.001-07:00

Una saga imprescindible, tanto para los amantes de la ciencia ficción como los amantes del cine en general, que ha marcado un antes y un después en la historia; y no solo me refiero a la historia del cine. Son muchos los que han trabajado en ella, pero es a una sola persona a quién le debemos esta magna obra. Ese alguien es, como no, George Lucas, el creador de todo esto y que ha dedicado toda su vida a esta saga. Esta es su historia.

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS (1977)

La historia, tal y como se indica al principio, tiene lugar hace mucho tiempo en una galaxia muy lejana. Dicha galaxia está bajo el poder de un poderoso imperio que domina sus muchos sistemas con mano de hierro y al que solo hace frente una alianza de rebeldes leales a la antigua república. Desde una base secreta situada en la cuarta luna del planeta Yavin, han logrado su primera victoria contra la flota imperial. No obstante, el impero ha construido la que será su arma definitiva, la Estrella de la Muerte, una gigantesca estación espacial capaz de destruir planetas enteros. No obstante, la princesa Leia Organa, una de las líderes de los rebeldes, logra robar los planos de esa estación y trata de llevarlos a la base rebelde. Sin embargo, su nave es interceptada por Darth Vader, el siniestro lugarteniente del emperador. Antes de ser capturada, Leila logra guardar los planos en la memoria del androide R2-D2, al cual envía, junto con al androide C-3PO, al desértico planeta Tatooine, donde se encuentra Obi-Wan Kenobi, un caballero Jedi que sirvió a la antigua república. No obstante, los androides terminan en manos de Luke Skywalker, un joven que vive en una granja con sus tíos. Pero el imperio les ha seguido la pista hasta allí y mata a los tíos de Luke, quién logra escapar junto con los androides y Ben Kenobi, un viejo ermitaño que resulta ser Obi-Wan Kenobi. Tras lograr escapar del planeta con ayuda del contrabandista Han Solo y el compañero de este Chewbacca, viajan, a bordo de la nave de estos últimos, el Halcón Milenario, hacia Alderaán, el planeta natal de Leia. Pero, una vez allí descubren que el planeta ha sido destruidos y se topan con la Estrella de la Muerte, donde Vader tiene a la princesa prisionera.

George Lucas era un joven californiano despreocupado y apasionado de las carreras de coches hasta que, en 1962, sufrió un terrible accidente de tráfico que le llevó a estar mucho tiempo postrado en una cama de hospital. Este accidente cambió su vida, haciéndole mas prudente y responsable y le hizo reorganizar su futuro.

En el hospital, durante su convalecencia, entró en contacto con un libro que llegó a apasionarle. Se trataba de El Héroe de las Mil Caras, la obra de culto de la fantasía y la mitología de Joseph Cambell. Este libro se convertiría en todo un referente para este joven que había crecido leyendo cómics y viendo seriales de Flash Gordon o Buck Rogers y, en el futuro, influiría mucho en la elaboración de la que sería su obra cumbre.

Tras salir del hospital, Lucas estudió en la escuela de cine de la Universidad del Sur de California y dirigió varios cortos antes de dirigir su primera película, la cinta de ciencia ficción THX-1138 (1971) –versión alargada de uno de sus cortos –, la cual le produjo su gran amigo, el también cineasta Francis Ford Coppola, con quién había fundado, en 1969, la productora American Zoetrope. Él y Coppola se conocieron durante el rodaje de Rainbow de Finian (1968), dirigida por este último; rodaje al que Lucas pudo asistir gracias a una beca de aprendizaje de la Warner.

No obstante, THX-1138 no obtuvo mucho éxito y esto hizo que él y Coppola, aunque siguieron siendo amigos, se separaran de forma profesional. Coppola se metió en la producción de El Padrino (1972) y Lucas se separó de American Zoetrope y fundó su propia productora, Lucasfilm Ltd., con la que pretendía producir él mismo sus propias películas. Poco después, logró llegar a un acuerdo con United Artist para realizar dos películas. Una era una película muy autobiográfica sobre coches y la juventud de principios de los años 60, la otra era un proyecto de ciencia ficción que llevaba tiempo desarrollando y que surgía de un proyecto frustrado para realizar una versión cinematográfica de su amado Flash Gordon que tuvo que desechar en vista de que le sería imposible conseguir los derechos del personaje.

No obstante, la United Artist rompió su acuerdo y, tras el rechazo de otros estudios, ambos proyectos fueron, finalmente, recogidos por Universal Pictures. No obstante, esta solo dio luz verde al primero de los proyectos, el cual se convirtió en la película American Graffiti (1973), su segunda película como director, la cual obtuvo un notable éxito que le hizo un pequeño lugar dentro de la industria. Pero, antes de que esta se estrenara, Lucas empezó la búsqueda de un estudio con el que poder sacar adelante su proyecto de ciencia ficción, al que tituló The Star Wars.

En mayo de 1973 escribió un tratamiento de 14 páginas titulado The Journal of the Whills que trató de vender a los grandes estudios de Hollywood. Sin embargo, este fue continuamente rechazado. En aquella época de pesimismo y agitaciones sociales primaban las películas mas realistas y un film de ciencia ficción y fantasía no tenía mucho lugar entre las grandes producciones. Además, la historia no terminaba de convencer a los ejecutivos.

Lejos de desanimarse, Lucas logró entrevistarse con Alan Ladd Jr., hijo del actor Alan Ladd, que era jefe de asuntos creativos de la 20^th Century Fox. A Ladd tampoco le convencía la historia, pero si veía un gran potencial en Lucas. Por ello, invirtiendo mas en él que en la película, convenció a la Fox para que le dieran una oportunidad y se prestó a mediar en las negociaciones entre el estudio y él. Lucas logró que la Fox aceptara distribuir el proyecto e invirtiera 11 millones de dólares en tal –una suma muy alta por aquella época –. A cambio, Lucas renunció a su sueldo y se comprometió a que la película hiciera un cantidad específica en la taquilla.

Aunque, ahí no quedó la cosa. A parte de asegurarse un alto porcentaje en los beneficios (un 40% de los ingresos brutos, creo), Lucas logró que le dieran los derechos de exclusividad en la realización de secuelas y la totalidad de los beneficios obtenidos con el merchandising. El estudio aceptó en lo primero creyendo que la película no tendría mucha repercusión y en lo segundo porque, por aquel entonces, el merchandising no resultaba una buena fuente de ingresos.

Lucas comenzó a escribir el guión de la película en 1974, llegando a escribir un borrador de mas de 200 páginas que, debido a su extensión, decidió dividir en tres partes, desarrollando la primera y guardándose las otras dos para futuras secuelas. El guión sufrió un sin fin de reescrituras y cambios; por poner un ejemplo, Luke Skywalker, el joven protagonista, comenzó llamándose Luke Starkiller y, al principio, era un viejo maestro Jedi de mas de 60 años. Incluso el concepto de La Fuerza –el poder de los Jedis –, cambió varias veces y muchos personajes fueron desechados y vueltos a recuperar. Poco a poco, Lucas logró sacar el guión adelante e ir formando su historia.

El primer personaje que creó fue al villano principal, el mítico Darth Vader. Para crearlo, Lucas se inspiró, entre otras cosas, en dos villanos de cómic. Uno era el Doctor Muerte, el famoso archienemigo de Los 4 Fantásticos, y el otro era Darkseid, el enemigo de los Nuevos Dioses.

Son muchas las cosas en las que Lucas se inspiró a la hora de crear la historia y escribir el guión. A parte del ya mencionado libro El Héroe de las Mil Caras, Lucas cogió elementos de los cómics y los seriales de Flash Gordon y Buck Rogers, las novelas de espada y brujería o las películas de samuráis del gran Akira Kurosawa; especialmente, La Fortaleza Escondida (1958) donde, entre otras cosas, se inspiró para crear a R2-D2 y C-3PO en la figura de dos criados que aparecían en ese film y que tenían una relación muy parecida a la de los dos robots.

Al mismo tiempo que escribía el guión, el artista Ralph McQuarrie realizó varios bocetos de arte conceptual para acompañar a la presentación del guión al estudio y terminar de convencer a la Fox para dar, definitivamente, luz verde al proyecto -debajo de este párrafo os dejo unos cuantos de sus dibujos -. Lucas quedó muy maravillado con los dibujos de McQuarrie, viendo que había sabido reflejar muy bien el universo que él estaba creando. Con su guión y esos dibujos, se preparó para sacar la película adelante. Sin embargo, se encontró con un problema a la hora de llevar todo eso a cabo: los efectos especiales.

Por aquel entonces, no existían las empresas de efectos especiales y, para colmo, la Fox, al igual que otros estudios, había suprimido su departamento de efectos especiales. Esto llevó a Lucas a fundar, en 1975, su propia empresa de efectos especiales, Industrial Light & Magic (ILM), en un almacén cercano al aeropuerto de Van Nuys con varios talentos provenientes de la publicidad que soñaban con trabajar en el cine. De entre todos estos talentos se encontraban futuras figuras hoy consagradas de los efectos especiales, como Phil Tippett, o del mundo de la animación, como los fundadores de Pixar, el estudio responsable de Toy Story y otras genialidades.

En los meses previos al inicio del rodaje, Lucas comenzó a reunir al reparto del film. Desde el primer momento, supo que no quería a grandes estrellas ni actores muy famosos para los personajes principales. Por ello inició un exhaustivo casting junto a su amigo Brian de Palma quién, por entonces, se encontraba buscando actores para la película Carrie (1976). Ambos auditaron casi a la vez a los interpretes de sus respectivas películas y muchos de los actores y actrices rechazados por De Palma luego eran auditados por Lucas y viceversa.

Actores como Christopher Walken, Nick Nolte, Kurt Russell o John Trevolta fueron tanteados para los respectivos papeles de Luke Skywalker y Han Solo. Para Luke, Lucas se fijó en un principio en Willian Katt –quién, años después, se haría famoso gracias a la serie El Gran Héroe Americano –, pero este fue descartado y terminó en el reparto del film de De Palma. El elegido fue, finalmente, Mark Hammill, un joven actor proveniente de la Tv. Para Han Solo, Lucas se negó ha hacer pruebas al actor Harrison Ford, ya que había trabajado con él en American Graffiti y solo quería rostros completamente nuevos. No obstante, le convencieron para que le dejara ir a los castings para darle la réplica a los candidatos y, finalmente, Ford terminó convenciendo a Lucas y se hizo con el papel. Para el rol femenino principal, la princesa Leia, fueron tanteadas actrices como Terri Nunn, Jodie Foster, Cindy Williams o Amy Irving. Una primera elegida fue Sissy Spacek, pero esta no terminaba de convencer a Lucas, quién, finalmente, se fijó en la joven actriz Carrie Fisher –hija de la actriz Debbie Reynolds y el actor Eddie Fisher –. Esta había sido elegida por De Palma para el papel principal de Carrie, pero a ella no terminaba de convencerle dicho papel y optó mejor por la película de Lucas mientras Spacek heredaba su papel de Carrie.

Para Obi-Wan Kenobi, Lucas había pensado en fichar al actor oriental Toshiro Mifune a modo de homenaje a Kurosawa, ya que este había trabajado varias veces con el director japonés. Sin embargo, para tranquilizar un poco a los directivos de la Fox –a los que no les hacía mucha gracia que el reparto estuviera lleno de rostros poco conocidos –, Lucas decidió contratar a un actor consagrado para el papel. El elegido fue el británico Alec Guinness, famoso, entre otras cosas, por sus trabajos con David Lean en clásicos como El Puente sobre el Río Kwai (1957), Lawrence de Arabia (1962) o Doctor Zhivago (1965). Guinness casi aceptó el papel a regañadientes ante la insistencia de Lucas, que llegó a reescribir el personaje para convencerle. Al actor nunca terminó de convencerle del todo el guión de Lucas, del cual cada palabra le parecía una tontería. De hecho, siempre renegó de esta saga.

Dado que tenía pensado rodar la mayor parte de la película en Inglaterra, Lucas decidió terminar de completar el reparto en ese país. Peter Cushing, famoso por sus trabajos junto a Christopher Lee en las películas de terror de la productora Hammer, fue elegido para interpretar a Moff Tarkin, el gobernador de la Estrella de la Muerte. Mientras, el delgado Anthony Daniels, el enano Kenny Baker y el muy alto Peter Mayhew fueron escogidos para dar vida a C-3PO, R2-D2 y Chewbacca, respectivamente. Otro actor también de gran altura, David Prowse –que fue candidato también para hacer de Chewbacca –, fue fichado para dar vida a Darth Vader. Sin embargo, a Lucas nunca le convenció su voz y en la post-producción hizo que fuese doblado por el actor James Earl Jones –en un principio se pensó en Orson Welles –; sin embargo, nadie avisó a Prowse, quién se enteró de ello cuando vio la película por primera vez.

El rodaje comenzó en marzo de 1976 en Túnez, donde se rodaron las escenas del planeta Tatooine. El rodaje estuvo plagado de problemas desde el principio. Para empezar, fueron sorprendidos por unas lluvias torrenciales que no se daban en la zona desde hacía 50 años y que destrozaron gran parte de los decorados. También fueron sorprendidos por varias tormentas de arena. Aunque, lo peor fue el sofocante calor, ya que estaban todos los días a 40º a la sombra. Uno de los que peor lo pasaron fue Anthony Daniels que, embutido en el traje metálico de C-3PO, perdía dos kilos cada día y, encima, no podía sentarse y tenía que descansar en una tabla inclinada mientras le daban de beber un refresco a través del traje con una pajita para evitar que de deshidratase. Tampoco lo pasó nada bien Kenny Baker, ya que también pasaba un calor asfixiante dentro de R2-D2 –el cual, por cierto, daba bastante problemas al no poder andar por la arena –y, encima, el equipo técnico solía olvidarse de sacarle cuando se iban a comer.

Acabada la fase en Túnez, Lucas y todo el equipo se trasladaron a Inglaterra para terminar el rodaje en los estudios Elstree de Londres, que eran los mas grandes del mundo por aquel entonces. No obstante, esto no mejoró las cosas.

Para empezar, era un continúo fastidio tener que parar la producción siempre, incluso si estuvieran en medio de una toma, a las 17:30 debido a las estrictas normas sindicales del país. Para empeorar las cosas, los miembros británicos del equipo técnico no se tomaban muy en serio a Lucas, a quién consideraban poco profesional y, además, no entendían su decisión de ensuciar los decorados para dar a la película un tono mas oscuro y realista. Tampoco los actores ayudaban mucho, ya que no se tomaban en serio el guión y consideraban aquello una película para niños. Luego estaba la mala relación entre Lucas y el director de fotografía, Gilbert Taylor.

Lucas quería como director de fotografía a Geoffrey Unsworth, mas que nada, porque había trabajado en 2001: Una Odisea del Espacio (Stanley Kubrick, 1968) –una de sus películas favoritas –, pero este se había comprometido con la película Un Puente Lejano (Richard Attenborough, 1977) y Lucas tuvo que conformarse con Taylor, que también había trabajado con Kubrick en ¿Teléfono Rojo?, volamos hacia Moscú (1964), un director de fotografía de la vieja escuela que, encima, sentía aversión por los directores americanos. Las discrepancias entre él y Lucas fueron constantes y su relación de lo mas tensa.

A pesar de que en todo momento Lucas cumplía, a duras penas, los plazos previstos, el rodaje se retrasó dos semanas, lo cual no gustó nada a los directivos de la Fox. Ladd en todo momento defendía y apoyaba a Lucas pero, ante la noticia del retraso, en una junta directiva se le exigió que pusiera fin al rodaje cuanto antes. Ladd se personó en Londres y le dijo a Lucas que debía terminar el rodaje en menos de una semana, ya que la Fox celebraría una nueva junta directiva y no podía decirles que el rodaje seguía en marcha. Esto hizo que Lucas dividiera el equipo en tres unidades, una dirigida por él, otra dirigida por el productor de la película, Gary Kurtz, y otra por Robert Watts, el supervisor de producción. Aunque, Lucas supervisó las tres unidades utilizando una bicicleta para ir de una a otra; algo luego imitado por Peter Jackson.

Finalmente, pudo terminar el rodaje antes de una semana y regresó a California para dar comienzo, rápidamente, a la post-producción, la cual también estuvo llena de problemas.

El primer montaje no gustó nada a Lucas, quién lo consideraba desastroso. Esto hizo que despidiera al editor y, en su lugar contratase a Paul Hirsch y Richard Chew y le pidiera ayuda a su esposa, la editora Marcia Lucas, quién en esos momentos trabajaba en la película New York, New York (Martin Scorsese, 1977). Fue difícil conseguir un montaje a corde con las indicaciones de Lucas, ya que el material no era muy abundante y muchas veces hubo de utilizarse hasta el último fotograma de cada toma. Finalmente, lograron el montaje que Lucas quería

Lo peor llegó cuando fue a ver como iba el progreso con los efectos especiales y se llevó una muy desagradable sorpresa. Mientras él rodaba la película en Túnez e Inglaterra, el equipo de ILM, encabezado por John Dykstra, debía hacerse cargo de los efectos especiales y, por aquel entonces debían haber realizado 365 efectos especiales. Sin embargo, descubrió que tan solo habían hecho ¡tres efectos especiales! en todo ese tiempo.

El berrinche que se pilló Lucas fue monumental, llegando a sufrir una subida de tensión que se agravó al ser diabético y se pasó la noche en el hospital, donde se le diagnosticó hipertensión y agotamiento y los médicos le ordenaron varias semanas de reposo. Sin embargo, en cuanto recibió el alta, se personó en ILM y se puso al frente del equipo desplazando a Dykstra, quién no volvió a trabajar mas en la saga y no guarda muy buenos recuerdos de su relación con Lucas –eso si, su trabajo en la película está reconocido –. Lucas y todo el equipo de ILM hicieron horas extraordinarias para tenerlo todo a tiempo. El estreno de la película estaba fijado para diciembre de 1976, pero Lucas y Ladd lograron convencer a la Fox para que lo retrasaran hasta el verano de 1977, así que debían hacer en seis meses el trabajo de todo un año si querían que la película se terminase. Ni que decir tiene que los efectos especiales no estuvieron terminados hasta poco antes del estreno de la película.

Una de las razones del retraso de los efectos especiales era que los técnicos debían trabajar con nuevas tecnologías que lograsen un aspecto visual acorde con lo que quería Lucas, algo muy difícil por los medios de la época y, sobre todo, costoso, llevándose la mitad del presupuesto. Lo mas destacable fue la creación de un nuevo tipo de cámara con la que rodar, entre otras cosas, las escenas de las batallas aéreas. Lucas, tipo innovador donde lo haya, no quería tener que rodar las escenas con maquetas como se había hecho hasta entonces, con la cámara anclada en todo momento. Quería poder mover la cámara y, para ello, se construyó la Dykstraflex, un nuevo tipo de cámara diseñada por Dykstra unida a una pequeña grúa y manejada por computadora que permitía una perfecta coordinación en las escenas con maquetas y los matte paintings. Por cierto, las maquetas de las naves fueron diseñadas por el director artístico de efectos especiales del film, un tal Joe Johnston, hoy director de películas como Jumanji (1995), Parque Jurásico III (2001), El Hombre Lobo (2010) o la reciente –y muy prometedora –Capitán América: El Primer Vengador (2011).

También, para que los técnicos tuvieran una buena base con la que trabajar, Lucas hizo que vieran imágenes de archivo de combates aéreos de la II Guerra Mundial y exhibiciones aéreas de los años 50 para que tuvieran una idea de como quería que fueran las batallas entre naves; sobre todo, la espectacular batalla final.

El tiempo parecía correr en contra de Lucas. Aunque habían logrado convencerles de que retrasaran el estreno, la noticia de que no podrían estrenar la película en las navidades de 1976 no sentó nada bien a la Fox y, desde el estudio, se empezó a hablar de la película como un proyecto muerto y se llegó a decir que no se terminaría ni se estrenaría nunca. Lucas era consciente de que debía crear expectación para conseguir que el estudio le dejara seguir adelante y, para ello, se decidió a utilizar algo que, en el futuro, sería muy importante para la película y la saga que vendría a continuación: el merchandising.

Para ello, contrató como director de marketing a Charles Lippincott, que era todo un apasionado de la ciencia ficción. Al llegar la navidad, se sacaron al mercado varios posters y camisetas de la película que tuvieron una muy buena aceptación. Lo mismo sucedió con un cómic de la película que habían hecho en colaboración con la editorial Marvel y una versión novelizada del guión que sacaron junto a la editorial Del Rey Books –se dice que en febrero ya se habían agotado todos los ejemplares –. Esto hizo aumentar mas la expectación entre el público y creó una pequeña legión de fans que ayudaron a convencer a la Fox de seguir con el proyecto hasta el final.

La película se terminó y quedó lista para su estreno el 25 de mayo de 1977 bajo el título de Star Wars; a España llegaría el 7 de noviembre de ese año bajo el título de La Guerra de las Galaxias. Inicialmente, el estreno estaba previsto para junio o julio, pero la Fox quería evitar la competencia con otros estrenos fuertes de ese verano. A pesar de la expectación creada en las navidades, muy pocas eran las expectativas en torno a la película y muy pocos apostaban por ella. De hecho, solo 37 cines aceptaron proyectarla. Ni siquiera el equipo que había trabajado en la película tenía fe en que esta llegara a triunfar y hasta los amigos de Lucas desconfiaban. Semanas antes del estreno, cuando aún no se había hecho el montaje final con los efectos especiales, Lucas organizó un pase privado para sus amigos, entre los que se encontraban Spielberg, De Palma o Coppola, y a todos les pareció un auténtico disparate lo que veían y le aconsejaron que no la estrenara para evitar hacer el ridículo; tan solo Spielberg mostró algo de entusiasmo.

El único que tenía total esperanza era Lucas, que el día del estreno no había dormido nada y no había parado un solo momento dándole a la película los últimos retoques y preparando las ediciones en otros idiomas para el estreno en otros países cuando aún no se sabía si la película se iba a estrenar fuera de EEUU. Lucas era el único que estaba convencido de que la película sería todo un éxito y, desde luego, no se equivocó.

El éxito fue monumental. Con su presupuesto de 11 millones de dólares, la película logró hacer ¡460 millones de dólares! solo en EEUU. A todo esto hay que unir los 314 millones de dólares que hizo en el resto del mundo, haciendo que su recaudación global fuera de ¡774 millones de dólares! La película logró arrebatar el puesto de película mas taquillera de la historia a Tiburón (1975), de su amigo Spielberg –que luego se tomaría la revancha con E.T. El Extraterrestre (1982) –. Además, el film acabaría haciendo mas dinero en posteriores reestrenos y reediciones; la mas importante fue la que se hizo en 1997, donde la película aumentó su recaudación americana hasta los 579 millones de dólares. Todo eso sin contar los beneficios de su explotación en el mercado del vídeo y la Tv.

El éxito de la película también se materializó en premios, arrasando en galas como la de los Globos de Oro, los premios Saturn, los BAFTA e, incluso, los Grammy, donde el gran John Williams recibió un premio por la banda sonora. Y, como guinda al pastel, los oscars. Aunque ese año la gran ganadora fue Annie Hall (1977), de Woody Allen, que obtuvo los premios de mejor película, mejor director, mejor actriz principal –para Diane Keaton –y mejor guión original, el film de Lucas arrasó en los premios técnicos con los galardones de mejor dirección artística, mejor montaje, mejor vestuario, mejor banda sonora, mejor sonido y, sobre todo, mejores efectos especiales.

Y todo esto lo hizo una película que todo el mundo vaticinaba que iba a ser un monumental fracaso. Todo el mundo menos su creador, claro, quién demostró tener una gran visión de futuro. Sobre todo, haciéndose con la totalidad de los beneficios provenientes del merchandasing, algo que los grandes estudios tenían poco explotado y que él logró sacar muy buen provecho, tanto que llegó a hacerse, practicamente, millonario solo con los beneficios del merchandising, los cuales aún hoy en día continúa explotando con gran éxito. A todo esto también ha ayudado mucho el fenómeno fan. Tras el estreno de la película, la pequeña legión de fans surgida a raíz de la promoción navideña aumentó de manera desproporcionada, haciendo que el mundo se llenara de auténticos devotos de esta película y del universo que se crearía a partir de ella. Es tanta la repercusión que ha tenido este film que, incluso, ser Jedi es ya una religión oficial en varios países –algo que yo veo muy normal; total, las demás religiones surgieron de películas que unos se montaron en la cabeza –y el 25 de mayo es día festivo para mucha gente y, desde hace unos años, se celebra como el Día del Orgullo Friki.

Y es que esta película no es tan solo un gran taquillazo, también fue –y es –todo un fenómeno sociológico que influyó mucho en la cultura popular –tanto en la americana como en la del resto del planeta –y, para bien y para mal, cambió la forma de hacer cine en Hollywood. Y es que a Lucas se le acusa de ser el precursor del actual sistema corporativo que rige actualmente en Hollywood y, en parte, lo es. Pero lo cierto es que la industria ya había empezado a cambiar con o sin su ayuda. Y en todo eso también tuvieron mucha culpa esos cineastas que no supieron aprovechar la libertad y el poder del que dispusieron a sus anchas durante los años 70 llevando a los estudios casi a la ruina al gastarse enormes sumas de dinero en superproducciones megalómanas que se les fueron de las manos y que ni ellos mismos sabían, ni les importaba, si iban a triunfar o no.

Lucas, al menos, apostó por un proyecto en el que creía de verdad. Una empresa en la que nunca se habría metido de haber pensado que podría ser un fracaso y en la que trabajó muy duro para poder sacarla adelante. Muy, pero que muy pocos se hubieran atrevido a hacer lo que él hizo y la mayoría de los que si lo hubieran hecho habrían acabado tirando la toalla.

En cuanto a la película, es una auténtica maravilla. Una obra maestra que no envejece con el tiempo y que no me canso de revisionar una y otra vez. No me extraña nada su éxito. No hay mas que ver la espectacular escena inicial, con ese crucero imperial cruzando la pantalla, para hacerse una idea de lo impresionado que debió quedar el público de 1977. A todo esto sumarle un sin fin de escenas memorables, unos personajes inigualables y una secuencias de acción, como la batalla final, que han pasado a la historia. Una auténtica joya que influyó en toda una generación de cineastas y que muchos han tratado de imitar a lo largo de la historia y muy pocos lo han conseguido; y los que lo han hecho a penas se han acercado. Una completa maravilla.

Os dejo con el trailer:

EL IMPERIO CONTRAATACA (1980)

Han pasado dos años tras la célebre batalla de Yavin, donde los rebeldes se alzaron con la victoria destruyendo la Estrella de la Muerte. Pero, a pesar de su derrota, el imperio sigue siendo una feroz amenaza y, tras un fuerte contraataque, los rebeldes son obligados a huir de sus bases secretas y dispersarse por la galaxia. El grupo rebelde donde se encuentran Luke Skywalker, la princesa Leia y Han Solo se refugia en el helado planeta Hoth, donde creen estar a salvo del imperio. Sin embargo, la flota imperial, capitaneada por Darth Vader, logra dar con ellos y lanza un fuerte ataque contra la base rebelde y los rebeldes se ven obligados a huir. En su huida, los protagonistas se separan. Han y Leia escapan junto a Chewbacca y C-3PO en el Halcón Milenario mientras que Luke lo hace junto a R2-D2 en un caza rebelde. Luke, siguiendo las indicaciones de Obi-Wan Kenobi, quién se comunica con él desde el mas allá, pone rumbo al planeta Dagobah, donde se encuentra Yoda, un gran maestro Jedi que puede ayudarle a completar su entrenamiento. Mientras, Han y Leia son perseguidos implacablemente por Darth Vader y, tras sobrevivir a un campo de asteroides, se esconden en la Ciudad Nube, una colonia minera situada en el gaseoso planeta Bespin que dirige Lando Calrissian, un viejo conocido de Han que fue el anterior propietario del Halcón Milenario y que no es del todo de fiar.

Lucas concibió en un principio Star Wars para que fuera una película autosuficiente pero, al ver que la historia se le hacía demasiado larga para un solo film y tuvo que dividir el primer borrador del guión, vio que el universo que estaba creando era material mas que suficiente para mas de una película. De hecho, en el segundo borrador de La Guerra de las Galaxias venía incluido un posible adelanto para una secuela titulado La Princesa de Ondos. No obstante, no empezó a trabajar en una continuación hasta que La Guerra de las Galaxias se convirtió en un éxito.

Al poco de estrenarse la película, puso en marcha la maquinaria para comenzar con la secuela. La Fox, muy contenta con los resultados del film, no puso ningún impedimento para dar luz verde al proyecto. Sin embargo, se encontraron con que Lucas quería hacer algo hasta entonces sin precedentes en la historia de Hollywood: financiar él mismo la película.

Lucas quería tener una total libertad para realizar este nuevo film y evitar así las continuas injerencias del estudio durante la producción de La Guerra de las Galaxias, donde no paraban de sugerirle cambios –el mas descabellado era hacer que Chewbacca llevara pantalones –. Además, quería tener en todo momento el control y gozar de una gran independencia a la hora de hacer sus películas. Para ello se compró un terreno en Marin County, cercano a San Francisco y muy alejado de Hollywood, donde agruparía sus empresas: Lucasfilm Ltd., ILM, Skywalker Sound –una compañía de efectos de sonido –o la empresa con la que gestionaba el merchandising. Pero, para conseguir todo eso, necesitaba demostrar que el éxito de La Guerra de las Galaxias no era flor de un solo día. Por ello, era totalmente necesario que esta secuela triunfase.

Gracias al acuerdo al que llegó con la Fox para realizar La Guerra de las Galaxias, Lucas se había garantizado la exclusividad para, al menos, hacer las dos primeras secuelas. El estudio se dio cuenta del error que cometió el mismo día que se enteraron de que la película en la que tan poca fe habían depositado se había convertido en la película mas taquillera de la historia. No obstante, estaban convencidos de que Lucas necesitaría de nuevo su dinero para sacar la secuela adelante y ahí podrían aprovechar para renegociar el acuerdo.

Sin embargo, Lucas contaba esta vez, a parte de con su porcentaje de la taquilla del film, con los cuantiosos beneficios del merchandasing, de los que él era el único benefactor –gracias también a su acuerdo con la Fox –y que le habían generado una pequeña fortuna. Así que, desoyendo el consejo de que en Hollywood nunca debes trabajar con tu propio dinero, Lucas se financió el mismo la película invirtiendo todo el dinero ganado con el primer film, además de un préstamo que pidió al Bank of America Entertainment, el mayor banco del mundo del espectáculo. De esta forma, se sacó un presupuesto de 22 millones de dólares, el doble de lo que costó la primera, pagados de su propio bolsillo.

Así quedaban las cosas. La Fox distribuiría la película y recibiría su parte de los beneficios, pero no tendrían ningún control sobre el proyecto y sería Lucas quién tuviera la última palabra en todo momento. Como era de esperar, a los ejecutivos de la Fox no les hizo ninguna gracia perder el control sobre una empresa tan lucrativa y, puesto que no podían castigar a Lucas, todas sus iras cayeron sobre su principal valedor dentro del estudio, Alan Ladd Jr., a quién, practicamente, forzaron a abandonar la Fox. Esto enfureció mucho a Lucas y provocó que no quisiera realizar con ellos ningún otro de sus futuros proyectos; como la saga Indiana Jones, la cual fue a parar a la Paramount.

Lucas comenzó a escribir un primer esbozo de la historia; al principio lo tituló Star Wars II, pero pronto lo sustituyó por The Empire Strikes Back. No obstante, como ahora estaba muy ocupado sacando sus empresas adelante y ocupándose de la producción de este y de otros films –como la primera entrega de la saga Indiana Jones, que en esos momentos preparaba junto a Spielberg –, decidió ceder la escritura del guión a otra persona.

En noviembre de 1977 contrató a la veterana Leigh Brackett (Río Bravo, Un Largo Adiós), quién escribió un primer borrador, teniéndolo terminado a principios de 1978. Sin embargo, este borrador no llegó a convencer a Lucas, ya que se alejaba mucho de la idea que él tenía para el film. No obstante, no pudo llegar a discutir esto con Brackett, ya que la guionista murió de cáncer en marzo de ese año. Fue por ello que el mismo se hizo cargo de escritura de un segundo borrador, labor que le llevó varios meses.

Fue mientras trabajaba en este borrador cuando Lucas empezó a planificar como sería la futura saga. En un principio pensó que sería una serie al estilo de la saga James Bond, sin un final concreto y sacando una entrega diferente cada cierto número de años. No obstante, como su contrato con la Fox se limitaba a tres películas, pensó que lo mejor era hacer, de momento, una trilogía y luego, en vista de los resultados obtenidos, seguir con mas entregas en el futuro. Fue durante este periodo cuando utilizó por primera vez el término episodio para referirse a las distintas películas de la saga, designando La Guerra de las Galaxias como el Episodio I y a este film como el Episodio II

Lucas tenía bien claro como quería que fuera la película. Quería que esta vez la historia fuera mas oscura y compleja que la anterior, pero sin abandonar el estilo épico y aventurero de esta. Lo mas importante de esta historia era la designación de Darth Vader como el padre de Luke Skywalker, algo en lo que Lucas trabajó mucho. Esto le llevó a ahondar mas en el personaje de Vader y su historia como el Jedi caído que se une al lado oscuro. Lucas pronto vio que la historia de Vader, junto con la de la destrucción de los Jedis, la caída de la antigua república y el alzamiento del imperio eran material mas que suficiente, no solo para una película, sino para otra saga. Fue entonces cuando decidió que, si había continuidad tras esta trilogía, lo primero que haría sería realizar otra trilogía de precuelas que contase esa historia, siendo estos los Episodios I, II y III de la saga, por lo que La Guerra de las Galaxias pasaba a ser el Episodio IV –luego, en una posterior edición, se le añadió el subtítulo de A New Hope (Una Nueva Esperanza) y así poder emplear Star Wars como título para toda la saga –y este film sería el Episodio V.

Una vez terminado el segundo borrador, Lucas dejó la escritura del último y definitivo borrador en manos del joven Lawrence Kasdan –luego director de películas como Fuego en el Cuerpo (1981), El Turista Accidental (1988), Grand Canyon (1991) o Wyatt Earp (1994) –, quién, por aquel entonces, acababa de terminar el guión de la película de Indiana Jones, la futura En Busca del Arca Perdida (Steven Spielberg, 1981).

Con la producción cada vez mas cerca, Lucas vio que también estaba demasiado ocupado para hacerse cargo de la dirección de la película, por lo que decidió cederle la silla de director a otro. El elegido fue Irvin Kershner, un veterano –aunque no muy famoso –director que inició su carrera bajo el sello de Roger Corman y cuyos trabajos mas reconocidos eran La Venganza de un hombre llamado Caballo (1976) –secuela del film de culto protagonizado por Richard Harris –y Los Ojos de Laura Mars (1978); y que, curiosamente, tras este film solo dirigió dos películas, Nunca digas Nunca jamás (1983), película no oficial de la saga Bond que recuperaba a Sean Connery, y Robocop 2 (1990), secuela del ya clásico film de Paul Verhoeven.

Una de las razones que influyeron en la elección de Kershner –fallecido en noviembre de 2010 –fue que Lucas lo conoció mientras estaba en la universidad y llegó a tenerlo como maestro en varias ocasiones. No obstante, cuando le propuso dirigir la secuela de La Guerra de las Galaxias, Kershner lo rechazó en un principio, ya que lo veía como un proyecto demasiado grande para él. No obstante, terminó cediendo ante la insistencia e Lucas; y de su agente, quién le dijo que estaba loco por rechazar un proyecto como ese.

Elegido el director, faltaba cerrar el reparto. Dado que Harrison Ford era el único que no había firmado un contrato por tres películas, tuvo que renegociar con él. Los demás actores de la primera película ya estaban asegurados, aunque eso no significaba que no diesen problemas. Carrie Fisher, que ya acostumbraba a fumar marihuana durante el rodaje de La Guerra de las Galaxias, empezaba a pasar mas tiempo con el actor John Belushi –muerto de sobredosis en 1982 –, quién la introdujo en drogas mas duras y haría que la actriz, durante varios años, viviera inmersa en un infierno de drogas del que, afortunadamente, logró salir. Por su parte, Mark Hamill sufrió un terrible accidente que le dejó la cara desfigurada y, aunque los cirujanos consiguieron recomponérsela, no lograron evitar que el actor llegase al comienzo del rodaje con varias cicatrices en el rostro. Esto obligó a reescribir el comienzo de la película. Así, las cicatrices que luce Luke durante su cautiverio en la cueva del wampa -una especie de hombre de las nieves -y en el hospital del campamento rebelde tras su rescate son autenticas.

Una de las principales incorporaciones a este film es la de Lando Calrissian, personaje que, en un principio, iba a ser un clon veterano de las guerras clon, pero que, finalmente, fue convertido en un amigo traicionero de Han Solo y antiguo propietario del Halcón Milenario. El elegido para este papel fue Billy Dee Williams, actor que ya había optado al papel de Han Solo en el primer film; se dice que Williams fue elegido, en parte, por poner a un actor de raza negra, ya que Lucas recibió varias críticas por racismo al no haber puesto ningún negro entre los personaje principales de La Guerra de las Galaxias. Otro personaje de cierta importancia era Boba Fett, el cazarrecompensas que ayuda a Vader a capturar a los protagonistas y a quién luego le es entregado Han Solo congelado en carbonita para llevarlo ante Jabba el Hutt. El actor Jeremy Bulloch, secundario habitual en las películas de James Bond, fue quién dio vida a este personaje que fue adquiriendo importancia a lo largo de la saga y que se ha convertido en uno de los villanos favoritos de los fans.

Aunque, la incorporación mas importante fue la de Yoda, en quién Lucas depositó la suerte del film. Eran tal la importancia de que este entrañable personajillo resultara creíble que Lucas llegó a afirmar que, de no hacerlo, toda la película se iría al traste. Fueron muchos los diseños propuestos para el personaje, desde un humanoide con piel azul hasta un ser uniforme, hasta que se dio, finalmente, con un diseño que gustó a Lucas, quién le encargó su construcción a Stuart Freeborn, que ya trabajaba en la saga como maquillador. Gran experto en el diseño de marionetas, Freeborn fue creando el muñeco articulado que daría vida a Yoda. Para su rostro, empleó sus propios rasgos mezclándolos con los de Albert Einstein para hacerle parecer mas inteligente.

Para poner voz y, sobre todo, manejar el muñeco, Lucas buscó a uno de los mejores titiriteros de la época. Este era Frank Oz, un alumno aventajado del gran Jim Henson, para quién trabajaba en programas de Tv como Barrio Sésamo o Los Teleñecos, y que, años después, se convertiría en director de cine tras debutar con la película Cristal Oscuro (1982) –que co-dirigió junto a Henson –, realizando films como La Tienda de los Horrores (1986), ¿Que pasa con Bob? (1991), In & Out (1997) o Bowfinger (1999). Animar a Yoda no fue un trabajo fácil. Oz trabajaba junto a otras tres personas que se encargaban de manejar las orejas, los ojos y las manos del personaje. Todo ello en un enorme decorado, con agua estancada y pestilente para hacerlo mas real, que se levantaba un metro y medio del suelo para así poder trabajar mejor. Aunque, esto provocaba otro tipo de problemas, ya que, desde debajo del decorado, Oz no podía oír las órdenes de Kershner o cuando Hamill hablaba con Yoda. Esto le obligó a llevar puesto un auricular en todo momento.

Todo esto se llevó a cabo en los estudios Elstree de Londres, donde se llevó a cabo la mayor parte del rodaje, al igual que ocurrió con La Guerra de las Galaxias. No obstante, mucho antes de que esto ocurriera, el rodaje comenzó el 5 de marzo de 1979 en Noruega, donde se recreó el helado planeta de Hoth. Con las penurias pasadas durante el rodaje en Túnez de la película anterior todavía en el recuerdo, el equipo tuvo que hacer frente a uno de los peores inviernos que había sufrido el país. El set principal se estableció en un inmenso glaciar, Hardangerjøkulen, lugar al que solo podían acceder mediante vehículos oruga a través de un camino marcado por estacas que, mas de una vez, salvaron la vida de los miembros del equipo. No obstante, el primer día de rodaje el equipo no pudo salir del hotel donde se hospedaban a causa de una enorme nevada que había caído la noche anterior. Para no perder el día, decidieron rodar allí la escena en la que Luke escapa de la cueva del wampa. Para ello, Hamill tuvo que salirse fuera mientras el equipo permanecía dentro del hotel.

Finalizado el rodaje en Noruega, este debía seguir en Londres, pero se encontraron con que Stanley Kubrick, que en esos momentos rodaba la película El Resplandor (1980), se había retrasado y seguía ocupando los estudios Elstree, lo que obligó a parar el rodaje varias semanas hasta que Kubrick terminara, lo que supuso una gran pérdida de tiempo y, sobre todo, dinero; algo que Lucas no podía permitirse al haber financiado él mismo la película. El mayor temor de Lucas durante todo ese tiempo era que la película se quedara sin dinero. Cosa que, desgraciadamente, ocurrió.

Con el rodaje aún sin acabar, a Kershner, que ya había gastado mucho mas de los previsto en Noruega, se le fue la mano y se pasó del presupuesto. Lucas, entonces, se encontró entre la espada y la pared, ya que había invertido todo lo que tenía en la película, en la cual había depositado su futuro, y ahora no tenía dinero para terminarla. Sus esperanzas estaban en pedir un segundo préstamo al Bank of America Entertainment. Pero, para su sorpresa, se encontró con que este le cancelaba el préstamo; algo que Lucas no podía entender, ya que contaba con haber realizado la película mas taquillera de todos los tiempos como aval. Muchos ven detrás de esto la mano negra de la Fox. Y, la verdad, no irían mal encaminados, ya que la única opción de Lucas era pedirles el dinero a ellos, lo que supondría que le exigirían devolver las licencias a cambio y perder así su independencia. Sin embargo, Lucas no se dejó amedrentar, puesto que sabía que a la Fox le interesaba tanto como a él que la película se estrenase y obtener su buena parte de los beneficios, como ya ocurrió con la primera.

No se sabe muy bien como fueron las negociaciones, pero está claro que Lucas se mostró firme y les dijo a los ejecutivos de la Fox que si no le daban el dinero respetando sus condiciones, la película no se haría y ellos se quedarían sin su parte del pastel. Si hubiera estado en otras condiciones, Lucas se habría ido de allí con una mano delante y la otra detrás pero, como ya he dicho, estaba avalado por el enorme éxito de La Guerra de las Galaxias, que no solo había enriquecido mas al estudio, sino que hasta había hecho que crecieran sus valores en bolsa.

Finalmente, los de la Fox cedieron y le dieron 11 millones mas, incrementando el presupuesto en 33 millones de dólares, y la producción pudo seguir adelante.

Hay un anécdota muy conocida que se produjo durante el rodaje y que ya ha pasado a la historia; sobre todo, como ejemplo de improvisación. Fue durante la escena en la que a Han Solo lo congelan en la carbonita. En un momento dado, Leia le dice a él “Te quiero” y, según el guión, él respondía “Yo también”. Esto no convencía ni a Ford ni a Kershner, ya que consideraban que se alejaba mucho de la personalidad y el carácter del personaje. Esto les llevó a buscar otras fórmulas, pero ninguna de ellas les convencía. Tras muchas tomas, se dispusieron a rodar la última toma. Entonces, Kershner le dijo a Ford que no pensara y dijera lo primero que se le ocurriera. Así, cuando Leia le dice “Te quiero”, él responde “Lo sé”, una frase mas acorde con el personaje que si terminó de convencer al director y al actor.

No obstante, el momento clave del rodaje fue la escena del enfrentamiento de Luke con Vader al final de la película. Durante dicho enfrentamiento, Vader desvelaba su gran secreto confesando a Luke que él es, en realidad, su padre en una escena mítica grabada en la mente de todos los fans de la saga. Una escena mítica y un diálogo mítico:

Vader:

Si conocieras el poder del reverso tenebroso. Obi-Wan nunca te contó lo que le pasó a tu padre.

Luke:

Dijo lo suficiente. Dijo que tu le mataste.

Vader:

No. Yo soy tu padre.

No obstante, el que Darth Vader fuera el padre de Luke Skywalker fue algo que Lucas quiso guardar muy en secreto. De hecho, durante la producción, tan solo él, Kershner y el productor Gary Kurtz eran los únicos que lo sabían. Para evitar que los actores y demás miembros del equipo lo supieran, en el guión se sustituyó la página correspondiente a esa escena por otra en la que Vader le decía a Luke que Obi-Wan era quién en realidad mató a su padre. Hamill se enteró de la verdad el mismo día que hubo que rodar esa escena, ya que se lo dijeron poco antes de comenzar la filmación. En cambio, a David Prowse, quién hacía de Vader, no le dijeron nada, puesto que él era posteriormente doblado por James Earl Jones, quién flipó en colores cuando, durante el doblaje, le pasaron la verdadera página del guión.

Una vez finalizado el rodaje, dio comienzo la post-producción. Esta vez, del montaje solo se encargó Paul Hirsch; aunque Lucas y su esposa colaboraron de forma no acreditada. Los técnicos de ILM esta vez contaban con mas medios para innovar y conseguir unos efectos especiales superiores a los de la primera. Aunque, eso no fue impedimento para que siguieran empleando elementos rudimentarios para algunos efectos, como en la famosa escena del campo de asteroides, donde se utilizaron patatas para hacerlos pasar por los asteroides mas lejanos.

La escena que supuso un mayor reto fue la memorable Batalla de Hoth, que enfrentaba a los rebeldes contra los AT-AT, unos gigantescos mastodontes mecánicos capaces de caminar por la nieve, disparar y transportar tropas imperiales en su interior. El diseño de estos singulares vehículos corrió a cargo de Phil Tippett –inspirándose, eso si, en los dibujos de Ralph McQuarrie, de nuevo contratado para este film –, encargado también de animarlos mediante la técnica stop motion; en un principio, estaba previsto que dichos vehículos estuvieran provistos de ruedas, pero se optó mejor por ponerles patas mecánicas y darles así un aspecto mas amenazador.

Al principio, esta esecena o las escenas en las que aparecían los tauntaun, bestias que los rebeldes utilizan como montura en Hoth, iban a ser rodadas sobre pantallas azules. No obstante, la llegada a ILM de Mike Pangrazio, un joven artista que era un pintor increíble, hizo que las escenas, finalmente, se rodasen sobre escenarios pintados.

Aquí os dejo la escena de la Batalla de Hoth para que le echéis un vistazo:

La película se terminó y quedó lista para su estreno el 21 de mayo de 1980 –a España llegaría el 3 de octubre –. Su éxito fue muy inferior al de La Guerra de las Galaxias pero, aún así, hizo cifras astronómicas con las que era casi imposible soñar en aquella época. En solo un mes, Lucas logró recuperar los 33 millones de dólares invertidos y la película superó los 200 millones de dólares en la taquilla americana y los 500 millones en la taquilla mundial. Beneficios que se vieron incrementados con los de futuras reediciones, como la que tuvo lugar en 1997. A día de hoy, la películas lleva recaudados 290 millones de dólares solo en EEUU y su recaudación global es de 538 millones de dólares. Fue tal el éxito del film que Lucas pudo permitirse el lujo de darle a todos sus empleados 5 millones de dólares en pluses para recompensar su esfuerzo.

En cuanto a oscars, la película obtuvo cuatro nominaciones, pero solo se llevó las estatuillas de Mejor Sonido y Mejores Efectos Visuales.

Con El Imperio Contraataca, Lucas terminó de consagrarse dentro de la industria y se convirtió en el director independiente mas poderoso –título que, hoy día, todavía ostenta –. Ya nadie dudó de su capacidad y pudo permitirse cualquier cosa, como construir en Marin County su soñado Rancho Skywalker, donde se llevó su productora y todas sus empresas y que se convertiría en el centro neurálgico de su futuro imperio.

En cuanto a la película, aunque en un principio fue recibida friamente –especialmente, por la crítica –debido a su oscuridad, pronto se convirtió en otro film de culto, al igual que su predecesora. Para la mayoría de los fans es, incluso, mejor que La Guerra de las Galaxias y su película favorita de toda la saga.

Para mi, es otra maravilla, al igual que la primera. Un film magnífico, impresionante y maravilloso que no me canso de ver. Sobre si es mejor o peor que La Guerra de las Galaxias, yo pienso que ocurre aquí como con las dos primeras entregas de Alien o las dos primeras entregas de Terminator, ambas están tan a la altura la una de la otra que decidir cual es la mejor es algo que depende de los gustos personales de cada uno. Yo, desde luego, pienso que la mejor de la saga es La Guerra de las Galaxias, pero pienso también que El Imperio Contraataca se ha ganado a pulso ser considerada la mejor de la saga porque es una película excelente.

Os dejo con el trailer:

EL RETORNO DEL JEDI (1983)

Luke Skywalker regresa a Tatooine para liberar a Han Solo de la guarida de Jabba el Hutt. Labor en la que le ayudarán sus amigos, la princesa Leia, Lando, Chewbacca, R2-D2, C-3PO y Lando Calrissian. Al principio, el plan no sale bien y todos son capturados. Leia es encadenada y convertida en esclava sexual de Jabba mientras Luke, Han y Chewbacca son llevados al desierto para ser sacrificados a la criatura Sarlacc. Pero, los prisioneros logran escapar gracias a que R2-D2 llevaba escondido el sable láser de Luke. Mientras, Leia logra matar a Jabba estrangulándolo con sus cadenas. Una vez libres, emprenden la huida de Tatooine y, una vez mas, vuelven a separarse. Han, Leia, Chewbacca, Lando y C-3PO regresan con los rebeldes mientras Luke y R2-D2 regresan a Dagobah para que Luke reciba la última lección de Joda, quién está a punto de morir. Antes de hacerlo y confirmar a Luke que Vader es su padre, le dice que, para convertirse en un Jedi, debe enfrentarse a Darth Vader y matarlo; algo difícil, ahora que sabe que es su padre. Poco después, Obi-Wan Kenobi se le vuelve a aparecer y le hace otra revelación: Leia es en realidad su hermana melliza. Luke regresa con los rebeldes, quienes están a punto de lanzar el ataque final contra el imperio, el cual está construyendo una segunda Estrella de la Muerte cerca de la luna de Endor. Han descubierto que el emperador, en persona, va a supervisar la obras y es su oportunidad de acabar con él. Mientras la flota rebelde se prepara para lanzar el ataque, Luke y los demás se infiltran en Endor a bordo de una lanzadera imperial robada para destruir el generador que matiene el escudo que protege a la estación espacial. Una vez allí tienen un incidente con los Ewoks, una tribu de criaturas indígenas que se convertirán en inesperados aliados. Mientras, Luke sabe que debe separarse de sus amigos y enfrentarse de nuevo a Vader; pero no para destruirlo, sino para intentar redimirle y que vuelva a convertirse en Anakin Skywalker.

El éxito de El Imperio Contraataca había demostrado que el enorme éxito de La Guerra de las Galaxias no era flor de un solo día y podía convertirse en una franquicia de lo mas exitosa y rentable. George Lucas ahora tenía el poder y la libertad que quería y podía encontrar pocos impedimentos por parte del estudio a la hora de sacar adelante la tercera –sexta, según había planificado la saga –y, aparentemente, última entrega de la saga.

No obstante, los problemas los encontró en otros sitios. En este caso, el sindicato de directores (DGA), al cual no le hizo mucha gracia que suprimiera en la película los títulos de crédito iniciales. Con La Guerra de las Galaxias hicieron la vista gorda creyendo que sería algo temporal pero, cuando vieron que en El Imperio Contraataca hizo lo mismo y, de hecho, pensaba hacerlo en las demás películas, decidieron multarle con 250.000 dólares.

Lucas pagó la multa pero, enfurecido, abandonó el sindicato. Lo malo es que esta decisión le trajo problemas a la hora de buscar un nuevo director para este film. En un principio pensó en su amigo Spielberg, quién no estaba muy por la labor, y, después, en David Lynch quién, por aquella época –principios de 1981 –había sido nominado al oscar por El Hombre Elefante (1980). Sin embargo, su abandono del DGA le impedía contratar a directores de nacionalidad estadounidense, por lo que tuvo que irse fuera en busca de director.

Al principio se fijó en el canadiense David Cronenberg, pero este rechazó la oferta. Finalmente, encontró en el director británico de origen galés, Richard Marquand, al elegido. Marquand –que falleció en 1987, a los 49 años de edad –acababa de estrenar por aquel entonces la película El Ojo de la Aguja (1981), film de espionaje que obtuvo bastante éxito y muy buena prensa, y su trabajo en aquel film impresionó a Lucas y fue clave para que este le contratara para dirigir el nuevo episodio de Star Wars.

Lucas se hizo cargo de la escritura del guión junto con Lawrence Kasdan, a quién volvió a contratar tras los excelentes resultados de El Imperio Contraataca y En Busca del Arca Perdida. En un principio, le puso al guión el título de Return of Jedi, pero al comentárselo a Howard Kazanjian, nuevo productor de la película, en sustitución del habitual Gary Kurtz, este le dijo que dicho título era demasiado flojo y no tenía la suficiente garra comercial. Por ello, Lucas lo reemplazó por el de Revenge of Jedi. Sin embargo, al hacerlo público, Lucas se encontró con que muchos fans de la saga le pidieron que lo cambiara, ya que el título iba contra el ideal de los Jedis, quienes tienen prohibido vengarse. Esto hizo que Lucas cambiara de nuevo el título y, finalmente, recuperara el título inicial. Así, la película terminó titulándose Star Wars. Episodio VI: Return of Jedi.

En esta ocasión, el guión tardó algo mas en quedar listo y, a diferencia de las dos anteriores películas, continuó reescribiéndose en plena pre-producción. Al igual que en los títulos anteriores, la trama y varios personajes sufrieron muchos cambios. El mas significativo fue en la batalla final. Originalmente, esta debía desarrollarse en el planeta originario de los wookiees, Kashyyyk, planeta natal de Chewbacca. La idea era que los wookiees ayudaran a los rebeldes en la batalla contra el imperio convencidos y liderados por Chewbacca. No obstante, Lucas había ideado a los wookiees como unos seres que, a pesar de su aspecto primitivo y vivir en las copas de los árboles, tenían altos conocimientos de tecnología; los mismos de los que Chewbacca hace gala en las anteriores películas. Esto fue lo que motivó a Lucas a cambiar la historia, ya que quería que fuese una especie primitiva la que ayudara a los rebeldes a derrotar al imperio.

Fue por ello que trasladó la batalla a la luna de Endor y creó una nueva especie como raza indígena de ese lugar, los Ewoks, unos seres diminutos, asemejados a osos de peluche, que fueron interpretados por actores enanos; los mismos que, unos años después, protagonizaron la película Willow (Ron Howard, 1988), producida e ideada por Lucas. Estos personajillos se hicieron tan populares que, posteriormente, llegaron a protagonizar dos películas para Tv, Caravana de Valor (John Korty, 1984) y La Batalla de Endor (Jim Wheat y Ken Wheat, 1985), y hasta una serie animada. No obstante, también fueron muy criticados por muchos fans de la saga, ya que aportaban mucho infantilismo a la película.

Sobre la marcha de Gary Kurtz, todavía no están claras las razones. Aunque todo apunta a un distanciamiento entre él y Lucas por sus distintas formas de hacer las cosas. Al parecer, las ideas que cada uno tenía para este nuevo film eran muy diferentes –por ejemplo, Kurtz no quería una nueva Estrella de la Muerte en la historia, ya que lo encontraba muy repetitivo –. Aunque, otras fuentes apuntan a que la mala relación ya venía de la producción de El Imperio Contraataca, donde Lucas le hizo responsable de haber permitido que Irvin Kershner se pasara del presupuesto, poniendo en peligro la película y toda la saga.

En el tema del reparto, de nuevo estaba el tema de renegociar con Harrison Ford, único de los actores principales que no había firmado para tres películas y que el enorme éxito de En Busca del Arca Perdida le había hecho no tener que depender de esta saga. Además, su personaje había quedado en suspenso al final de El Imperio Contraataca. En mas de una ocasión, Ford había sugerido la posibilidad de que mataran al personaje de Han Solo y varios miembros del equipo lo secundaron, entre ellos Kasdan y Kazanjian. No obstante, Lucas se negó en redondo y logró que Ford permaneciera en la franquicia y que Han Solo sobreviviera. Por lo demás, los actores de las anteriores películas volvieron a repetir sus respectivos papeles.

Entre los nuevos personajes que se incluían en esta nueva película destacan El Emperador que, tras una breve aparición en El Imperio Contraataca, aquí adquiría mucho mas protagonismo. Aunque, Lucas no recurrió de nuevo a Clive Revill, el actor que lo había interpretado en la anterior película, y optó mejor por Ian McDiarmid. Aunque, este no fue el cambio mas significativo.

Otra nueva adquisición en el reparto fue el actor Sebastian Shaw, el encargado de poner rostro a Anakin Skywalker cuando Darth Vader, al final de la película, se quitaba su famosa máscara. Esto no le hizo mucha gracia a David Prowse, quién veía como cada vez era mas desplazado dentro de la saga. Después de que en La Guerra de las Galaxias sustituyeran su voz por la de James Earl Jones sin decirle nada, en El Impero Contraataca tampoco se le informó de la gran sorpresa en torno a su personaje –de nuevo volvió a enterarse en el estreno –y, además, en las escenas de lucha fue reemplazado por un especialista, ya que a Lucas no le convencía su forma de luchar. No obstante, el que no utilizaran su rostro para ser Anakin Skywalker fue, sin duda, el golpe mas duro. Cabe decir que Prowse no guarda muy buen recuerdo de Lucas y su paso por la saga; a pesar de que el tipo explota el haber dado vida a Darth Vader en Star Wars.

No obstante, el personaje nuevo mas destacable fue, sin duda, Jabba el Hutt, el jefe mafioso al que Han Solo debía dinero y que hacía su gran aparición en este film. Aunque, ya aparecía en una escena de La Guerra de las Galaxias que se rodó con Harrison Ford interactuando con el actor Declan Mulholland, quién luego sería reemplazado en post-producción por un personaje creado mediante stop motion. Esa escena fue eliminada aunque, años después, Lucas la recuperó para el reestreno de la saga en 1997; esta vez con un Jabba creado por CGI.

Antes de continuar, voy a hablar de una curiosidad con respecto a esa escena. Cuando se rodó, el personaje de Jabba había sido ideado para tener la forma de un ser peludo, asemejado a un gorila, de ahí que Mulholland llevara puestas ropas peludas –como se ve en la imagen que pongo debajo –. El caso es que, en un momento dado, Ford pasaba por detrás de él, lo cual supuso un problema cuando se rediseñó al personaje, ya que el nuevo diseño tenía una larga cola detrás. En un momento dado, alguien bromeó diciendo que Han Solo le pisase la cola a Jabba y esto se convirtió en la gran solución; aportando, además, comicidad a la escena.

Volviendo a El Retorno del Jedi, fue Phil Tippett quién rediseñó al personaje, dándole un aspecto mas parecido a una babosa gigante. Para crearlo, se requirió de nuevo los servicios de Stuart Freeborn, quién diseñó una enorme marioneta que pesaba una tonelada, tardó tres meses en construirse y costó medio millón de dólares. Se requirieron los servicios de varios titiriteros de la factoría de Jim Henson para manejar las distintas partes de su cuerpo –como se ve en la imagen de debajo –. Uno de ellos sufrió un accidente. En la escena en la que Leia estrangulaba a Jabba con la cadena, hubo un momento en el que saltaba sobre él y, sin quererlo, le pisó la cabeza clavándole uno de sus tacones. Otro incidente fue cuando la mascota de Jabba, Salacious, le arrancaba un ojo a C-3PO. Mientras se rodaba esa escena, Anthony Daniels sufrió un repentino ataque de pánico y se ahogaba dentro del traje a pesar de que, en esa ocasión, tan solo llevaba puesto el casco.

Finalmente, el resultado con Jabba fue impresionante. No obstante, Lucas nunca quedó del todo satisfecho, ya que el que Jabba fuera una enorme marioneta obligaba al personaje a estar siempre sentado y él quería que tuviera mas movilidad.

El rodaje se llevó a cabo entre enero y mayo de 1982. Fue un rodaje mas corto que el de las anteriores películas, dejando mas tiempo para la post-producción. Lucas volvía a financiar el mismo la película, invirtiendo un presupuesto de 33 millones de dólares. Aunque, esta vez no quiso correr de nuevo el riesgo a que el director se pasara del presupuesto, como ocurrió en El Imperio Contraataca, por lo que decidió tomar una parte mas activa en el rodaje y, además, esta vez prescindió de rodarla en lugares lejanos, como Túnez o Noruega. Para recrear el desierto de Tatooine, eligió Arizona –concreatamente, el condado de Yuma –, y la batalla final en el arbolado paisaje de Endor fue rodada en los bosques de secuoyas del norte de California, cerca de Crescent City. Todo esto después de que la mayor parte de la película se rodara de nuevo en los habituales estudios Elstree de Londres.

La presencia de Lucas en el set de rodaje fue constante y son muchos los que afirman que fue él, en realidad, quién dirigió la película desplazando a Marquand, a quién, por cierto, algunos, como Anthony Daniels, le veían demasiado inexperto; sobre todo, en el trabajo con los actores. No obstante, Lucas siempre tuvo en cuenta a Marquand en todo momento e, incluso, aceptó varias de sus ideas para el guión. Una de ellas, la mas destacable, fue recuperar a Yoda, cuya presencia no estaba prevista en el film. Sin embargo, el director convenció a Lucas de que era vital para la historia que Luke regresara a Dagobah y recibiera una última lección del gran maestro Jedi.

Con mas tiempo, mas dinero y mejores medios, los de ILM lo tuvieron mas fácil a la hora de crear los efectos especiales para el film y mejorar aspectos en escenas como la batalla final en el espacio entre la flota rebelde, liderada por Lando Calrissian a bordo del Halcón Milenario, y la flota imperial. Lo mismo que en la batalla en Endor, donde tuvieron especial protagonismo los AT-ST, versión mas reducida y bípeda de los AT-AT de El Imperio Contraataca.

No obstante, aún hubo escenas que siguieron planteando un reto.

Una de ellas es la famosa persecución de motos speeders en Endor, una de las mas trepidantes de toda la saga. Para ello, a Dennis Muren se le ocurrió trasladarse al lugar donde se rodaría dicha escena y grabar con una steadycam el recorrido que hacían las motos. Las escenas se rodaron a un fotograma por segundo, así, al proyectarlas a 24 fotogramas por segundo, que es la velocidad habitual en cine, daba la sensación de una mayor velocidad. Después, para poder insertar en ellas las motos speeders y reproducir el movimiento de ellas, los técnicos utilizaron como referencia unas pequeñas reproducciones de los vehículos con muñecos de Barbie y Ken reemplazando a los actores. El resultado fue memorable.

Aquí os dejo la escena en cuestión:

La película se terminó y quedó lista para su estreno el 25 de mayo de 1983 y, como era de esperar, fue un enorme éxito de taquilla. En EEUU hizo 309 millones de dólares, superando a El Imperio Contraataca, aunque es la que menos ha recaudado a nivel mundial con solo 475 millones de dólares; aún así, para una película que costó 33 millones, esto no es tan mala cifra. En cuanto a premios, fue nominada a cinco oscars, aunque solo se llevó el de mejores efectos especiales.

Como las dos primeras, El Retorno del Jedi es una gran película, aunque también es la entrega mas floja de esta primera trilogía.

Por un lado, su épico cierre de la saga es magistral. La batalla de Endor, tanto la que se desarrolla dentro de la luna como la que se lleva a cabo en el espacio, es maravillosa y de lo mas espectacular, mientras que el enfrentamiento final entre Luke y Vader –con este último redimiéndose y volviéndose contra el emperador, conviritiéndose así en el elegido que destruiría a los Sith y traería el equilibrio a la galaxia que se creyó que era antes de su caída en el lado oscuro –es un momento antológico. Pero, por el otro lado, el infantilismo que desprenden los ewoks –seres muy odiados por una parte de los fans –contrasta mucho con el tono épico del film y estropea el conjunto final.

Aún así es una película excelente y maravillosa y una muy buena forma de cerrar la saga. Además, nos ofrecía uno de los momentos mas eróticos de la saga gracias a Leia y su "indumentaria" como esclava sexual de Jabba el Hutt.

Os dejo con el trailer:

Continuará...

EL EXORCISTA

2011-02-21T03:37:00.001-08:00

Es todo un clásico del cine de terror y una de las mejores películas de la historia del cine. Un film que marcó un antes y un después y que, como muchas otras películas de gran importancia y peso en la historia, ha sido imitada hasta la saciedad. Hablo de El Exorcista (1973), film mítico donde los haya, realizado con gran talento y que aún hoy día impresiona. Esta es su historia.

En unas excavaciones arqueológicas en el norte de Irak, el sacerdote y arqueólogo Lankester Merrin encuentra una extraña figura que representa la cabeza de un horrible ser. Presintiendo que algo terrible va a suceder, decide regresar a los EEUU. Pero, antes de irse, visita unas ruinas donde se encuentra una estatua que representa a Pazuzu, un poderoso demonio al que lleva años combatiendo. Poco después, en Georgetown (Whasington D.C.), la actriz Chris MacNeil, quién se encuentra allí rodando una película, ve impotente como Regan, su hija de 12 años, comienza a hacer cosas raras a la vez que experimenta extraños cambios en su cuerpo; todo esto, mientras se producen sucesos extraños en los alrededores, como profanaciones a figuras sagradas o muertes misteriosas, como la del director de la película en la que trabaja. Después de llevarla a varios médicos y psiquiatras y hacerle multitud de pruebas, nadie consigue encontrar una explicación lógica a lo que le ocurre a la niña. Es entonces cuando la mujer decide recurrir a la iglesia para que le practiquen un exorcismo a su hija y busca la ayuda del padre Damien Karras, un joven sacerdote y psiquiatra atormentado por la muerte de su madre y los múltiples casos de demencia que debe tratar entre los curas de la universidad. Karras, en un principio, se muestra escéptico pero, tras hacerle varias pruebas a la niña, se convence de que el demonio está dentro de ella y pide permiso a la iglesia para practicarle el exorcismo. La iglesia se lo concede, pero piden que sea un sacerdote mas experimentado el que lo haga, por lo que recurren a Merrin, quién ya ha practicado otros exorcismos en el pasado. Merrin y Karras inician, entonces, el exorcismo a la niña, el cual tendrá consecuencias inesperadas.

El origen de esta película se remonta al año 1949, cuando tuvo lugar un suceso que conmocionó a la opinión pública de EEUU. Se trata del célebre caso Roland Doe, seudónimo –impuesto por la iglesia –tras el que se encontraba Robbie Mannheim, un niño de 13 años que fue víctima de una posesión demoníaca y le fue practicado un exorcismo. Ese caso fue seguido muy de cerca por un joven estudiante de Georgetown a través de un estremecedor artículo del Washington Post escrito por Bill Brinkley.

Este joven era William Peter Blatty quién, años después, se convertiría en escritor y, tras investigar y documentarse todo lo posible sobre lo ocurrido, utilizó aquellos hechos para escribir su novela mas famosa, a la que llamó The Exorcist (El Exorcista). Blatty comenzó a escribir esta novela en los años 50 y trabajó en ella casi dos décadas hasta tenerla terminada en 1971 y publicarla al año siguiente. En un principio, la intención de Blatty era escribir un libro que recreara aquellos sucesos. Sin embargo, se encontró con la oposición de la familia del chico, que solo deseaba olvidar lo ocurrido lo antes posible y pasar página. Fue por ello por lo que el escritor se vio obligado a cambiar de idea y escribir una novela de ficción sustituyendo al chico por una niña de 12 años y trasladando la historia a Georgetown, lugar donde había tenido por primera vez constancia de lo ocurrido.

La novela fue un enorme éxito, adquiriendo rápidamente la categoría de best-seller, y, como era de esperar, llamó rápidamente la atención de la industria del cine. Tras llegar a un acuerdo con Warner Bros., Blatty se reservó para él la producción y el guión de la futura película. El escritor ya tenía experiencia en el cine, habiendo trabajado como guionista para directores como Blake Edwards (El Nuevo caso del Inspector Clouseau, ¿Que hiciste en la guerra, Papi?), Arthur Hiller (Prometeme Cualquier Cosa) o J. Lee Thompson (Un Yanki en el Harén). No obstante, aún faltaban unos años para que debutara en la dirección con La Novena Configuración (1980) –basada en otra de sus novelas –y, por lo tanto, necesitaban un buen director para poner al frente del proyecto.

Muchos fueron los nombres que se barajaron. Arthur Penn, Peter Bogdanovich, Mike Nichols o hasta el mismísimo Stanley Kubrick fueron algunos de los directores tanteados sin éxito. El estudio, en un primer momento, seleccionó a Mark Rydell. No obstante, Blatty se había fijado en William Friedkin quién, por aquel entonces, había logrado un enorme éxito con la película The French Connection (1971) –conocida en España como Contra el Imperio de la Droga –. Blatty, gran admirador de esa película, quería para la adaptación que fuera tan eficaz como dicho film. Pero la Warner, que ya había contratado a Rydell y era consciente de lo difícil que era trabajar con Friedkin, se opuso a esta elección. No obstante, Blatty no se dio por vencido y, entonces, se inició un tira y afloja entre el escritor y el estudio que terminó ganando el escritor. Así, Rydell fue despedido y contrataron a Friedkin.

Una vez elegido el director, el otro gran tema a tratar ahora era el del reparto, sobre todo para los personajes principales de la trama.

Marlon Brando fue propuesto por el estudio para dar vida a Merrin. Sin embargo, Friedkin se opuso rotundamente alegando que el actor acapararía todo el protagonismo y llegaría a pasar por encima de él y de Blatty. Así, tras tantearse otros actores, el elegido fue Max von Sydow, actor cuya interpretación convencía a Friedkin y Blatty, pero presentaba un inconveniente: la edad. Y es que, por aquel entonces, el actor contaba solo con 43 años de edad cuando el personaje que debía interpretar era mucho mas anciano y, además, su cuerpo estaba muy desgastado por sus continúas luchas contra el demonio. Fue por ello que debió prestarse a largas sesiones de maquillaje para adquirir ese aspecto.

Para el padre Karras se tantearon actores como Jack Nicholson, Paul Newman o Gene Hackman –que ya había trabajado con Friedkin en Contra el Imperio de la Droga –sin que ninguno convenciera. Blatty pareció encontrar al actor ideal en Stacy Keach, al que se llegó a contratar. Sin embargo, poco después, Friedkin encontró actuando en un teatro de Broadway al actor Jason Miller. Este no había trabajado nunca en una película, pero el director lo vio ideal para el papel de Karras y, tras lograr convencer a Blatty y al estudio, Keach fue apartado y Miller fue contratado en su lugar.

También sonaron muchos nombres para el papel de Chris MacNeil. La primera fue Shirley MacLaine, quién era gran amiga de Blatty y, de hecho, el escritor se había basado en ella para el personaje. No obstante, no pudo ser, entre otras cosas, porque MacLaine ya había intentado antes hacer su propia versión cinematográfica de la novela con Lew Grade como director. Se le ofreció también el papel a Jane Fonda, pero esta lo rechazó diciendo que el proyecto era un “pedazo de mierda capitalista”. Por el contrario, Audrey Hepburn estaba mas convencida, pero puso como condición que la película se rodara en Roma, cosa que no pudo ser. Anne Bancroft llegó a ser seleccionada, pero tuvo que rechazarlo al encontrarse embarazada por aquel entonces. Finalmente, la actriz Ellen Burstyn fue, finalmente, la elegida; aunque, antes puso como condición que se suprimiera del guión una frase que pronunciaba el personaje – “Creo en el demonio” –, la cual no le hacía mucha gracia.

No obstante, aún quedaba el personaje mas importante, el de Regan MacNeil, la niña poseída. Friedkin sabía que no podían escoger a una niña cualquiera para ese papel, necesitaban a alguien que hiciera una interpretación lo mas convincente posible de esa dulce niña que, poco a poco, se va convirtiendo en un monstruo. Por ello inició una intensiva búsqueda, llegando a hacer pruebas a mas de 600 niñas, entre las que se encontraban Brooke Shields o la malograda Dana Plato, sin ningún éxito. En un principio, se seleccionó a Denise Nickerson, quién ya gozaba de cierta fama por aquella época tras su participación en Un Mundo de Fantasía (Mel Stuart, 1971) –una versión de Charlie y la Fábrica de Chocolate anterior a la de Tim Burton que protagonizó Gene Wilder –, no obstante, los padres de esta la sacaron inmediatamente de la producción al leer el guión y descubrir la escena de la niña masturbándose con un crucifijo.

Curiosamente, dicha escena fue clave para la elección de la niña que, finalmente, resultó elegida: Linda Blair. En un principio, esta joven no levantaba mucha confianza. La misma agencia que la representaba, que ya había recomendado a 30 niñas para ese papel, la pasó por alto y estuvo muy cerca de no presentarse al casting. No obstante, su propia madre –que aparece brevemente en la película haciendo de enfermera –la llevó a la prueba y allí logró llamar la atención de Friedkin. Lo que mas impresionó al director de ella fue cuando le preguntó si sabía de que iba la película y aquella niña de apariencia dulce respondió, con una naturalidad que asustaba, que trataba sobre una niña que se masturba con un crucifijo.

La película comenzó a rodarse el 14 de agosto de 1972. Parte del rodaje tuvo lugar en la misma Georgetown, donde se rodó dentro y fuera de la universidad y varios exteriores. El exterior mas importante fue la casa de Chris MacNeil y, sobre todo, la famosa escalera donde tiene lugar la caída del padre Karras cuando este se tira por la ventana al final; lo cual se rodó con un especialista lanzándose por los escalones, los cuales fueron forrados de goma gruesa. El edificio elegido fue el 3600 de Prospect Street, donde Blatty residió mientras estudiaba en la universidad la época en la que conoció el suceso de Roland Doe. El edificio tenía la ventaja de estar junto a una escalera muy parecida a la que aparecía en el guión, pero presentaba un inconveniente: la casa y la escalera estaban separadas por un jardín de mas de una yarda de distancia y se suponía que las escaleras estaban bajo la ventana del cuarto de Regan. Esto obligó a falsear muchos planos y emplear varios trucos de montaje para que diera la impresión de que la ventana estaba junto a la escalera.

Aquí os dejo una imagen de la casa en la actualidad:

El rodaje continuaría en Nueva York, donde ya, previamente, se habían rodado algunas escenas, como la del psiquiátrico donde está ingresada la madre de Karras. Allí, entre otras cosas, se rodaron los interiores de la casa de Chris MacNeil, los cuales fueron reproducidos en los estudios CECO de Manhattan. No obstante, el dormitorio de Regan, donde tiene lugar el exorcismo –la secuencia estrella del film –, fue reproducido en los sótanos de la Universidad de Fordham. Allí se utilizaron cuatro acondicionadores de aire que refrigeraron la habitación hasta 40º bajo cero. Era tan baja la temperatura que el aliento de los presentes se solidificaba y, de vez en cuando, se formaba nieve en el techo a causa de la humedad. Aunque, quién peor lo pasó fue Linda Blair, quién solo llevaba puesto un camisón y se vio obligada a no pararse en ningún momento para no quedarse congelada. Todo esto para conseguir que el vaho que saliera de la boca de los protagonistas fuera tal y como Friedkin quería que fuese.

Es famosa la fama de duro que tiene Friedkin en sus rodajes con los miembros del equipo y, sobre todo, con los actores. A parte de lo mal que lo pasó Blair a causa del frío, Ellen Burstyn tampoco lo pasó nada bien. Durante la escena en la que Blair la lanza contra el suelo, el arnés que la tenía sujeta dio un tirón mas fuerte de los previsto y la hizo caer sobre su coxis, causándole una lesión espinal permanente. Otras de las gracias del director era llevar una pistola de fogueo –aunque, algunos dicen que era de verdad –que disparaba inesperadamente desde detrás de los escenarios para conseguir que los actores se sobresaltaran. Aunque, lo que se lleva la palma fue durante la escena en la que el padre Dyer, amigo de Karras, le da la extremaunción después de que se lanzara por la ventana. El personaje estaba interpretado por un cura de verdad, el reverendo William O'Malley, no por un actor, y este no lograba hacer que la escena quedara convincente. Tras varias tomas, Friedkin, cansado, se le acercó e, inesperadamente, le abofeteó bien fuerte antes de ponerse otra vez a grabar. Esta vez, la toma fue buena y, de hecho, el temblor de su mano en esa escena es auténtico. Vamos, que el tipo debió de pensar: o lo hago bien o recibo otra hostia sin consagrar.

A todo esto hay que añadir varios problemas técnicos, diversos accidentes e, incluso, un incendio que hicieron que la producción se retrasase. De los 85 días previstos para el rodaje, este se prolongó hasta 224 días. Aunque, lo que mas conmocionó a los implicados, fueron las dos muertes que se produjeron en pleno rodaje. El 30 de enero de 1973, el actor Jack McGowan, que interpretaba a Burke Dennings –el director de la película que rueda Chris y que moría a manos de Regan en una escena que no llega a verse –falleció poco después de rodar sus respectivas escenas a causa de una neumonía con 54 años de edad. Después, el 9 de febrero, moría Vasiliki Maliaros con 89 años de edad por causas naturales –aunque esto no evitó que aumentara la leyenda negra –. Maliaros daba vida en el film a la madre de Karras y esta fue la primera y última vez que actuaba en una película, ya que solo tenía experiencia de protagonizar dramas griegos. Friedkin la descubrió en un restaurante griego y tanto él como Blatty la contrataron porque les recordaba mucho a su madre.

A raíz de todos estos sucesos, empezaron a circular fuertes rumores de que la película estaba maldita, cosa que puso muy nerviosos a los miembros del equipo hasta el punto de que Friedkin, para tratar de tranquilizarles un poco, le pidió al reverendo Thomas Bermingham –quién tiene una breve aparición en el film como presidente de la universidad –que realizara un exorcismo al set. El religioso se negó y se limitó solo a bendecir el set y tranquilizar a la gente. No obstante, la cosa no quedó ahí. Mas adelante hablaré de ello.

Problemas a parte, la película siguió adelante. En el aspecto técnico, a parte del excelente trabajo que los maquilladores estaban logrando para transformar a Blair en el demonio, los de efectos especiales tuvieron que emplear elementos rústicos para los distintos efectos que aparecen en el film. Como, por ejemplo, las escenas en las que la niña vomita, para las que se empleó puré de guisantes de la marca Anderson –la cual no dudó en emplear esto como publicidad –. Se utilizaron tres camas diferentes, con un movimiento diferente cada una, para la escena en la que la cama de Regan tiembla. A Linda Blair también se le colocó un arnés para escenas como en la que tiene fuertes espasmos o cuando es lanzada brutalmente sobre la cama. En una de esas tomas, la joven actriz también se dañó la espalda cuando un trozo de aparejo se rompió mientras era lanzada.

Claro, que la niña no hizo todas las escenas duras del film. Una doble la sustituía en las escenas mas peligrosas. Como en la famosa escena de la masturbación con el crucifijo. Dicha escena fue rodada enteramente con la doble y, después, se rodaron primeros planos con Blair que luego serían mezclados en la sala de montaje.

Otra doble, la contorsionista Linda R. Hager, también la sustituyó en otra famosa escena: la que la niña baja las escaleras de una forma asemejada a la de una araña. Esta escena se rodó el 11 de abril de 1973 y se empleó un arnés sujeto al techo por varios alambres. Esta fue la razón por la cual esa escena fue cortada en el montaje. Friedkin, aunque alegó que la escena sucedía demasiado pronto, decidió no incluirla porque se veían demasiado los alambres y eso restaba realismo a la escena. Así que la escena fue suprimida –algo que no hizo gracia a Blatty; aunque este puso pocas objeciones –. No obstante, se recuperó para el exitoso reestreno de la película en el año 2000, donde Friedkin pudo borrar los alambres gracias al ordenador.

Originalmente, se rodaron tres finales para esta escena. Uno era fiel a la novela, donde, tras bajar las escaleras, la niña movía la lengua como una serpiente y perseguía a la madre y a Sharon (Kitty Winn). En otro terminaba mordiendo a Sharon. Y el tercero, el que finalmente se utilizó, la niña se ponía a vomitar sangre por la boca al terminar de bajar las escaleras. Este último lo podéis ver aquí y uno de los descartados aquí.

A parte de esto, Frienkin utilizó las nuevas técnicas para mas cosas en dicha reedición. Por ejemplo, para poner mas veces de forma subliminal la cara blanca demoníaca que aparece brevemente en el film. Dicha cara es la actriz Eileen Dietzs –que también hizo de doble de Blair –, quién necesitó hasta cuatro horas de maquillaje para que su rostro representara ese aspecto demoníaco que Friedkin había ideado inspirándose en la máscara de demonio que se utilizó en la película Onibaba (Kaneto Shindô, 1964). Aquí os dejo esa cara por si alguien no sabe de lo que hablo:

Esta cara también fue utilizada en un teaser trailer promocional que fue prohibido en muchos cines al considerarlo demasiado espantoso. Aquí os lo dejo también:

No fue este el único material promocional que se suprimió. El primer poster que el estudio sacó era una foto de la mano ensangrentada de Regan con el crucifijo con el que se masturba bajo el cual se podía leer la frase: “God help this girl!” (Dios ayuda a esta chica). Friedkin lo rechazó porque consideraba que la palabra “Dios” no debería aparecer en el poster de ninguna película. La imagen que se utilizó finalmente para el poster –y que ha pasado a la historia del cine –es la imagen de Merrin llegando a la casa entre la niebla y bajo la luz de una farola. Esta escena fue filmada el primer día del rodaje y está inspirada en el cuadro Empire of Light, pintado por René Magritte en 1954.

Volviendo al rodaje, este culminó en Irak, donde se rodaron las escenas de la excavación con las que comienza la película. Hasta allí solo se trasladó el equipo británico del film, ya que Irak no tenía muy buenas relaciones diplomáticas con EEUU por aquel entonces –y eso que no sabían lo que iba a pasar 30 años después... –. Gracias a eso, y a la promesa de enseñarles a los directores irakíes sus avances técnicos y como fabricar sangre falsa, el equipo británico pudo, entre otras cosas, rodar con Sydow en las mismas ruinas de Hatra. Hasta allí fue llevada la estatua de Pazuzu con la que Merrin se encara en el film. No obstante, dicha estatua fue enviada antes por error a Hong Kong y esto obligó a retrasar dos días el rodaje.

Finalmente, el rodaje concluyó y, tras su montaje –el cual se dice que se realizó en el 666 de la 5ª Avenida –, la película quedó lista para su estreno el 26 de diciembre de 1973 y, desde el primer momento, fue un enorme éxito de taquilla. Con un presupuesto de 12 millones de dólares, el film llegó a recaudar 193 millones de dólares en EEUU y lograr mas de 200 millones en todo el mundo. Cifra que se vio incrementada con su reestreno en 2000, haciendo que el film tenga unos beneficios brutos de 513 millones de dólares. Su éxito también se materializó en premios. El film ganó los globos de oro a la mejor película dramática, mejor director, mejor guión y mejor actriz de reparto para Blair. En los oscars recibió 11 nominaciones, aunque solo consiguió los premios al mejor guión adaptado y mejor sonido; aquel fue el año de El Golpe (George Roy Hill, 1973).

No obstante, los problemas del film no terminaron con el fin del rodaje y su estreno. Ya de por si, el hecho de tratar un tema tan escabroso como el del diablo provocó las protestas de muchos grupos ultrareligiosos; el evangelista cristiano Billy Graham llegó a asegurar que el demonio estaba dentro de la cinta y Linda Blair recibió amenazas de muerte que obligaron a la Warner a ponerle guardaespaldas durante seis meses. A todo esto hay que unir que el film causó la histeria colectiva en muchos cines y teatros donde se proyectó. La gente se ponía a gritar, a desmayarse y sufrían ataques de ansiedad, lo que obligó a muchas ambulancias a desplazarse allí.

Después, otros hechos hicieron acrecentar mas la leyenda negra que circulaban sobre el film a raíz de sus accidentes durante el rodaje. Hasta 9 personas relacionadas con la película fallecieron en los años siguientes. Aunque, el caso mas chocante es el de la actriz Mary Ure, quién falleció en 1975 la misma noche que se estrenó la versión teatral del film que ella protagonizaba. Se desconocen las causas de su muerte, pero se especula con que pudo tratarse de un suicidio, ya que había tomado esa noche whisky y barbitúricos.

Otros problemas que sacudieron al film fueron de carácter legal. Un buen ejemplo es el caso de la actriz Mercedes McCambridge, quién fue contratada para ponerle la voz al demonio cuando este hablaba por medio de la niña. McCambridge hizo un excelente trabajo, pero el estudio no reconoció su labor y su nombre no apareció reflejado en los créditos del film, lo que provocó que la actriz los demandase hasta conseguir que su nombre si figuraba.

No obstante, todos estos problemas no evitaron que la película haya pasado a la historia como una de las mejores películas de la historia, tanto del cine de terror, como del cine en general. Una obra maestra donde las haya que hace lo que toda película de terror debería hacer: asustar. Es maravilloso, tanto el trabajo de su director, como el de su guionista-productor; pero sobresale de entre todos el trabajo de Linda Blair, quién con solo 12 años hizo una de las mejores interpretaciones de la historia transformando a una niña dulce en un demonio. Puede que el excelente maquillaje ayudase, pero eso no quita peso a aquella interpretación que debería haber sido recompensada con un –muy merecido –oscar.

Os dejo con el trailer:

LAS SECUELAS

Como todas las películas de éxito, El Exorcista ha tendio varias secuelas. No obstante, ninguna de ellas han llegado a igualar su brillantez y, además, resultaron de los mas decepcionantes:

EL HEREJE (EXORCISTA II) (1977)

Después del enorme éxito de El Exorcista la Warner no dudó en poner en marcha una secuela, aunque sin contar ni con Friedkin ni con Blatty, quienes no estaban nada interesados en ella. El principal artífice de esta secuela fue el productor Richard Lederer, cuyos créditos como productor se limitan a este film y a la película The Hollywood Knights (Floyd Mutrux, 1980), y el encargado esta vez de dirigir era John Boorman, quién había rechazado dirigir la anterior película al considerar que era cruel con los niños; cosa que no ocurría en esta secuela, ya que Linda Blair estaba mas crecidita –y bastante buenorra –.

Han pasado cuatro años de lo sucedido. Regan, que ahora tiene 16 años, vive al cuidado de Sharon, la asistente de su madre, y asiste a sesiones de psiquiatría con la doctora Gene Tuskin, quién cree que tiene recuerdos reprimidos de lo que le sucedió cuando tenía 12 años. En medio de todo eso, el padre Philip Lamont, un sacerdote que fue pupilo de Merrin, investiga la muerte de su mentor y los sucesos que la envolvieron. La iglesia, que trata de modernizarse y no quiere reconocer la existencia de Satanás, afirma que el exorcismo a Regan fue una farsa y trata de juzgar a Merrin como un hereje. Lamont, en un principio, intenta interrogar a Regan, pero se encuentra con la oposición de la doctora Tuskin, que también rechaza la existencia del demonio y cree que sus preguntas perjudicarían a la chica. Es por eso que, siguiendo la pista de una rara visión, viaja a África, donde Merrin practicó un exorcismo a un niño africano que se ha convertido en un científico que intenta erradicar las plagas de langostas. Allí descubre que el chico africano tiene poderes curativos y que Regan también los tiene, además de todas las personas que han sido poseídas en los últimos años. Una visita en sueños de Merrin le advierte de que el responsable de las posesiones es un demonio llamado Pazuzu, enviado pos Satanás para provocar catástrofes –como las plagas de langostas –y poseer a todo el que tenga el don divino de curar a los enfermos. También le advierte de que Regan sigue corriendo peligro y debe protegerla.

En esta ocasión si se emplea el nombre de Pazuzu, inspirado en un dios sumerio. Este demonio era nombrado en la novela de Blatty, pero en la película se omitió y se refirió a él en todo momento como “el demonio”, haciendo que todo el que no se hubiera leído la novela creyese que se trataba del mismo Satanás.

La primera intención de Lederer era hacer una película barata –de unos 3 millones de dólares –que, practicamente, sería un refrito de la primera. Esta idea fue rechazada por el estudio, que invirtió otros 12 millones de dólares en el film y contrató al dramaturgo William Goodhart para escribir el guión del film. Este se inspiró en las teorías de Pierre Teilhard de Chardin, quién sirvió de inspiración a Blatty para crear a Merrin. No obstante, su guión no convencía a Boorman, quién lo reescribió varias veces junto a Rospo Pallenberg; aunque ninguno de los dos aparecería luego acreditados como guionistas.

Linda Blair aceptó volver a dar vida a Regan, aunque se negó a que la maquillaran de nuevo para darle un rostro diabólico; por lo que las breves escenas en las que aparece poseída se trata de una doble. Max von Sydow no estaba muy por la labor de volver a dar vida a Merrin, por lo que tuvo que ser persuadido por el propio Boorman. No obstante, Ellen Burstyn se negó en redondo a volver a interpretar a Chris MacNeil, por lo que la historia fue reescrita para que su personaje no apareciera y, en su lugar, dar mas protagonismo a Sharon Spencer, que volvió a estar interpretada por Kitty Winn. Por otro lado, Richard Burton fue contratado para dar vida al padre Lamort, lo que obligó a reescribir también la historia, ya que en el guión el personaje era mas joven, pensado para actores como David Carradine, Jack Nicholson o Christopher Walken. No fue el único personaje que sufrió cambios. La doctora Tuskin, interpretada por Louise Fletcher –quién acababa de ganar un oscar por Alguien voló sobre el Nido del Cuco (Milos Forman, 1975) –originalmente, iba a ser un hombre, para el que sonaron los nombres de Chris Sarandon y George Segal. También cabe destacar en el reparto a James Earl Jones, quién daba vida a Kokumo, el niño al que Merrin exorcizó en África ya adulto.

Las continuas reescrituras de guión no fueron el único problema por el que atravesó el film. Boorman se encontró con el impedimento de rodar en lugares como Etiopía y el Vaticano, como tenía previsto. Tampoco se les permitió rodar en Washington ni en la casa de Georgestown de la primera. Casi toda la película se rodó en Nueva York y en los estudios de la Warner. De las 2.500 langostas que les llegaron importadas de Inglaterra, 100 de ellas morían cada día. El montador John Merritt abandonó la producción y tuvo que ser sustituido por Tom Priestley. Louise Fletcher y Kitty Winn sufrieron una infección en la vesícula biliar y el propio Boorman enfermó de fiebre del Valle de San Joaquín, lo que obligó a retrasar la producción mas de un mes. Al final, los 12 millones que invirtió el estudio aumentaron a 14 millones.

La película tuvo un recibimiento nefasto, siendo completamente machacada allá donde iba. Si la primera causó el pánico en los cines, esta provocó risas; el propio Blatty afirma que fue de los primeros que se partieron la caja al verla. No fue un fracaso, pero tuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares frente a los mas de 200 millones que hizo el primer film, lo que supuso un bajón tremendo. Linda Blair no habla, precisamente, maravillas de este film. Ella aceptó, principalmente, porque le gustó mucho el guión de Goodhart y afirma que las continúas reescrituras terminaron destrozándolo. Para ella, este es uno de los films mas decepcionantes de su carrera.

Después de este desastre, Boorman intentó arreglarlo con una nueva reedición que duraba diez minutos menos, se suprimían escenas y diálogos a la vez que se añadían otros y contenía un final alternativo donde el padre Lamont moría al final. Esta nueva versión fue, incluso, peor que la anterior y, de hecho, ni siquiera ha llegado al mercado del DVD, pudiéndose encontrar solo en VHS.

Desde luego, la película tiene una buena historia y unas excelentes interpretaciones. Además, la dirección de Boorman es muy buena y nos ofrece cosas como esos estupendos planos subjetivos en los que la cámara vuela como si fuera una langosta. Sin embargo, a nivel de guión, el film es un completo caos, llegas a perder el hilo de trama y al final casi nada tiene sentido. Por no hablar de que se hace terriblemente aburrida y pesada. Es una pena, porque podría haber salido algo mucho mejor de todo esto; no tan brillante como la primera, pero si algo mas decente.

Os dejo con el trailer:

EL EXORCISTA III (1990)

Para intentar arreglar el estropicio que supuso la anterior secuela, Blatty llegó con una idea para una nueva entrega. Un guión titulado Legion protagonizado por el Teniente Kinderman, que aparecía como secundario en El Exorcista. La historia gustó a Friedkin, quién aceptó dirigir la película, y la Warner puso en marcha el proyecto a principios de los 80. Sin embargo, por distintas razones no aclaradas, Friedkin terminó abandonando y el proyecto fue cancelado, por lo que Blatty reconvirtió el guión en una novela que publicó en 1983 y que fue un gran éxito de ventas. Estoo que hizo que el proyecto cinematográfico volviera a tomar forma.

Han pasado 15 años de los sucesos de El Exorcista. El Teniente Kinderman investiga una serie de brutales asesinatos que le tienen desconcertado y, lo que es peor, todos tienen el sello del Géminis, un asesino en serie al que dio caza y fue ejecutado quince años atrás. Las pistas llevan al teniente a una institución psiquiátrica, donde uno de los médicos de allí, el doctor Temple, le habla de un interno del lugar que afirma ser el asesino Géminis. Al visitarlo, Kinderman se sorprende al ver que se trata del padre Karras, al que se creía muerto 15 años atrás, cuando participó en el exorcismo de Regan MacNeil. De boca del propio Karras, poseído por el asesino, Kinderman escucha la historia de que, al ser ejecutado –el mismo día del exorcismo –, el espíritu de Géminis poseyó el cuerpo moribundo de Karras con la ayuda del demonio Pazuzu, como una venganza por ser expulsado del cuerpo de Regan MacNeil. Además, también le dice que, por las noches, su espíritu sale del cuerpo de Karras y posee a los ancianos seniles del centro, los cuales utiliza para cometer sus asesinatos. Kinderman, al principio, no cree la historia, pero cambia de opinión cuando una anciana del psiquiátrico intenta matar a su hija.

Esta es la única entrega de la saga que no está distribuida por la Warner. Descontento con el estudio, Blatty llegó a un acuerdo con Morgan Creek para producirla y con Carolco para distribuirla. Con un presupuesto de 11 millones de dólares, el film en un principio iba a estar dirigido por John Carpenter, pero este terminó abandonando y Blatty decidió encarar la que sería su segunda película como director tras La Noven Configuración (1980). En un principio, el film iba a llamarse El Exorcista: Legión, pero el estudio prefirió llamarla El Exorcista III para hacerla mas comercial.

Dado que Lee J. Cobb, quién dio vida a Kinderman en El Exorcista, había fallecido en 1976, Blatty fichó para el papel a George C. Scott, quién aceptó la oferta impresionado por el guión que Blatty había escrito. Jason Miller regresó para dar vida una vez mas al padre Karras. Brad Dourif, fue elegido para dar vida al asesino Géminis. Ed Flanders, que, al igual que Miller, trabajó con Blatty en La Novena Configuración, dio vida al padre Dyer, que aparecía al principio del film. Y Scott Wilson, también presente en La Novena Configuración, fue elegido para interpretar al Dr. Temple. El reparto lo completó Nicol Williamson dando vida al Padre Morning, que tiene una importante presencia en la parte final del film. También cabe mencionar una pequeña aparición de Samuel L. Jackson y los cameos de estrellas del baloncesto como Patrick Erwing o John Thompson y la estrella de la Tv Larry King.

La película prometía pero, como muchas otras películas, fue estropeada por la interferencia del estudio, que hizo varios cambios en el guión y en el montaje final que echaron a perder la cinta. Tampoco ayudaron nada la mala relación entre Blatty y James G. Robinson, dueño de Morgan Creek. El film tuvo un recibimiento igual, o peor, que la anterior secuela. Su taquilla fue solo de 26 millones de dolares y la crítica la puso a parir; aunque, con el paso de los años, ha ido ganando el favor de muchos críticos y está mejor considerada que la primera secuela.

Aunque Blatty afirmó en su día que se sentía orgulloso del resultado final, lo cierto es que lleva varios años intentando que Morgan Creek le entregue el metraje que falta para poder hacer un Director´s Cut que haga justicia a la novela y al film que él había concebido en su cabeza.

La película se deja ver y no es tan caótica ni aburrida como la segunda. Pero, al igual que aquella, se podría haber hecho mejor, porque al final deja bastante que desear. Lo mejor, sin duda, la interpretación del gran George C. Scott y la escena de la muerte de la enfermera; una escena no apta para cardíacos. Aquí os la dejo:

Y aquí os dejo el trailer:

EL EXORCISTA: EL COMIENZO (2004)

La Warner llevaba tiempo queriendo hacer una precuela de El Exorcista que mostrara el primer exorcismo de Merrin en África. En 1997, William Whiser comenzó a escribir un guión titulado Exorcist: The Beginning sobre esta historia, pero el proyecto se retrasó y su guión pasó por varias manos hasta que, a principios de la pasada década, el estudio puso en marcha el proyecto. El primer director seleccionado fue John Frankenheimer, que ya fue candidato en su día para dirigir El Exorcista. No obstante, este tuvo que renunciar por problemas de salud y, poco después, falleció.

La historia se sitúa en África, poco después de la II Guerra Mundial. El padre Merrin (Stellan Skarsgard), tras una mala experiencia en la Holanda ocupada, se ha tomado una prorroga como sacerdote para dedicarse mas a la arqueología y, mientras está en Egipto, recibe la proposición de ir a una excavación en Kenia, donde se ha desenterrado una iglesia bizantina que perteneció al siglo V, mucho antes de que el cristianismo llegara a la región. Merrin investiga el lugar, donde se han estado produciendo extrañas muertes y varios sucesos extraños; también entabla cierta amistad con Sarah (Izabella Scorupco), la médico de la excavación. Finalmente, Merrin logra entrar en la iglesia y descubre que, bajo ella, se encuentran las ruinas de un templo mucho mas antiguo que la iglesia, y que no es cristiano. Allí tendrá su primer enfrentamiento con el demonio Pazuzu.

Paul Schrader fue contratado para reemplazar a Frankenheimer en la dirección y, con un presupuesto de 30 millones de dólares, rodó la película. No obstante, una vez acabado el rodaje, los responsables del estudio no quedaron muy contentos con el resultado final, viendo que Schrader había hecho un film mas de terror psicológico y ellos querían algo mas efectista. Cuando Schrader se negó a rodar nuevas escenas para introducir los cambios que el estudio quería, fue despedido y, en su lugar, contrataron a Renny Harlin.

Pero Harlin no solo se limitó a rodar escenas adicionales, sino que terminó rodando de nuevo la película, cambiando actores, personajes –por eso no voy a hablar del reparto del film –y muchas cosas de la trama, incluido el final. El presupuesto de la película ascendió hasta los 80 millones de dólares. Al final, de lo rodado por Schrader no quedó casi nada y el resultado fue una película bien distinta. Todavía muchos se preguntan como la Warner permitió semejante despropósito. Porque si querían ganar dinero, la cagaron bien, porque la película solo recaudó 41 millones de dólares en EEUU y sus ingresos brutos fueron de 78 millones de dólares; ni tan siquiera recuperaron enteramente la inversión. Un fracaso en toda regla.

Este desastre hizo que, en 2005, la Warner editara en DVD la versión que hizo Schrader con el título de Dominion: Prequel to the Exorcist –conocida en España como El Exorcista: El comienzo (la versión prohibida) –, pero poco pudieron arreglar ya y la saga se puede dar ya por acabada.

Desde luego, la película es una auténtica mierda. Un bodrio que va degenerando a medida que abanza el film y que culmina con un climax de lo mas bochornoso. Lo único que vale la pena es el diseño de producción y la interpretación del gran Stellan Skarsgard como Merrin. Todo lo demás, salvo alguna escena curiosa -como la del ataque de las hienas -es pura basura. La otra versión, la de Schrader, mejora bastante la cosa; aunque tampoco mucho, la verdad.

Aquí os dejo el trailer:

ANTECESORA

Aunque películas sobre el demonio se vienen haciendo desde hace mucho tiempo, si El Exorcista tiene una claro precedente, esa es la película de la que voy a hablar:

LA SEMILLA DEL DIABLO (1968)

No es que, precisamente, esta gran película de Roman Polanski –y que estuvo muy cerca de ser dirigida por Alfred Hithcock –protagonizada por Mia Farrow vaya sobre exorcismos. Pero si se la podría considerar la antecesora directa del gran film de Friedkin al tratar el tema del demonio en la época contemporánea; algo que no era tan normal por aquel entonces. Además, este film comparte también una leyenda negra. El edificio donde se rodó, por ejemplo, es el mismo donde, 12 años después, asesinaron a John Lennon. Por no hablar de la espantosa muerte de Sharon Tate, la esposa de Polanski, al año siguiente a manos de la secta de Charles Manson.

SUCESORAS

El enorme éxito de El Exorcista potenció un sin fin de películas relacionadas con el demonio y los exorcismos que dura hasta nuestros días. Son muchas e incontables las películas que beben del film de Friedkin. Aquí os dejo unas cuantas muestras:

EL DIABLO SE LLEVA LOS MUERTOS (1973)

El mejor ejemplo de lo que supuso el impacto que tuvo el film de Friedkin en el mundo del cine. Este film italiano rodado en España –concretamente, en Toledo –del gran Mario Bava no tenía nada que ver con El Exorcista pero, a raíz del gran éxito de esta, el productor Alfredo Leone introdujo cambios en la trama, metiendo un sacerdote y un exorcismo de por medio, y así aprovechar el tirón. Esos cambios contrastas mucho con el resto de la película y es por ello que este film es algo difícil de ver.

EL ANTICRISTO (1974)

De nuevo, los italianos, que ya sabemos como les gusta aprovechar los grandes éxitos del cine americano. En este film dirigido por Alberto de Martino se mezclaban posesiones demoniacas con magia negra y brujas, además de potenciar en todo lo posible el componente sexual. Película bastante interesante, pero que no dejaba de ser otra de tantas producciones surgidas a raíz del éxito del film de Friedkin.

LA PROFECIA (1976)

Otro gran éxito de los años setenta que también tuvo secuelas: La Maldición de Damien (Don Taylor, 1978) y El Final de Damien (Graham Baker, 1981). Dirigida por Richard Donner y protagonizada por Gregory Peck, la película trataba sobre como un hombre, para evitar que su mujer se entere de que su hijo ha nacido muerto, lo sustituye por un bebé huérfano sin saber que se trata del mismo hijo del demonio. Un título de culto, con escenas memorables –como la de los perros –, aunque no llega a la brillantez de El Exorcista. Su remake, dirigido por John Moore, se estrenó a nivel mundial el 6 de junio de 2006 en referencia la famoso número de la bestia (666).

AMITYVILLE 2: LA POSESION (1982)

Terror en Amityville (Stuart Rosenberg, 1979) fue una película que recreaba un impactante suceso real para convertirse en un gran éxito y en un film de culto que, además, tuvo una gran cantidad de secuelas. La primera de ellas es este film de Damiano Damiani que, en mi opinión, supera a la primera entrega, la cual siempre encontré muy sobrevalorada. El film es, en realidad, una precuela que trata sobre lo que sucedió un año antes de la llegada a la casa de los Lutz, cuando Ronald DeFeo asesió a sus padres y a sus cuatro hermanos con un rifle. DeFeo argumentó estar poseído por un demonio -o un espíritu maligno -que lo obligó a cometer esos crímenes. Ya en la primera película se utilizaba el tema de los curas y los exorcistas, pero en este film la influencia de El Exorcista -sobre todo al final -es innegable.

POSEIDO (2000)

El segundo trabajo como director del guionista Steven E. de Souza (Stree Fighter, la Última Batalla) es este telefilm que recrea de forma mas fidedigna el suceso real de Robbie Mannheim que inspiró El Exorcista. Con Timothy Dalton, Henry Czerny y Christopher Plummer dando vida a los sacerdotes encargados de tal exorcismo

EL EXORCISMO DE EMILY ROSE (2005)

Jennifer Carpenter, Tom Wilkinson y Laura Linney protagonizaron este exitoso film de Scott Derrickson inspirado, al igual que El Exorcista, en un suceso real: el trágico caso de Anneliese Michel. Aunque, a diferencia del caso de Robbie Mannheim, el exorcismo que se le practicó a esta joven alemana no salió bien, terminando con su muerte. Esto provocó un gran escándalo y tanto los padres de la joven como los sacerdotes que hicieron el exorcismo terminaron en la cárcel por negligencia médica. Se pueden escuchar conversaciones de ese exorcismo, por si os interesa.

EL ULTIMO EXORCISMO (2010)

El mundo de los exorcismos se mezcla con el de films como Monstruoso (Matt Reeves, 2008) o Paranormal Activity (Oren Peli, 2007) –rodajes en plan falso documental y campañas virales –en esta película dirigida por Daniel Stamm y producida por Eli Roth que ha sido todo un éxito. Con un presupuesto de 1 millón de dólares ha logrado unos ingresos brutos de 66 millones.

PARODIAS

Como ya he dicho antes, El Exorcista ha sido víctima también de multitud de parodias. Aquí os dejo dos buenos ejemplos de ello:

REPOSEIDA (1990)

El mismo año que estrenaron El Exorcista III, Carolco estrenó también esta parodia del film de Friedkin y sátira del mundo de la Tv sensacionalista escrita y dirigida por Bob Logan y protagonizada por Linda Blair –quién se parodió a si misma –y el fallecido Leslie Nielsen. Blair daba vida a Nancy, una ama de casa que sufrió una posesión en el pasado y que vuelve a ser poseída mientras ve la Tv. El padre Jebedaiah Mayii (Nielsen), el sacerdote que la exorcizó en el pasado, tendrá que practicarle un nuevo exorcismo, pero esta vez ante las cámaras de un programa de Tv.

SCARY MOVIE 2 (2001)

La secuela de la exitosa Scary Movie (2000), que los hermanos Wayans realizaron al año siguiente, comenzaba con una parodia de El Exorcista. El dato curioso es que los Wayans querían que Marlon Brando interpretara al exorcista en esa misma escena; Brando, recuerdo, estuvo muy cerca de interpretar a Merrin en el film original. No obstante, el protagonista de El Padrino terminó rechazando el papel y fue reemplazado por James Woods.

BANDA SONORA

Como siempre, no puedo terminar el artículo sin hacer mención a su música. Y, en este film, el tema de la banda sonora se las trae.

En un principio, Friedkin quiso contratar a Bernard Herrmann, compositor habitual de Alfred Hitchcock, pero este rechazó la oferta. Entonces, fue contratado Lalo Schifrin -autor, entre otras cosas, de la archiconocida banda sonora de Misión Imposible -, pero su trabajo no terminó de convencer a Friedkin y fue rechazado; aunque, años después, parte de él se empleó para la banda sonora de Terror en Amityville.

Entonces, Friekin y Blatty recurrieron a la Wallach´s Music City, donde adquirieron los discos que mas les gustaron. El que mas ha destacado y ha pasado a la historia es la pegadiza Tubular Bells, de Mike Oldfield, a quién no le hizo mucha gracia que emplearan su melodía -creo que llegó a demandar al estudio -; aunque, hoy día vive practicamente de las rentas del éxito del film.

Os dejo con ella:

LARA CROFT: TOMB RAIDER

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En 2001, Lara Croft dio el salto de las consolas a la gran pantalla en un film que, por mucho que digan, para mi es una gran película y una de las mejores adaptaciones de videojuego que se han hecho. Y dos son los nombres propios que hicieron este film lo que es. Uno es su director, Simon West, quién se esforzó mucho en hacer justicia con los videojuegos Tomb Raider con un fim muy cuidado y superior a la media. La otra es su protagonista, Angelina Jolie, actriz de gran belleza y talento que dio vida a Lara Croft como si hubiera nacido para ello. Esta es su historia.

Lara Croft es una joven perteneciente a una importante familia aristócrata británica que siente fascinación por la arqueología y dedica gran parte de su tiempo a viajar por el mundo en busca de tesoros y reliquias antiguas. Es también una extraordinaria atleta y una experta en el manejo de armas y lucha cuerpo a cuerpo, lo que la hace una adversario temible. Una noche en la que los planetas comienzan a alinearse, encuentra un misterioso reloj perteneciente a su padre, que murió siendo ella muy niña. Antes de que puede averiguar que es exactamente, unos individuos armados irrumpen en su mansión y, aunque ella les hace frente, consiguen llevarse el reloj. Estos individuos son mercenarios al servicio de Manfred Powell, un despiadado hombre que trabaja para los Illuminati, una poderosa sociedad secreta que necesita el reloj para encontrar las dos mitades en las que fue dividido un triángulo que una antigua civilización construyó con el metal de un meteorito que cayó en la Tierra hace miles de años y que le otorga a su poseedor el poder de controlar el tiempo. Powell inicia la búsqueda del triángulo junto a Alex West, un experto saqueador de tumbas que tiene una relación de amor-odio con Lara, quién no dudará en seguir de cerca sus pasos para hacerse con el triángulo.

Antes de hablar de la película, es obligado repasar un poco al personaje que adapta. A estas alturas, dudo mucho que Lara Croft necesite presentación. Esta voluptuosa heroína fue creada a mediados de los años 90 por el diseñador Toby Gard para un videojuego llamado Tomb Raider. En un principio, el personaje iba a ser un hombre, un héroe tipo Indiana Jones. No obstante, esta idea fue rechazada y decidió reconvertir al personaje por completo, convirtiéndolo en una heroína muy sexy que gustó mucho mas. El personaje tuvo una excelente aceptación, tanto del público masculino -atraído, principalmente, por su espectacular físico -como por el femenino -que veía con muy buenos ojos que una mujer protagonizara un videojuego -, y el videojuego, estrenado en 1996, se convirtió en un gran éxito de ventas y en el inicio de una saga de lo mas exitosa.

Obviamente, este éxito no pasó desapercibido para Hollywood, que ya había llevado otros videojuegos a la gran pantalla con mayor o menor fortuna -mas adelante hablaré de esto -. Los estudios empezaron a pelearse por los derechos del personaje y el videojuego, siendo Paramount Pictures la ganadora de la partida tras llegar a un acuerdo con Eidos, empresa matriz de Core Design, la compañía que lo había desarrollado.

Una vez conseguidos los derechos, Paramount puso en marcha un proyecto cinematográfico en el que invirtieron 80 millones de dólares y que pusieron en manos del veterano productor Lawrence Gordon. En 1998 contrataron al guionista Brent V. Friedman, quién venía de trabajar en Mortal Kombat: Annihilation (John R. Leonetti, 1997), para escribir un primer borrador del guión que luego sería revisado por otros guionistas. Paralelamente, en 1999, Steven E. de Souza, director y guionista de la adaptación de Street Fighter, escribió su propio guión para un film que él mismo tenía pensado dirigir y que nada tenía que ver con el proyecto que estaban realizando. No dudó en presentar dicho guión a Paramount con la esperanza de que lo contrataran. No obstante, el estudio lo rechazó, aunque se quedó con su idea de Lara Croft persiguiendo la Caja de Pandora para futuras secuelas.

Para la dirección, en un principio, fue elegido Stephen Herek. No obstante, este duró poco en la producción. No tengo seguro si fue él el que se fue o, al contrario, lo despidieron. Sea lo que sea, me alegro de ello, ya que este director es un chapucero de cuidado que, aunque debutó bien con la curiosa Critters (1986), es responsable de una filmografía llena de bodrios mayúsculos donde destacan títulos como Somos los Mejores (1992), 101 Dálmatas. ¡Mas vivos que Nunca! (1996) o -y esta se lleva la palma -El Gurú, una incontrolable tentación (1998). Fue un total acierto no dejar la película en las manos de este tipo.

En su lugar, contrataron al mas competente Simon West, director de origen británico que, tras iniciarse en el mundo de la publicidad, dirigió las muy logradas Con Air (1997) y La Hija del General (1999). West, a pesar de sus reparos iniciales, se metió de lleno en el proyecto y se dispuso a conseguir un guión en condiciones. Tras rechazar el primer borrador que le entregaron, el cual calificó como horrible, puso inmediatamente a trabajar a los guionistas vinculados al proyecto (Patrick Massett, John Zinman, Sara B. Cooper, Mike Werb y Michael Colleary). Sin embargo, ninguno de los borradores que le presentaron fueron de su agrado. Al final, fue el propio West quién escribió el guión definitivo del film basándose en el tercer videojuego de la saga, Tomb Raider III (1998). No obstante, por las fechas en las que la película se iba a estrenar, verano de 2001, había una fuerte amenaza de huelga por parte de los guionistas -que, finalmente, no se produjo -y, para no buscarse líos con el sindicato de guionistas, West apareció en los créditos solo como adaptador mientras los demás guionistas aparecían acreditados en el apartado de guión y argumento.

Volviendo a la producción, una vez encontrado un guión de su agrado, West se dispuso a buscar a la actriz ideal para dar vida a Lara Croft. Desde que se anunció el proyecto, muchos fueron los nombres de actrices que sonaron para el codiciado papel. Demi Moore, Catherine Zeta-Jones, Denise Richards, Jennifer Lopez, Elizabeth Hurley o Sandra Bullock fueron los nombres mas tanteados. Finalmente, en marzo de 2000, se hizo público el nombre de la actriz que daría vida en el cine a Lara Croft.

Angelina Jolie empezaba a ser mundialmente famosa por aquella época. No hacía mucho había logrado bastante prestigio ganando el oscar como actriz de reparto por su papel en Inocencia Interrumpida (James Mangold, 1999) y su intervención en éxitos comerciales como El Coleccionista de Huesos (Phillip Noyce, 1999) o 60 Segundos (Dominic Sena, 2000) terminaron de colocarla en la industria. Además, en aquella época contaba con un impresionante físico, voluptuoso y curvilíneo, que la asemejaba mucho al personaje. La elección de Angelina como Lara Croft fue una agradable sorpresa. Aunque, como siempre, hubo muchos puristas que protestaron; especialmente, recalcando que la protagonista era americana y no británica como el personaje.

Tal vez para compensar, el reparto se completó con un reparto de actores británicos que incluía a Iain Glen como Manfred Powell, Daniel Craig -el último James Bond -como Alex West, Noah Taylor como Bryce -el experto en tecnología que se encarga de la seguridad de la mansión Croft -, Leslie Phillips como Wilson -un amigo de la familia Croft que resulta ser un traidor al servicio de los Illuminati -o Richard Johnson como el líder de los Illuminati. Las excepciones fueron el alemán Chris Barrie como Hillary, el mayordomo de Lara, y el americano Jon Voight como Lord Richard Croft, padre de Lara. Voight es el padre de Angelina Jolie en la vida real; sin embargo, ya había sido tanteado para el papel mucho antes de que su hija fuera elegida como Lara Croft.

Antes de que diera comienzo el rodaje en el verano de 2000, la actriz se sometió a un duro entrenamiento para dar vida al personaje de la forma mas realista posible. Simon Crane, uno de los mejores coordinadores de especialistas que hay actualmente en el cine -que, por cierto, volvería a coincidir con Jolie en Señor y Señora Smith (Doug Liman, 2005) y la reciente Salt (Phillip Noyce, 2010) -fue contratado para supervisar dicho entrenamiento y encargarse también de dirigir la segunda unidad del film. El entrenamiento de la actriz requirió de un tremendo esfuerzo físico y un estricta dieta que la hicieron perder kilos y ganar músculos. Fue entrenada en el kickboxing para las escenas de lucha y en la práctica de deportes extremos, como el puenting, para las escenas de acrobacias. También la hicieron remar por el Támesis jornadas enteras y la enseñaron a manejar maquinaria pesada, a conducir coches y motos de forma temeraria y a manejar todo tipo de armas de fuego. Todo para que resultase de lo mas creíble en pantalla en un film que, aunque adaptara un videojuego y se realizara en plena era de los efectos especiales por ordenador, a penas utilizaría los efectos digitales -salvo en algunas escenas donde era indispensable, como el enfrentamiento con los monos de piedra y el buda, también de piedra, de los seis brazos o la parte final en Siberia -. Cada escena de acción, como la espectacular pelea con el robot del principio o la escena de las cuerdas durante el asalto a la mansión Croft, fue diseñada al milímetro y, además, Jolie prescindió de dobles en casi todas ellas. Los resultados son realmente impresionantes, viendo a Angelina Jolie moverse, saltar y disparar de la misma forma que lo hacía el personaje en los videojuegos. Además, West diseñó la película de tal forma que cada escena de acción fuera como un nivel cada vez mas difícil del videojuego.

El rodaje se desarrolló en Camboya -donde se les permitió rodar en el templo de Angkor Wat -y en Islandia, donde se rodarían la mayoría de exteriores. Luego, el equipo regresó a Londres donde, tras rodar algunos exteriores en la ciudad y ciudades cercanas, el rodaje se completó en los famosos estudios Pinewood, en donde, entre otras cosas, se ruedan las películas de James Bond -de las que el film tomó prestados a varios miembros del equipo técnico -. Allí se rodaron las escenas de interior, donde se recrearon unos impresionantes decorados que recreaban, entre otras cosas, el interior de la mansión Croft, la Tumba de Dancing Light, donde se produce el hallazgo de la primera mitad del triángulo y la pelea con los monos de piedra y el buda de seis brazos -escena que hizo que la película tuviera problemas en su estreno en Tailandia -, o el Templo de las Diez Mil Sombras, donde transcurre la parte final en Siberia. En esta parte destacó mucho el excelente trabajo del diseñador de producción Kirk M. Petruccelli y un amplio equipo artístico unido a la estupenda fotografía de Peter Menzies Jr. que dotaron al film de cierta elegancia.

El rodaje transcurrió casi sin problemas, lo mismo que el montaje. No obstante, hubo algún que otro roce con el estudio, como una interesante anécdota que Lawrence Gordon relató en una entrevista y que tiene que ver con el enfrentamiento final entre Lara y Powell. En el guión, los dos peleaban a puñetazo limpio en el Templo de las Diez mil Sombras mientras el lugar se derrumbaba y, en un momento dado, Powell la golpea y la deja maltrecha en el suelo. Creyéndose ganador, recogía su cuchillo del suelo y se disponía a rematarla. Pero, en esos momentos, ella se levantaba inesperadamente, le propinaba una buena paliza, le dejaba paralizado de un golpe seco en el cuello y luego lo arrojaba a una de las grietas temporales que flotaban por la estancia. No obstante, este final no gustaba a los ejecutivos del estudio y pidieron que lo cambiaran por otro mas convencional. El empeño de Gordon, unido al de West y Jolie, hicieron que, finalmente, el estudio cediera y se mantuviera el final original; aunque, la parte de Powell en la grieta temporal se suprimió y, en lugar de eso, Lara lo dejaba paralizado para morir sepultado por las rocas.

La película se terminó y quedó lista para su estreno el 15 de junio de 2001 -a España llegaría el día 22 del mismo mes -, logrando un notable éxito comercial. Solo en EEUU recaudó 131 millones de dólares y su recaudación mundial fue de 274 millones de dólares; y no hay duda de que podría haber recaudado mas si su presupuesto hubiera sido mayor. No obstante, su recibimiento crítico no fue tan bueno; mas bien desastroso. Las crítica, prácticamente, se ensañó con la película de una manera terrible; casi como si tuvieran algo personal contra el film. Incluso, películas malas que se estrenaron ese verano, como American Pie 2 o Parque Jurásico III, no tuvieron tan malas críticas como este film.

Yo ya sabéis que a penas hago caso a los críticos y siempre me guío por mis gustos y mi criterio. Y, desde luego, con esta película no hice una excepción porque 1) ni es tan mala como dicen y 2) me gustó mucho. Y cuando una película me gusta la defiendo a muerte aunque tenga a todo el mundo en contra. Yo he jugado a varios juegos de Tomb Raider y puedo decir que, aunque se cambian cosas en el film, como adaptación es muy buena. El guión es bastante simplón, lo admito -se nota que West no es un director guionista -, pero es eficaz, está bien estructurado y cumple bien su cometido. Luego la película está muy bien dirigida y se nota que hay una muy buena coordinación entre todos los miembros del equipo. Desde luego, la película es muy buena, se disfruta de principio a fin, hace honor al videojuego que adapta y a su heroína protagonista, a la que Angelina Jolie dota de vida propia gracias a una excelente interpretación.

Yo no sé que narices esperaban los que tanto la criticaron en su día, porque lo único que consiguieron fue cargarla bien. Mas adelante, hablo de esto; ahora, os dejo con el trailer:

LA SECUELA

Lara Croft: Tomb Raider pudo ser el inicio de una franquicia muy prometedora. Sin embargo, sus responsables la echaron a perder con una secuela nefasta que es mejor olvidar y hacer como si no hubiera existido. Como he dicho, las malas críticas recibidas debieron hacer mella en ellos porque no se explica como no confiaron de nuevo en Simon West para dirigirla y como no siguieron las pautas iniciadas por él.

En fin, continuemos:

LARA CROFT: TOMB RAIDER: LA CUNA DE LA VIDA (2003)

Como ya he dicho antes, Paramount quería convertir Tomb Raider en una franquicia cinematográfica y, después del éxito de Lara Croft: Tomb Raider, pusieron rápidamente en marcha su secuela invirtiendo esta vez mas dinero en el proyecto; así, de los 80 millones del primer film, pasaron a 120 millones. Simon West podría haber hecho maravillas con ese presupuesto pero, como ya he dicho, decidieron prescindir de él -seguramente, influenciados por la avalancha de malas críticas que recibió la primera película -y tomaron la mala decisión de sustituirlo por Jan de Bont quién, aunque empezó muy bien su carrera como director -antes, fue director de fotografía -con Speed (1994) y Twister (1996), dio un bajón tremendo con las bochornosas Speed 2 (1997) y La Guarida (1999). Para el argumento, decidieron recuperar la idea que Steven E. de Souza les presentó para el primer film y, aunque en un principio contrataron a James V. Hart, el guión definitivo corrió a cargo del debutante Dean Georgaris.

Aquí nos encontramos a Lara después de una desastrosa misión en Grecia, donde murieron varios amigos suyos, siendo reclutada por el MI6 para encontrar la mítica Caja de Pandora -que en el film es un arma biológica muy potente -antes de que caiga en manos de Jonathan Reiss, un peligroso bioterrorista, y su aliado Chen Lo, un señor del crimen chino responsable de su desastre en Grecia y que tiene en su poder un orbe que sirve de mapa para encontrar la caja. Para perseguirles, Lara recurre a la ayuda de un antiguo socio, Terry Sheridan, un ex-miembro de las fuerzas especiales convertido en mercenario. Los dos emprenderán una carrera contra reloj, primero por China y luego por África, para hacerse con la caja y frustrar los planes de Reiss.

Además de Angelina Jolie, en el reparto repitieron también Chris Barrie como Hillary y Noah Taylor como Bryce. El resto fueron nuevas incorporaciones, como Gerard Butler como Terry Sheridan, Ciarán Hinds como Jonathan Reiss, Simon Yam como Chen Lo y Djimon Hounsou como Kosa, un africano amigo de Lara. La película se estrenó en EEUU el 25 de julio de 2003 -en España lo hizo el 29 de agosto de ese año -y, desde el principio, fue un desastre total. Con su presupuesto de 120 millones de dólares, la película solo hizo 65 millones en EEUU y su recaudación global fue de 156 millones de dólares que, aunque recuperaron la inversión, no le hicieron ningún favor al film. Ni siquiera fue cabeza de lista el día de su estreno, siendo superada por la tercera entrega de Spy Kids.

Total, que la película fue un completo fracaso. Y no es de extrañar, porque es un bodrio de proporciones mayúsculas en el que, exceptuando los buenos trabajos de Angelina Jolie y Gerard Butler, no queda nada de lo que hacía bueno al primer film. El guión de Georgaris es una completa bazofia sin sentido, lleno de situaciones ridículas, diálogos estúpidos y momentos de auténtica vergüenza ajena; puede que el guión de Simon West para la primera fuera algo simplón, pero cumplía bien su propósito, todo lo contrario que este que parece escrito con el culo. La dirección de Jan de Bont es lamentable, sobre todo, en las escenas de acción, que son cutres hasta decir basta; olvidáos de las vibrantes escenas de acción y el ritmo trepidante de Speed y Twister, porque nada de eso se ve en el film. Ese tipo debió haber dejado de dirigir películas después de Speed 2, porque no ha hecho mas que cagarla desde entonces y, con este film, demostró que ya no vale ni para dirigir vídeos de comunión.

Claro, que quienes tienen la verdadera culpa de este desastre son los críticos y todos los que atacaron en su día el primer film como si su vida dependiera de ello. En mi opinión, toda esa cantidad de malas críticas solo consiguieron que el estudio se apartara de la buena linea marcada por Simon West e hicieran todo lo contrario en este film, generando un engendro de los grandes que, a parte de aburrir, abochorna terriblemente a los que, como yo, disfrutaron de la primera película -que los hubo, y mas de lo que la gente dice -y a todos los seguidores del videojuego. Curiosamente, el primer film empezó a ser mejor valorado tras el estreno de esta película; aunque muchos críticos sigan hoy día erre que erre.

En serio, esta película es una MIERDA como un portaaviones de grande y no le hace ningún favor a su estupenda predecesora. Quién no la haya visto, que huya de ella como si de la Marabunta se tratase porque es tan mala que hasta dan ganas de vomitar. Hay secuelas que hacen honor a la frase "segundas partes nunca fueron buenas", pero esta le hace hasta un monumento.

Así, no es extrañar que se cargaran la franquicia, que ahora pretenden revitalizar; primero con una tercera entrega que arreglase este estropicio y, después, reiniciándola por completo. Pero, ahora hablaré de esto.

De momento, os dejo con el trailer:

EL REBOOT

¿TOMB RAIDER: UNDERWORLD? (2012)

Aunque, en un principio, se habló de una posible tercera entrega protagonizada de nuevo por Jolie, finalmente, la saga será reiniciada por completo con un reboot de estos que están tan de moda últimamente con el que se piensa iniciar una nueva franquicia y hacernos olvidar el bochorno, la vergüenza y el asco que provocó la segunda entrega. No obstante, de momento, no se sabe nada de este film impulsado por el productor Dan Lin (Terminator Salvation). Su estreno estaba inicialmente previsto para 2011 pero, dado que su producción aún no ha arrancado a día de hoy, se ha retrasado hasta 2012; aunque, hay muchas dudas de que podamos ver el film ese año.

De la historia no se sabe nada pero, según varios rumores, esta podría inspirarse en Tomb Raider: Underworld (2008), uno de los videojuegos mas recientes de la saga. En cuanto a la encargada de dar vida a la nueva Lara Croft, tampoco hay nada seguro. Ha sonado mucho el nombre de Megan Fox, pero ya no se sabe nada al respecto. Desde luego, una película de Tomb Raider con Megan Fox -la nueva Angelina Jolie para muchos -dando vida a Lara Croft no estaría nada mal; por no hablar de que le vendría muy bien a la carrera de la chica ahora que está fuera de la saga Transformers y así tendría una nueva franquicia a la que agarrarse.

Pero, claro, seguro que si lo hacen volverían a tener otra vez a los críticos encima dando por culo, que es lo único que sabe hacer esta gente.

EL FAN FILM

TOMB RAIDER: ASCENSION (2007)

Ultimamente, están muy de moda los conocidos como Fan Films, que ya han tocado franquicias como Star Wars o Batman con resultados realmente buenos, como en el caso de Batman y uno de sus fan films mas conocidad, Batman: Dead End. Tomb Raider, naturalmente, no iba a ser una excepción.

Escrita y dirigida por Stephen Reynolds y protagonizada por Anna Tyrie, Tomb Raider Ascension nos muestra a una Lara Croft en sus inicios como cazadora de tumbas en busca de un artefacto creado por la civilización Maya que se cree es la llave que guarda el secreto del final del calendario maya en 2012 en el que, supuestamente, se acabará el mundo. A parte de todo esto, Lara también tiene que hacer frente a un conspiración familiar.

La película no es gran cosa, pero se deja ver y entretiene; eso si, una protagonista un poco mas atractiva no hubiera estado de mas.

Aquí os dejo el trailer:

OTRAS ADAPTACIONES DE VIDEOJUEGOS

Al igual que los cómic, los videojuegos son otro punto de inspiración del cine actual. Muchas han sido las adaptaciones que se han hecho de los videojuegos mas famosos y muy pocas las que han logrado satisfacer, tanto al fan del videojuego como al espectador en general.

Aquí os dejo unos cuantos ejemplos:

SUPER MARIO BROS (1993)

Dirigida por Annabel Jankel, Rocky Morton, Roland Joffé y Dean Semler -estos dos últimos no acreditados -y protagonizada por Bob Hoskins, John Leguizamo, Samantha Mathis y el fallecido Dennis Hopper, la película adaptaba uno de los videojuegos mas famosos de la historia, buque insignia de Nintendo, y fue una de las pioneras en las adaptaciones de videojuegos.

A la vez, fue también un tremendo fracaso y uno de los mayores bodrios que se han hecho en los últimos años. A mi el juego de Super Mario Bros. nunca me ha gustado, la verdad, pero reconozco que se merecía una adaptación mucho mejor que lo que hicieron aquí. Lo de los hombres-dinosaurio era ya de vergüenza ajena.

DOBLE DRAGON (1994)

Dirigida por James Yukich y con Robert Patrick y Mark Dacascos como cabezas mas visibles del reparto, Doble Dragón adaptaba el juego homónimo de Komani creado en 1988 que trataba sobre un futuro -el ya pasado 2007 -donde la policía solo patrulla por el día, dejando a la noche a merced de las bandas y el crimen organizado. En medio de todo esto, un poderoso empresario pretende reunir las dos mitades de un amuleto -el Doble Dragón del título -para que le confiera el poder absoluto. No obstante, una de las mitades está en poder de los hermanos Lee, dos expertos en artes marciales que se ganan la vida peleando.

Se trata de una película bastante lograda que, desgraciadamente, pasó muy desapercibida en su día. No hace mucho, surgieron rumores de que pretendían hacer un reboot, pero no se ha sabido nada mas al respecto.

STREET FIGHTER: LA ULTIMA BATALLA (1994)

Como ya he dicho antes, Steve E. de Souza fue el encargado de escribir y dirigir esta adaptación del videojuego de lucha creado por Capcom en 1987; aunque no se haría mundialmente famoso hasta 1991, cuando se estrenó su segunda entrega, considerada la mejor por muchos. La película estaba protagonizada por la estrella de acción Jean-Claude Van Damme y en su reparto podíamos encontrar a la cantante Kylie Minogue como la teniente Cammy o a Raul Julia -en su último papel antes de su muerte -como Bison.

La película fue un gran fracaso y se la consideró mas una película de acción al servicio de Van Damme que una adaptación de videojuego. Reconozco que la película no es gran cosa, pero la encuentro simpática y entretenida. Además, mejora mucho si la comparamos con la otra versión estrenada el año pasado, Street Fighter: La Leyenda, dirigida por Andrzej Bartkowiak y protagonizada por Kristin Kreuk, que de Street Fighter solo tiene el nombre.

MORTAL KOMBAT (1995)

Dirigida por Paul W.S. Anderson -entonces, solo conocido como Paul Anderson -, la película adaptaba el famoso -y muy polémico por su violencia -videojuego desarrollado por Midway Games en 1992. Al igual que
Street Fighter, se trata de otro juego de lucha que reúne a varios y diversos personajes. De su reparto destacan Christopher Lambert como Lord Rayden, Bridgette Wilson como Sonya Blade, Robin Shou como Liu Kang o Linden Ashby como Johnny Cage.

La película también recibió muy malas críticas en su día, pero era una película bastante lograda y fiel al videojuego. Además, tuvo un éxito comercial bastante aceptable que la hizo tener una secuela en 1997 -la ya mencionada Kombat: Annihilation -que no tuvo tanta suerte; por no hablar de que era mucho menos lograda. Actualmente, el guionista Oren Uziel está desarrollando una tercera entrega para 2013, titulada Mortal Kombat: Devastation

WING COMMANDER (1999)

Adaptación de un videojuego creado por Chris Roberts en 1990. La historia trata sobre una guerra en el siglo XXVII entre la Tierra, gobernada por una confederación, y los Kilrathi, una raza extraterrestre de aspecto felino. Fue el propio Chris Roberts quién dirigió la adaptación de su propio videojuego y, desde luego, no le hizo ningún favor, ya que el tipo demostró no tener ni puñetera idea de cine y le salió una bazofia casi inaguantable. Además, su protagonista, Freddie Prinze Jr., fue una elección realmente mala, ya que el tipo es mas soso que 20 clones de Alberto Casado y no vale nada como héroe de acción.

FINAL FANTASY: LA FUERZA INTERIOR (2001)

El mismo año que se estrenó Lara Croft: Tomb Raider también nos llegó esta adaptación del popular videojuego creado por Hironobu Sakaguchi y que fue realizada enteramente en animación digital. El propio Sakaguchi dirigió la película -en colaboración con Motonori Sakakibara -y en su elenco de voces podíamos encontrar a Alec Baldwin, James Woods, Ving Rhames, Steve Buscemi y Donald Sutherland secundando a Ming-Na, quién ponía voz a la doctora Aki Ross, su carismática protagonista. La película es buena y posee un diseño gráfico de lo mas impresionante; aunque lo estropeaba un poco un guión demasiado previsible y con abundancia de tópicos. Tal ver por esto, la película fracasó en taquilla con una recaudación global de 85 millones de dólares frente a un presupuesto de 137 millones. Eso si, fue mejor recibida por la crítica.

RESIDENT EVIL (2002)

Primera adaptación de videojuego post-Tomb Raider y segundaadaptación de videojuego dirigida por Paul W.S. Anderson. En esta ocasión, se adaptaba el famoso videojuego desarrollado por Capcom y creado por Shinji Mikami en 1996. Milla Jovovich protagonizó la película dando vida a Alice, una heroína creada directamente para el film y que no aparecía en los videojuegos, pero dotada de un gran carisma. El film fue un éxito y dio píe a una saga cinematográfica que ya va por la cuarta entrega. Es una película bastante buena aunque, como adaptación, reconozco que deja bastante que desear, al igual que sus secuelas. Por suerte, los fans del videojuego que busquen mas fidelidad tienen la también estupenda Resident Evil: Degenerarion (Makoto Kamiya, 2008), film de animación digital que nada tiene que ver con el film de Anderson y que sigue mas los esquemas del videojuego.

HOUSE OF THE DEAD (2003)

La presentación al mundo de Uwe Boll, tal vez, el director mas temido por los amantes de los videojuegos. Porque, a partir de esta película, ha iniciado una campaña de adaptaciones de varios videojuegos (Alone in the Dark, Bloodrayne, Postal...) con bajos presupuestos, fidelidad cero y resultados de lo mas lamentables. Su filmografía se basa en hacer una mierda tras otra cada una peor que la anterior y no es de extrañar que tenga tan mala fama. Hay algunos que lo ven como un alma libre que hace lo que quiere y puede que sea verdad; pero eso no justifica el poco respeto que está demostrando por los videojuegos y el cine en general. Esta es, sin duda, su mejor película; claro que eso no tiene mucho mérito viendo el resto de su filmografía.

DOOM (2005)

El famoso videojuego de disparos en primera persona creado por ID Software en 1993 fue llevado al cine por Andrzej Bartkowiak en un film protagonizado por Dwayne Johnson, Karl Urban y Rasamund Pike que no es gran cosa, pero es entretenido y, desde luego, es mucho mas preferible al bodrio que hizo su director cuatro años después con Street Fighter que hace mucho mas vistosa la versión de 1994; como ya he dicho antes. Como homenaje al videojuego, en un momento dado del film hay una escena de acción completamente en primera persona y rodada en forma de plano secuencia para dar al espectador cierta sensación de estar viendo un videojuego.

SILENT HILL (2006)

El francés Christophe Gans, responsable de la estupenda El Pacto de los Lobos (2001), llevó al cine el famoso videojuego de survival horror creado por Komani en un film muy logrado protagonizado por Radha Mitchell, Sean Bean, Laurie Holden, Kim Koates y Deborah Kara Unger. Se está preparando una secuela pero, el ingreso en prisión de su guionista, Roger Avary, la ha dejado un poco en el limbo.

HITMAN (2007)

Adaptación del videojuego desarrollado por IO Interactive para Eidos sobre el Agente 47, un asesino a sueldo modificado genéticamente que se caracteriza por tener un código de barras tatuado en la nuca. La película fue un completo desastre. La Fox, estudio responsable del film, interfirió en todo momento en el trabajo de su director, Xavier Gens -quién fue despedido en plena post-producción -y la película terminó siendo un bodrio sin píes ni cabeza muy difícil de ver. Además, su protagonista, Timothy Olyphant, no valía para el papel; un rol que le hubiera ido mucho mejor a Vin Diesel o Jason Statham.

MAX PAYNE (2008)

El juego desarrollado por la finlandesa Remedy Entertiment en 2001 fue llevado al cine por el director John Moore con Mark Wahlberg en la piel del protagonista y Mila Kunis como protagonista femenina. El film, como película de acción, es bastante correcta pero, como adaptación, no fue muy bien recibida por los fans del videojuego.

PRINCE OF PERSIA: LAS ARENAS DEL TIEMPO (2010)

La última adaptación de videojuego que nos llega es esta superproducción de Disney y el productor Jerry Bruckheimer que adapta el famoso videojuego creado por Jordan Mechner en 1987. La película está dirigida por Mike Newell y protagonizado por Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley y Alfred Molina. Con un presupuesto de 200 millones de dólares, la película solo lleva recaudados a penas 90 millones de dólares en EEUU y, aunque salva los muebles con la taquilla mundial, la película no es el éxito que se esperaba y frustra los planes de Bruckheimer de crear una nueva franquicia, como la de Piratas del Caribe, con este film.

¿SABIAIS QUE...?

...en la película que, como ya he dicho, está basada en el videojuego Tomb Raider III hay dos reminiscencias al videojuego Tomb Raider II (1997). Las dos se producen en la subasta donde Lara va a hablar con Wilson y se encuentra con Alex West, teniendo una discusión con él. En ella, Lara le acusa de robarle unos papiros. Estos papiros son las ruedas de oración que aparecían en dicho videojuego. Además, el objeto que se subasta en esos momentos es la Daga de Xian, el objeto que Lara buscaba en ese juego.

LA BANDA SONORA

De la banda sonora del film se encargó el compositor Graeme Revell (Pith Black). No obstante, también fue llamado el grupo musical U2. Dado que en el perfil de Lara Croft consta que es una gran fan del grupo irlandés -incluso los acompañó en una gira una de las modelos que la dieron vida antes de Angelina Jolie -, se les ocurrió que nada mejor que ellos musicaran su traslación a la gran pantalla y, para el tema principal, decidieron reversionar su éxito Elevation.

Aquí os dejo su videoclip:

SPIDERMAN

2010-03-05T14:14:00.000-08:00

Si Batman es mi superhéroe favorito de DC Comics, Spiderman ha sido siempre mi favorito de la casa rival, Marvel. Sin embargo, mi gran pasión es el cine y, mientras el primero fue llevado muy bien a la gran pantalla por Tim Burton -aunque su película fue superada posteriormente por Batman Begins -, el segundo no tenía su homónimo en celuloide y, durante muchos años, me tocó esperar hasta que, en 2002, pude hacer realidad mi sueño y ver a uno de mis superhéroes favoritos en una pantalla de cine en una película excelente para la que, como ya he dicho, hubo que esperar mucho porque el llevar al trepamuros mas famoso del mundo a la pantalla grande fue toda una odisea que vale la pena contar. Esta es su historia.

Peter Parker es un joven tímido que vive en Nueva York con sus tíos, Ben y May Parker, desde que sus padres murieron cuando él era muy pequeño. Desde siempre ha estado enamorado de su vecina, Mary Jane Watson, con la que va al instituto, pero su excesiva timidez le impide acercarse a ella. Además, es marginado por sus compañeros de clase; especialmente, por Flash Thompson, el novio de Mary Jane. Su único amigo es Harry Osborn, un niño rico que se ve obligado a ir a una escuela pública al haber sido expulsado de los colegios privados donde ha estado. Harry es hijo de Norman Osborn, un importante empresario del sector armamentístico aficionado a la ciencia que siente cierta admiración por Peter al ser este un joven científico en potencia. Un día, durante la visita a un laboratorio, Peter es mordido por una araña que ha sido alterada genéticamente y, desde ese momento, nota que ha empezado a cambiar. Su miopía ha desaparecido y nota que posee una fuerza y habilidad sobrehumanas, junto con un sentido que le advierte de cualquier peligro, el poder trepar por las paredes y la capacidad de segregar telas de araña. En un principio, utilizará estos nuevos poderes para ganar dinero en la lucha libre. Pero, cuando su tío Ben es asesinado por un delincuente al que tuvo la oportunidad de atrapar poco antes y no lo hizo, decide cambiar de actitud y emplear esas facultades para luchar contra el crimen bajo la identidad de un justiciero enmascarado conocido como Spiderman. Aunque también utilizará esta facultad para encontrar un trabajo como fotógrafo en el Daily Bugle, que busca a alguien capaz de sacarle fotos a Spiderman; aunque, el editor jefe del periódico, el escéntrico J. Jonah Jameson, utilizará sus fotos para darle mala prensa. Sin embargo, las cosas se tuercen cuando aparece un extraño personaje que posee una fuerza sobrehumana y empieza a atacar la ciudad desde un aerodeslizador armado. Este personaje, al que apodan Duende Verde, es en realidad Norman Osborn, quién se sometió a un experimento que desarrollaba su empresa que le ha dado esa fuerza extra, pero que también lo ha vuelto loco.

Antes de intentar dar el salto al cine, Spiderman fue adaptado en la Tv. Durante los años 60 y 70 las series de Tv sobre superhéroes estaban muy de moda. Spiderman llegó primero como serie de animación en 1967 en un serial de dibujos animados con una archiconocida música de cabecera que se mantuvo en antena hasta 1970. Después, a finales de los 70, fue adaptado con personajes reales en la serie The Amazing Spider-Man, cuyo episodio piloto, dirigido por E. W. Swackhamer, se estrenó en 1977 con formato de telefilme. Esta serie, protagonizada por Nicholas Hammond y emitida por la CBS entre 1978 y 1979, resultó un intento muy fallido de adaptación del arácnido del que la mayoría de los seguidores del héroe no guardan muy buen recuerdo. Aquí en España solo pudimos verla a través de tres capítulos largos que se estrenaron en cines con formato de película. Estos eran: El Hombre Araña (E. W. Swackhamer , 1977) -el susodicho episodio piloto -, Spider-Man Strikes Back (Ron Satlof , 1978) -conocida como El Desafío de Spiderman o Spiderman 2 (El Hombre Araña en Acción) -, y Spiderman y el Desafío del Dragón (Ron McDougall, 1979). Las películas cabrearon a los fans españoles del arácnido tanto como la serie a los fans americanos; aunque, hoy día, hay quién las tiene como películas de culto. Yo las aborrezco -son cutres a rabiar y no solo en el aspecto técnico -, aunque admito que en mi niñez las veía siempre que las ponían en la tele porque, por aquella época, devoraba cualquier cosa relacionada con Spiderman por muy cutre que fuera; lo mismo ocurría con Batman. Aquí os dejo el trailer de la primera película para que os hagáis una idea quienes no conozcáis esta adaptación:

Volviendo al tema. Por aquella época la película Superman (Richard Donner, 1978) puso a los personajes de cómic en el punto de mira de Hollywood y las series empezaron a estar obsoletas. Tras el desastre televisivo -tanto del hombre araña como de otros personajes, como Capitán América o Doctor Extraño; tan solo Hulk tuvo algo de suerte -, Marvel pensó llevar al trepamuros a los cines, aunque carecían de los medios para hacerlo. Por eso no es de extrañar que su primera intentona fuera con el gurú del serie B, Roger Corman, quién pretendía adaptarlo en un film de bajo presupuesto producido por él que no llegó nunca a ver la luz. Cabe decir que, años después, en 1994, Corman produjo para la productora Constatin Films una adaptación de Los 4 Fantásticos dirigida por Oley Sassone bastante cutre y pobre de medios, pero bastante fiel a los cómics originales.

El proyecto cinematográfico de Spiderman estuvo mucho tiempo parado hasta que, en 1985, los productores Menahem Golan y Yoram Globus se hicieron con los derechos del arácnido por 250.000 dólares. Por aquel entonces, Golam y Globus dirigían la Cannon Group Inc., productora muy célebre durante los 80 gracias a éxitos como El Guerrero Americano, Delta Force y demás títulos que hoy llenan la parrilla de La Sexta, y eran unos auténticos gurús dentro del cine de acción ochentero; aunque la mayoría de sus productos carecían de la calidad de clásicos de la época como Acorralado (Ted Kotcheff, 1982), Terminator (James Cameron, 1984) o Depredador (John McTiernan, 1987). Golan y Globus ya se habían hecho anteriormente con los derechos de Superman para realizar la cuarta entrega de esta saga después de que los primeros dueños, Alexander Salkind y su hija Ilya, se los vendieran tras los flojos resultados de Superman III (Richard Lester, 1983) y el batacazo de Supergirl (Jeannot Szwarc, 1984). Con estos y los derechos de Spiderman, Golam y Globus tenían pensado iniciar toda una franquicia de comic-movies.

Tras invertir entre 15 y 20 millones de dólares en el proyecto, contrataron a Leslie Stevens (En los Límites de la Realidad) para escribir el guión de la película, pero su borrador fue rápidamente rechazado. Y no es de extrañar, porque en dicho guión Peter Parker era encerrado en un laboratorio dentro de un subsótano y sometido a experimentos radiactivos por un científico loco que pretende crear una nueva raza de mutantes para dominar el mundo. Así se convertía en un hombre araña literalmente -con ocho patas, muchos ojos, cuerpo peludo... -que se revelaba contra el científico y se pasaba toda la película luchando contra su ejército de mutantes dentro de ese subsótano. Mas tarde, John Brancato (Terminator Salvation) y Ted Newson escribieron un nuevo guión mas acorde con los cómics en el que el villano principal era el Doctor Octopus y el interés romántico de Spiderman era Liz Allan. Para la dirección del film fue contratado Tobe Hooper (La Matanza de Texas), pero este terminó abandonando el proyecto tras varios meses de trabajo y fue reemplazado por Joseph Zito, que ya había trabajado con Golan y Globus en Desaparecido en Combate (1984) e Invasión USA (1985). Para el reparto, aunque un joven Tom Cruise estuvo en la mira de los productores para dar vida a Peter Parker/Spiderman, el elegido fue el actor y especialista Scott Leva; quién, por aquella época, apareció en la portada de un cómic, el 262 de The Amazing Spider-Man, caracterizado del personaje. Bob Hoskings era fichado para interpretar al Doctor Octopus y las veteranas Lauren Bacall y Katharine Hepburn fueron tanteadas para el papel de May Parker. Por su parte, Stan Lee, creador del personaje junto a Steve Ditko, estuvo muy interesado en interpretar a J. Jonah Jameson. Durante bastante tiempo, este proyecto fue una realidad, llegando a tener sus propios posters e imágenes promocionales con Leva y hasta teaser trailers -bajo este párrado os pongo unos cuantos ejemplos -o un plan de rodaje, aunque sin ninguna fecha precisa.

No obstante, el proyecto no llegó a arrancar, principalmente, debido a que el guión de Brancato y Newson fue reescrito varias veces por numerosos guionistas -entre ellos el propio Golan, que firmó con el seudónimo de Joseph Goldman -retrasando la producción. Además, Cannon entró en una grave crisis en 1987 debido, principalmente, a los fracasos de dos películas muy ambiciosas en las que habían invertido casi todo su dinero: Masters del Universo, de Gary Goddard, y la ya mencionada Superman IV: En Busca de la Paz, de Sidney J. Furie. Esto hizo que la productora se declarara en bancarrota y fuera adquirida por Pathé Comunications, controlada por el italiano Giancarlo Parretti quién, por entonces, también controlaba Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Trabajando ahora a las órdenes de Parretti, Golan y Globus redujeron el presupuesto de Spiderman hasta los 6 millones, lo que provocó la espantada de Zito y su sustitución por Albert Pyun, director mas acostumbrado a presupuestos bajos. Pyun también había sido elegido para dirigir la secuela -también muy barata -de Masters del Universo y su idea era rodar ambas películas la vez. Sin embargo, ninguno de estos proyectos llegó a salir adelante y los dos fueron fusionados dando píe a un nuevo film, Cyborg (1989), protagonizada por Jean Claude Van Damme. Además, viendo que se les echaba el tiempo encima y los derechos de Spiderman espiraban en 1990, estiraron el acuerdo con Marvel hasta 1996; a Marvel no le quedó mas remedio viendo como su gran rival, DC, le llevaba una gran ventaja.

La principal razón de que ni Spiderman: The Movie ni Masters del Universo 2 salieran adelante fue el poco entendimiento entre Golan y Parretti, lo que provocó que, tras llegar a un acuerdo, Golan abandonase Cannon en 1989 junto con 12 millones de dólares y los derechos de Spiderman y el Capitán América y fundase una nueva productora, 21^st Century. Con esta nueva compañía volvió a reactivar el proyecto de Spiderman con Stephen Herek como director. No obstante, antes quiso probar suerte con el Capitán América, donde volvió a contar con Pyun como director. Estrenada en 1990, la película fue un tremendo fracaso, lo que hizo que, falto de dinero, Golan tuviese que vender derechos de vídeo y Tv del trepamuros a Columbia Pictures y Paramount Pictures para poder sacar adelante su película. Sin embargo, esto no fue suficiente y, en 1992, se vio obligado a venderle los derechos a Carolco, la famosa compañía de Mario Kassar y Andrew G. Vajna, por 3 millones de dólares y un porcentaje de los beneficios del film.

Kassar y Vajna pusieron inmediatamente en marcha un ambicioso proyecto de 60 millones de dólares que le ofrecieron a James Cameron, a quién tenían en un pedestal tras el enorme éxito de Terminator 2: El Día del Juicio Final (1991). Cameron, que siempre había deseado hacer una película de Spiderman, aceptó gustoso escribir, producir y dirigir la película y escribió un guión que seguía los esquemas del escrito por Brancato y Newson para Cannon; aunque con varios cambios. En un principio, mantuvo al Doctor Octopus como villano principal -se habló de Arnold Schwarzenegger para el papel -pero, finalmente, lo sustituyó por Sandman y Electro. También cambió a Liz Allan y convirtió a Mary Jane Watson en el interés romántico del protagonista. El proyecto avanzó lentamente debido a que Cameron estaba enfrascado en otros proyectos, como la comedia de acción Mentiras Arriesgadas (1994) y la tercera entrega de Terminator -que no llegó a realizar -; no obstante, llegó a tener el guión a punto y se realizaron varios story boards para el proyecto -podéis verlos aquí si queréis -. Sin embargo, de nuevo la mala suerte se cruzó en el camino del arácnido y el proyecto se paralizó cuando Carolco se declaró en bancarrota en 1995.

Carolco perdió los derechos y esto provocó una tremenda batalla legal por ellos que ríete de la de San Quintín. Por un lado, tanto Golan como MGM quisieron recuperarlos. Sony y Viacom también entraron a saco a causa de los derechos que Golan les vendió a sus respectivos estudios, Columbia y Paramount. La Fox también se metió debido a su relación comercial con Cameron. Y, por último, Marvel -que, por aquella época, también estaba en quiebra -entró también en la batalla debido a que su acuerdo con Cannon decía que los derechos debían regresar a ellos si no había película antes de 1996. La batalla se resolvió en 1999 ante un tribunal que falló a favor de Sony; la cual, astutamente, había llegado ya a un acuerdo con Marvel, a la que pagó 12 millones de dólares, y otro con MGM, a la que devolvió los derechos de las novelas de James Bond que poseía -Casino Royale y Operación Trueno -a cambio de su abandono.

Una vez resuelto el entuerto, Sony puso inmediatamente en marcha su proyecto a través de Columbia y la productora Laura Ziskin. Cameron, que seguía interesado en dirigir la película, se presentó en las oficinas de Columbia con su guión bajo el brazo. No obstante, a pesar de que venía abalado por el enorme éxito de Titanic (1997) y de que contaba con el apoyo del mismísimo Stan Lee -a quién le había encantado su guión -, a los de Columbia no les hizo mucha gracia las exigencias del director en las negociaciones y, aunque se quedaron con su guión, no lo quisieron como director ni productor y Cameron tuvo que renunciar a sus aspiraciones y centrarse en otros proyectos, como una secuela de Mentiras Arriesgadas que nunca llegó a hacerse y la reciente Avatar. Por su parte, Columbia le encargó a David Koepp (Parque Jurásico) la reescritura del guión de Cameron mientras se buscaba nuevo director, comenzando a circular muchos nombres de posibles candidatos, entre los que se encontraban Roland Emmerich, Ron Howard, Chris Columbus, Michael Bay, Tim Burton y David Fincher. A la vez, también se rumorearon muchos nombres de actores para dar vida a Peter Parker/Spiderman; los mas sonados fueron los de Leonardo DiCaprio -que ya estuvo presente en el proyecto de Cameron -, Jim Carrey, Jude Law, Chris O´Donnell y Ryan Phillippe.

En enero de 2000 se hizo público que el elegido para dirigir la adaptación de Spiderman era Sam Raimi, nombre que chocó a muchos. Aunque el director había cambiado de registro con películas como Rápida y Motal (1995), Un Plan Sencillo (1998) o Entre el Amor y el Juego (1999), la gente le seguía identificando como el director de Posesión Infernal (1981) y similares y no se le veía capaz de hacer frente a una gran superproducción; incluso yo admito que, a pesar de mi admiración por Raimi, tuve mis reservas al principio. No obstante, Raimi tenía a su favor el ser un gran seguidor de los cómics y conocerlos muy bien. Incluso les hizo un homenaje con la película Darkman (1990), film que muchos piensan que es una adaptación de cómic pero que, en realidad, aunque se inspira en el mundo de las viñetas, no adapta ningún cómic en concreto; de hecho, la película inspiró su propio cómic posteriormente.

Una vez elegido al director, quedaba encontrar al actor que diese vida al superhéroe. Tras una exhaustiva búsqueda de varios meses, el primer elegido fue el fallecido Heath Ledger, pero este rechazó la oferta; se ve que le iba mas el papel de villano, ya que años después se convertiría en el principal enemigo de Batman. Finalmente, Raimi decidió hacer caso a su esposa, quién le propuso a un joven actor al que había visto en la película Las Normas de la Casa de la Sidra (Lasse Hallström, 1999). Este era Tobey Maguire, quién fue llamado para hacer unas pruebas para el personaje que, según cuentan, fueron un éxito y terminaron contratándolo. No obstante, cuando se hizo pública esta elección, a mediados del año 2000, muchos cuestionaron esta decisión; que, aún hoy en día, se sigue cuestionando.

Aunque David Koepp fue el único que aparecería acreditado como guionista -cosa del Sindicato de Escritores -, el guión fue reescrito posteriormente por Scott Rosenberg y Alvin Sargent -esposo de Ziskin -. Koepp había recuperado al Doctor Octopus y mantenido al Hombre de Arena y a Electro, aunque relegándolos a un segundo plano. No obstante, en las reescrituras posteriores estos dos últimos fueron eliminados y Octopus fue reemplazado por el Duende Verde; para muchos, la verdadera némesis del arácnido. Finalmente, del guión de Cameron quedó muy poco, pero se mantuvieron varios detalles, como que Mary Jane fuera la novia de Flash Thompson y que Peter Parker estuviera enamorado de ella desde la infancia en lugar de conocerla en una cita a ciegas estando ya en la universidad, como ocurría en los cómics. Otras cosas que se mantuvieron del guión de Cameron fue que Spiderman segregara telas de araña orgánicas en lugar de construirse un aparato para ello y que la araña que lo mordiera no fuera radiactiva, sino alterada genéticamente; aunque este tratamiento ya se planteó en el proyecto de la Cannon.

Volviendo al tema del reparto. Una vez encontrado al héroe, quedaba encontrar al villano. En un principio, se pensó en John Malkovich para el papel de Norman Osborn/Duende Verde, pero este recayó finalmente en Willen Dafoe. El reparto principal se completaría poco después con Kirsten Dunst como Mary Jane Watson -rol para el que fueron tanteadas Alicia Witt y Kate Hudson -, James Franco -que también optó para el papel de Spiderman -como Harry Osborn, Cliff Robertson y Rosemary Harris -que venía de trabajar con Raimi en Premonición (2000) -como Ben y May Parker y J. K. Simmons -que también había trabajado con Raimi en Premonición y también lo hizo en Entre el Amor y el Juego -como J. Jonah Jameson. También caben destacar a otros actores en papeles muy secundarios, pero dando vida a personajes de sobra conocidos dentro del universo Spiderman: Elizabeth Banks como Betty Brant, Joe Manganiello como el ya nombrado Flash Thompson, Bill Nunn como Joseph “Robbie” Robertson o Michael Papajohn como el atracador que asesina a Ben Parker. Como era habitual en la filmografía de Raimi, su hermano Ted tenía un pequeño papel en el film al igual que su gran amigo, Bruce Campbell -ya hablé en el reportaje sobre Posesión Infernal de la relación entre ellos, así que no me enrrollo -, que realizó un cameo como presentador de lucha libre. También hubo un cameo de Stan Lee -algo que sería muy habitual en las adaptaciones de Marvel -y también cabe destacar también un pequeño cameo de Lucy Lawless, protagonista de Xena, la Princesa Guerrera, serie de Tv producida por Raimi.

Originalmente, la película debía de haber comenzado a rodarse en noviembre de 2000, puesto que su estreno estaba fijado para el verano de 2001. No obstante, el estreno se retrasó hasta mayo de 2002, entre otras cosas, para que la película compitiera directamente con el Episodio II de Star Wars, cuyo estreno estaba fijado para el día 17 de ese mes. Los productores tenían bastante confianza en este proyecto debido, especialmente, a que las circustancias habían cambiado mucho. Por ejemplo, mientras que en los 80 la Cannon veía como otras adaptaciones Marvel, como Howard, un nuevo héroe (Willard Huyck, 1986), se estrellaban estrepitosamente en taquilla y otras, simplemente, nunca llegaban a ver la luz, Columbia venía precedida por dos adaptaciones Marvel bastante exitosas: Blade (Stephen Norrington , 1998) y X-Men (Bryan Singer, 2000) -donde, por cierto, Scott Leva trabajó como especialista y decidió gastar una broma al equipo disfrazado de Spiderman que puede verse en los extras del DVD -. Además, Marvel estaba mejorando bastante desde que Avi Arad estaba al frente y, a diferencia de los proyectos anteriores, aquí se metió mas en la producción, al igual que ya había hecho en los dos títulos antes nombrados y en proyectos posteriores.

Una vez el estreno se fijó para el 3 de mayo de 2002, el inicio del rodaje se retrasó hasta enero de 2001 y así tener mas tiempo para poder cuidar mas los detalles de la producción. El 8 de enero dio comienzo el rodaje en los estudios que Sony Pictures tenía en Culver City (California) y se prolongó durante seis meses, completándose en varias localizaciones de Los Ángeles y Nueva York, donde se rodaron las escenas de exteriores y las que se desarrollaban en edificios auténticos mientras en Culver City se rodaban las escenas que transcurrían en decorados construidos para el film, como la recreación de Times Square donde se producía el primer enfrentamiento entre Spiderman y el Duende Verde. El rodaje transcurrió casi sin incidentes con excepción de la muerte de un trabajador el 6 de marzo que obligó a Sony a pagar una indemnización de casi 60.000 dólares. Otro de los problemas fue la mala relación que tuvieron Maguire y Dafoe, especialmente, en las escenas de las peleas. Son famosas las quejas de Maguire acerca de que Dafoe solía golpearle de verdad durante estas escenas, lo que llevó a Dafoe a llamarlo “niño llorón” posteriormente en las entrevistas.

A principios de 2001, Sony puso en marcha una primera imagen oficial donde podíamos ver el diseño del traje de Spiderman, obra de James Acheson, ganador de sendos oscars por los vestuarios de El Último Emperador (Bernardo Bertolucci, 1987) y Las Amistades Peligrosas (Stephen Frears, 1988). Acherson diseñó un total de 37 prototipos de trajes -de los cuales, cuatro fueron robados y no se supo nada mas de ellos a pesar de que Sony ofreció una gran recompensa -hasta dar con el definitivo: un complejo uniforme de latex de una pieza al que Maguire y sus dobles debían introducirse a través de un agujero y en cuyo interior había un casco dentro de la máscara para disimular las facciones del protagonista y una placa en la zona del pecho que también disimulaba su abdomen. También hubo otra versión del mismo sin la parte de la cabeza para las escenas en las que el protagonista se quitaba la máscara. Otro punto donde se trabajó mucho fue en las lentes para conseguir unas que se asemejaran lo mejor posible a las que lucía en el cómic. El traje de Spidey fue bien recibido, pero no ocurrió lo mismo con el del Duende Verde. Meses después de que saliera la primera imagen, también salió otra de este y no fue muy bien recibida por la enorme diferencia con respecto al cómic. La elaboración del traje del Duende fue mucho mas compleja que la de Spidey. Todo el equipo rechazaba la idea de utilizar un traje como el visto en los cómics y se buscó un diseño completamente distinto. El elegido fue un traje tipo astronauta del que Dafoe no paraba de quejarse hasta que lo hicieron mas ligero y flexible.

Otro punto muy cuidado fueron los efectos especiales. En plena era de los F/x digitales y con un presupuesto mucho mayor que el de las anteriores intentonas de llevar al héroe a la gran pantalla, este proyecto no tenía excusa para no ofrecer unos efectos especiales a la altura. Para ello se contrató a John Dykstra -surgido de la enorme cantera de especialistas que salieron de La Guerra de las Galaxias -como supervisor de los efectos especiales del film. Raimi dibujó unos story boards donde Spiderman trepaba por las paredes y volaba entre los edificios de la ciudad, ayudado por sus redes, de una forma muy similar a la que aparecía en los cómics. Al principio, su intención era rodar esas escenas con especialistas ayudado por el CGI. Sin embargo, Dykstra le convenció de que rodarla con personas de carne y hueso hubiera sido demasiado inútil y costoso; por no decir peligroso. Por ello, le convención de utilizar un Spiderman generado completamente por ordenador para esas secuencias. Desde que en Parque Jurásico (Steven Spielberg, 1993) crearan al primer hombre generado digitalmente, esta técnica había mejorado mucho; un buen ejemplo era Batman Forever (Joel Schumacher, 1995), donde se creó un Batman completamente digital para una escena en la que este saltaba desde lo alto de un edificio y la cosa resultó muy bien. El problema es que esto planteó un serio aumento del presupuesto del film, que ya superaba los 100 millones de dólares. Sin embargo, los resultados fueron todo un éxito y el Spiderman digital funcionó de maravilla.

Al finalizar el verano de 2001, con la película ya en post-producción, Sony puso en marcha un primer poster y un teaser con una escena rodada directamente para él que no se pensaba utilizar en la película. Dicha escena consistía en un grupo de atracadores que, tras robar un banco, escapan en un helicóptero que Spiderman atrapa con sus redes y deja atrapado en una tela de araña tejida entre las Torres Gemelas del World Trade Center, las caules también aparecían reflejadas en las lentes de spidey en el poster. Utilizar las Torres Gemelas era algo muy común en las películas cuyas tramas se desarrollaban en Nueva York pero, poco después de la publicación de este material se produjeron los terribles atentados del 11 de septiembre y ambos tuvieron que ser rápidamente retirados para no herir sensibilidades. Esto también hizo temer que la película podría ser cancelada, ya que en ella se veían varias veces estas torres y, además, después de aquel horrible suceso, se creyó que las películas de acción con efectos especiales tenían los días contados -nada mas lejos de la realidad, como se demostró poco después -y que la gente de Nueva York no estaba para héroes. Puesto que el trailer y el poster se pueden encontrar hoy día fácilmente en la red, creo que no pasa nada por que los ponga aquí -aunque, si alguien cree que puedo dañar alguna conciencia, que me lo diga; porque nunca se sabe -. El poster en cuestión es este y el trailer lo pongo aquí debajo:

Volviendo al tema. Estaba claro que Sony no pensaba perder su inversión -que rondaba ya los 180 millones de dólares; aunque otras fuentes apuntan a que llegó a los 200 -y continuó con la producción; eso si, tuvo que pasarle la tijera para borrar cualquier referencia a la Torres Gemelas -aunque Raimi desafió esta censura e introdujo fotogramas del trailer censurado en el que podían verse las torres reflejadas en las lentes de spidey -. La película quedó lista para su estreno el 3 de mayo de 2002 -como ya he dicho -; a España no llegaría hasta el 20 de junio. Y, desde el principio, se convirtió en un enorme éxito que batió records de taquilla. Para empezar, fue la primera película que superó los 100 millones de dólares en su primer fin de semana y la que menos tardó -solo 9 días -en superar los 200 millones de dólares. Todo esto hasta llegar a amasar la cifra de 407 millones de dólares solo en EEUU. Tampoco le fue nada mal a la película fuera de territorio americano, consiguiendo una taquilla mundial de 414 millones, con lo que la taquilla global de la película fue de 821 millones de dólares. Ni que decir tiene que fue la película del año y ni tan siquiera el Episodio II de Star Wars, El Ataque de los Clones (George Lucas, 2002), pudo hacerle sombra; además, fue la comic-movie mas taquillera de la historia hasta que The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008), con mas de 500 millones de dólares en la taquilla americana y mas de 1000 millones en todo el mundo, le quitó el puesto.

Aunque, la película no solo triunfó en la taquilla, también fue muy bien recibida por el público, la mayoría de los fans del trepamuros e, incluso, la crítica -siempre reacia con este tipo de películas -tuvo que rendirse ante este film. También logró que creciera mas el interés que ya existía por Spiderman; recuerdo que, poco antes de que se estrenara en España, durante un viaje a Madrid, me pasé por una tienda de cómics que suelo frecuentar y esta tenía todas -pero todas, todas -sus estanterías llenas de cómics del arácnido y las paredes estaban prácticamente forradas de posters suyos. El triunfo de la tan añorada versión cinematográfica de Spiderman fue total.

Y no es de extrañar. Raimi hizo un trabajo excelente llevando al trepamuros a la pantalla grande. A pesar de los cambios con respecto a los cómics, el trabajo de adaptación fue brillante y la película se disfruta de principio a fin sin ningún problema y deja con ganas de mas. Además, los muchos guiños que hay hacia los cómics originales la hacen todavía mas atractiva. Una excelente película totalmente recomendable tanto a los admiradores de hombre araña -entre los que me encuentro -y los amantes del cine en general -donde también me encuentro -. En resumen, una maravilla.

Os dejo con uno de sus trailers en español:

LAS SECUELAS

SPIDERMAN 2 (2004)

Después del enorme éxito de Spiderman, Sony no perdió el tiempo y, rápidamente, puso en marcha su secuela. Sam Raimi volvía a ponerse detrás de las cámaras mientras que Alvin Sargent -esta vez si apareció en los créditos -se hizo cargo del guión sobre un argumento de Alfred Gough, Miles Millar y Michael Chabon. En un principio, la película iba a llamarse The Amazing Spider-Man, en claro homenaje a los cómics originales, pero al final se llamó simplemente Spiderman 2.

La historia se sitúa dos años después de la primera. Peter Parker se encuentra agobiado al serle muy difícil compaginar sus actividades como superhéroe con su vida personal, donde compagina sus estudios en la universidad con varios trabajos que le cuesta mantener; lo cual hace que tenga graves problemas económicos y se vea obligado a vivir en un apartamento de mala muerte. Para colmo, tiene que ver a Mary Jane todos los días en carteles publicitarios, ya que la chica ha logrado triunfar como actriz y, encima, está a punto de casarse con el astronauta John Jameson, hijo de J. Jonah Jameson. Tampoco va muy bien su relación con Harry Osborn, quién está empeñado en dar muerte a Spiderman, al que responsabiliza de la muerte de su padre. Harry ahora dirige Oscorp, la empresa de su padre, y se encuentra financiando el nuevo experimento del Dr. Otto Octavius, un eminente científico al que Peter admira mucho. No obstante, el experimento sale mal y Octavius pierde la razón a la vez que se fusiona con unos brazos mecánicos que utilizaba en sus experimentos, convirtiéndose en el Doctor Octopus, un nuevo supervillano contra el que Spiderman tendrá que luchar. El problema es que ha empezado a perder sus poderes sin saber como y empieza a replantearse seguir siendo Spiderman.

De nuevo fue reunido el reparto de la primera película con Tobey Maguire a la cabeza. Entre las nuevas incorporaciones quién mas destacó fue Alfred Molina, quién se hizo finalmente con el papel de Doctor Octopus, que fue anteriormente rechazado por Sam Neil, después de que Raimi decidiese hacerle una prueba tras verle en la película Frida (Julie Taymor, 2002). Otra nueva incorporación sonada fue la de Dylan Baker como el Dr. Curt Connors -personaje que ya fue nombrado en la primera película -, lo que hizo que se especulara con la posibilidad de que El Lagarto estuviera en la película; no iban mal encaminados, ya que este aparecía en el primer borrador de Gough y Millar. Por lo demás, Daniel Gillies interpretó a John Jameson y Donna Murphy a Rosalie, la esposa de Otto Octavius. De nuevo volvió a haber cameo de Bruce Campbell, esta vez como el acomodador que no deja entrar a Peter al teatro donde se representa la obra de Mary Jane, y de Stan Lee. Otros cameos destacables son los de otro amigo de Raimi, Scott Siegel, el cineasta John Landis y la actriz Emily Deschanel, protagonista de la serie Bones.

Con un presupuesto de 200 millones de dólares, la película contó con varios abances técnicos, como una cámara especial con la que rodar planos subjetivos de cuando Spiderman salta desde un edificio, dando mas espectacularidad a las escenas. También se empleó un nuevo traje, aunque muy similar al de la primera salvo por algunos detalles. El guión se centraba mas en los problemas personales de Peter Parker, pero eso no quitaba el que la película tuviera una nutrida gala de espectaculares escenas de acción, como la brutal secuencia del tren o el primer enfrentamiento entre Spiderman y Octopus.

El film se estrenó el 30 de junio de 2004; a España llegaría el 14 de julio. Su éxito fue inferior al de la primera, pero muy igualado, con 373 millones solo en EEUU y 410 millones en todo el mundo, haciendo un recaudación global de 783 millones de dólares. La recepción del film por público y crítica fue prácticamente la misma; aunque, como ocurre también con Superman 2 (Richard Lester, 1980) y Batman Vuelve (Tim Burton, 1992), muchos afirman que es, incluso mejor que la primera.

La película es muy buena y es una secuela mas que digna, pero para mi no llega a estar a la altura de la primera; y lo mismo pienso de Superman 2 y Batman Vuelve.

Os dejo con uno de sus trailers en español:

SPIDERMAN 3 (2007)

Tras el enorme éxito de las dos primeras, una tercera entrega era ya algo cantado. De hecho, Sony ni siquiera se esperó a que Spiderman 2 se estrenase y, en marzo de 2004, puso en marcha esta tercera entrega con vistas a estrenarla en mayo de 2007. Sam Raimi de nuevo regresó como director. Sin embargo, a diferencia de las dos películas anteriores, en esta nueva entrega él y los productores no iban a estar tan bien complementados; una primera muestra fue que, esta vez, Raimi quiso co-escribir junto a su hermano Ivan el guión de la película, el cual estaba siendo escrito por Alvin Sargent.

Esta vez, a Peter Parker le van mejor las cosas. Su vida personal está mejor encaminada y Spiderman cada vez es mas popular. Está planeando pedirle matrimonio a Mary Jane, pero esta tiene otras preocupaciones. Por un lado, su carrera como actriz está empezando a hacer aguas y, por el otro, está empezando a sentir celos de la popularidad de Peter como Spiderman y, para empeorar las cosas, aparece en escena Gwen Stacy, una compañera de la universidad de Peter que se muestra demasiado afectiva con él. Peter también tiene problemas, ya que Harry Osborn sigue queriendo vengarse de él por la muerte de su padre y se somete al mismo experimento de este convirtiéndose en le segundo Duende Verde. Para empeorar las cosas, la policía le comunica a Peter que un peligroso criminal, Frint Marko, ha escapado de la cárcel. También le comunican que él era cómplice del atracador que dejó escapar y que, en realidad, él fue quién mató a su tío Ben. Él no duda en ir a por él como Spiderman, pero Marko sufre un accidente en un acelerador de partículas y se convierte en un ser de cuerpo arenoso que empezará a ser conocido como Sandman. Spiderman es derrotado en el primer enfrentamiento con Sandman. No obstante, una extraña sustancia negra venida del espacio cubre su traje hasta volverlo completamente negro y le hace mas hábil y fuerte y puede derrotar a Sandman. Sin embargo, a la vez le va cambiando el carácter, volviéndole mas arrogante y oscuro. Tras un enfrentamiento con Harry en el que le deja desfigurado y agredir a Mary Jane tras intentar darle celos con Gwen, Peter se da cuenta de que se convierte en un monstruo y se libera del traje negro. Sin embargo, el simbionte alienígena busca a otro portador y lo encuentra en Eddie Brock, un fotógrafo resentido con Peter debido a que este hizo que lo despidieran del Daily Bugle y, encima, siente celos porque está enamorado de Gwen. Eddie se convierte así en Venom, un ser que posee los poderes de Spiderman y, además, puede anular su sentido arácnido. Tras forjar una alianza con Sandman, secuestra a Mary Jane para tenderle una trampa. Peter sabe que no puede enfrentarse a Venom y Sandman él solo y se verá obligado a pedirle ayuda a Harry.

De nuevo regresaba el mismo reparto de las anteriores entregas en sus respectivos personajes. A ellos se les unirían Thomas Haden Church, que por entonces gozaba de mucha fama por su participación en la premiada Entre Copas (Alexander Payne, 2004), para dar vida a Sandman, Topher Grace como Venon, Bryce Dallas Howard como Gwen Stacy y James Cromwell como el capitán de policía George Stacy, padre de Gwen.

En lo que mas discrepaban Raimi y el estudio era en los villanos. Raimi quería a los villanos de los cómics originales de los años 60 mientras que Sony quería villanos mas modernos. Con el Duende Verde y el Doctor Octopus no tuvieron problemas ya que estos eran muy populares pero, cuando Raimi anunció que para esta quería a Sandman, la cosa se torció, ya que los productores habían puesto sus ojos en Venom -creado a finales de los 80 -y, además, ya tenían pensado utilizar en esta la historia del simbionte alienígena y el traje negro. Finalmente, tanto Sandman como Venom fueron utilizados en el film. A estos se les uniría el segundo Duende Verde -o Duende Verde II -, único villano que tenía asegurada su participación dado el final de la segunda y por el hecho de que ya tenía actor asignado (James Franco).

Demasiados villanos y, además, demasiadas tramas y subtramas para un solo film de menos de tres horas de duración. Alvin Sargent llegó a proponer que la película se dividiera en dos partes para poder abarcar tanto material; propuesta que fue rechazada. El presupuesto de la película se disparó hasta los 260 millones de dólares, siendo la película mas cara de su tiempo. John Dykstra -quién ganó en 2005 el oscar por los efetos de la segunda película -, se negó a regresar en esta entrega y Scott Stokdyk le sustituyó como supervisor de los efectos especiales del film; donde se tuvieron que innovar efectos nuevos para, especialmente, las escenas de transformación de Sandman.

La película se estrenó, tanto en Estados Unidos como en España, el 4 de mayo de 2007. Su éxito en EEUU fue inferior al de las dos primeras, aunque no muy alejado, con 336 millones recaudados. No obstante, su éxito en todo el mundo fue mucho mayor amasando 554 millones, con lo que la recaudación global fue de 890 millones de dólares, siendo la película mas taquillera de la saga. No obstante, también fue la peor recibida, tanto por la crítica como por los fans del arácnido, que no perdonaron libertades como el transformar a Sandman en el verdadero asesino del tío Ben, convertir a Gwen Stacy en un segundo plato o lo muy desaprovechado que estuvo Venom en el film; para compensarlo, se está preparando un spin-off sobre este personaje.

Desde luego, la película tiene cosas ridículas, como la forma en que se trata el paso de Peter Parker al lado oscuro -especialmente, en el baile que se monta con Gwen para darle celos a Mary Jane -. Además, como ya he dicho antes, la película queda muy recargada con tantos villanos y tantas tramas juntas. No obstante, la película tiene cosas buenas, como la escena en la que Peter se libera del traje negro -totalmente fiel a los cómics -o el espectacular enfrentamiento final de Spidey y el Duede Verde II contra Sandman y Venom para rescatar a Mary Jane. No hay duda de que este es el episodio mas flojo de la saga, pero tampoco es el bodrio infumable que muchos dicen que es y por el que se empezó a demonizar a Raimi, sobre el que cayeron todas las culpas. Para mi es un buen film que no supieron sacarlo adelante bien.

Por cierto, aquí también hubo cameo del amigo Bruce; esta vez como el metre del restaurante donde Peter intenta pedirle matrimonio a Mary Jane.

Os dejo con uno de sus trailers en español:

SPIDERMAN 4 (2011) (suspendida)

El que se fuera a hacer una cuarta entrega era algo evidente. Ya entes de que se estrenara la tercera, en marzo de 2007, comenzaron a cirular rumores de que David Koepp había sido contratado para escribir la nueva entrega. No obstante, no hubo nada oficial hasta poco después del estreno de la tercera en mayo de 2007. Sony anunció la cuarta película para mayo de 2011. Sin embargo, esta vez muchas fueron las incógnitas sobre quién iba a dirigirla y a protagonizarla, puesto que Raimi y los actores solo se habían comprometido para tres entregas. Además, teniendo en cuenta la mala relación de Raimi con los productores en la anterior entrega, muchos vaticinaron que esta sería la primera película de spidey sin él como director.

El guionista James Vanderbilt, que por entonces había adquirido bastante fama y prestigio gracias a la película Zodiac, de David Fincher, fue contratado para escribir el primer borrador, el cual luego sería reescrito por David Lindsay-Abaire (Robots). Durante estos meses en los que la película estaba en proceso de guión poco era lo que se sabía de ella y lo único que había eran multitud de rumores y especulaciones un montón de fan-posters y fan-trailers que inundaron la red.

Finalmente, tras el verano de 2008, se anunció oficialmente que Raimi volvía a encargarse de la dirección y, poco después, se confirmó que Tobey Maguire y Kirsten Dunst regresarían también en sus respectivos papeles. Aún así, seguía desconociéndose la trama y cuales serían los villanos de este nueva entrega. El anuncio de que Dylan Baker podría volver por tercera vez en la saga como Curt Connors hizo creer que, por fin, El Lagarto haría su aparición en la saga. También se rumoreó a Morbius, Kingpin y Kraven el Cazador. No obstante, no había nada seguro y el proyecto parecía no avanzar.

A finales de 2009 pareció que la película arrancaba de una vez. Se anunció que Raimi ya tabajaba en la pre-producción y que los encargados de los efectos especiales ya se encontraban manos a la obra. Se fijó el inicio del rodaje para marzo de 2010 y se anunció también la contratación del cineasta Gary Ross, quién ya había trabajado con Maguire en Pleasantville (1998) y Seabiscuit (2003), para reescribir el guión de Vanderbilt y Lindsay-Abaire. Sobre los villanos, no hubo confirmación, pero muchos sitios dieron por hecho que serían El Buitre, para quién volvió a sonar el nombre de John Malkovich, y la Gata Negra, para quién sonaron Julia Stiles, Romola Garai y Rachel McAdams; aunque la gran favorita era Anne Hathaway.

La cosa parecía ir bien hasta que, en enero de 2010, las cosas se torcieron en pocos días. Primero se hicieron públicas nuevas discrepancias entre Raimi y los productores de nuevo a costa de los villanos, ya que estos últimos no querían a El Buitre y Raimi -que ya intentó colarlo en la tercera con Ben Kingsley dándole vida -si. Otro problema fue el encargo de una nueva reescritura del guión a Alvin Sargent porque el trabajo de Ross no terminaba de convencer. Y, para colmo, los de efectos especiales anunciaron que no los iban a tener listos para el plazo acordado. Esto llevó a Sony a anunciar que la película no iba a poder estrenarse en mayo de 2011, como estaba previsto, y debía retrasarse; aunque no dijeron ninguna fecha. No obstante, siguieron afirmando que el proyecto seguía adelante.

Nada mas lejos de la realidad. El 11 de enero de 2010, Sony anunció oficialmente que Spiderman 4 quedaba suspendida y que la saga se reiniciaría por completo al mas puro estilo Batman Begins; con esto le hicieron un buen "¡Zas! en toda la boca" a John Malkovich quién, el día anterior, había asegurado públicamente que Spiderman 4 se iba a hacer y que él iba a ser El Buitre en el film.

EL REBOOT

¿ULTIMATE SPIDERMAN? (2012)

Estaba claro que los éxitos de Batman Begins (2005) y The Dark Knight (2008), ambas de Christopher Nolan, influyeron bastante en la decisión de Sony de reiniciar por completo la saga Spiderman; incluso muchos fans descontentos con la tercera entrega -y algunos descontentos con la saga en general -no paraban de demandar dicho reinicio.

Nada mas saberse que Spiderman 4 estaba oficialmente cancelada y que Raimi, Maguire y Dunst estaban fuera del proyecto, se anunció una nueva entrega completamente renovada para 2012 que contase de nuevo los orígenes del héroe en el instituto. La nueva película, que sería también el inicio de una nueva trilogía, estaría producida de nuevo por Columbia Pictures, Marvel Studios, Laura Ziskin y Avi Arad y James Vanderbilt fue llamado de nuevo para hacerse cargo del guión. No obstante, contaría con un nuevo director y un reparto completamente renovado.

De nuevo volvió a haber una larga lista de posibles directores para el proyecto y volvieron a sonar los nombres de Roland Emmerich, David Fincher, Ron Howard, Tim Burton e, incluso, James Cameron -aunque este no tardó en desmentir cualquier rumor que le vinculaba a este proyecto asegurando no estar ya interesado en dirigir una película de Spiderman -; hace poco se supo que a la recientemente oscarizada Kathryn Bigelow (En Tierra Hostil) se le ofreció dirigir este film, pero lo rechazó. El elegido fue finalmente el emergente Marc Webb, que en 2009 había logrado un gran éxito de crítica y público con la película, (500) Días Juntos.

A diferencia de Raimi, que se basó en los cómics originales, Webb afirmó que, para este film, tiene pensado basarse en los cómics Ultimate. Otra de sus intenciones, dado que Sony quiere que la película sea en 3D, es rodarla directamente así de una forma parecida a la de la supertaquillera Avatar (2009), para lo que no ha dudado en pedirle consejo a Cameron. Este, a pesar de que dijo no estar interesado en el film, accedió a colaborar con Webb en esta película -aunque solo sea para asesorarle en torno a las 3D -debido a que le gustó mucho (500) Días Juntos.

La película, que carece de título definitivo -muchos la llaman Spiderman 4 a pesar de no ser la cuarta tentrega de la saga -se encuentra actualmente en pre-producción y se estrenará en EEUU el 3 de julio de 2012. De momento, no hay ningún actor asociado al proyecto. Varios han sido los nombres de actores jóvenes rumoreados para este film; los mas sonados han sido Logan Lerman (Percy Jackson y El Ladrón del Rayo) como Peter Parker/Spiderman y Meaghan Jette Martin (Camp Rock) como Gwen Stacy.

Las opiniones en torno a este film se dividen entre los que ven con buenos ojos que la saga se reinicie y los que preferían que se hubiera hecho la cuarta entrega de nuevo con Raimi dirigiendo; yo, claramente, me inclino por los segundos, aunque seguiré de cerca este film y le daré una oportunidad porque, simplemente, quiero mas Spiderman.

LA MARVELMANIA

El enorme éxito de Spiderman puso mas de moda que nunca a los personajes de Marvel; que, por una vez, le tomaba la delantera a su gran rival, DC, que se vio obligada a reaccionar y sacó a la palestra a sus dos héroes principales, Batman y Superman, para no quedarse atrás.

Las adaptaciones de Marvel se dispararon y toda una serie de películas basadas en estos superhéroes, sin contar las respectivas secuelas de Spiderman, X-Men y Blade, se sucedieron a lo largo de la pasada década. Puede que la mayoría de estas películas ya existieran como proyectos antes de que Spiderman se estrenarse, pero si es bien cierto que el éxito del arácnido les dio un buen empujón.

Sin embargo, por muy prometedora que fuera en sus principios, esta etapa de películas Marvel resultó bastante fallida y ninguno de los films que se estrenó estuvo a la altura del film de Raimi ni llegó a cumplir las expectativas puestas en ellos. Dicha etapa culminaría en 2008, cuando la adaptación de Iron Man inició una nueva etapa en donde Marvel tiene mas el control de las películas haciendo adaptaciones mas fieles, entremezclando las tramas como en los cómics -algo muy demandado por los fans -y realizando crossovers, como un ambicioso proyecto sobre Los Vengadores que se prepara para 2012.

Volviendo a esta etapa fallida, sus mejores ejemplos son:

DAREDEVIL (2003)

Esta película escrita y dirigida por Mark Steven Johnson sobre el famoso superhéroe ciego se encontraba en producción cuando Spiderman se estrenó y se vio muy beneficiada por el éxito de la película de spidey, viendo como la Fox aumentaba su presupuesto de 60 millones de dólares en 80 millones. No obstante, a pesar de un diseño de producción alucinante, un diseño del traje del protagonista muy fiel a los cómics, un cartel de buenos actores secundarios, planos calcados de las viñetas, unas escenas de acción muy logradas y una estupenda banda sonora, la película dejaba muchos que desear y dejó con bastante mal sabor de boca debido, especialmente, a un guión bastante flojo, a un protagonista -Ben Affleck -que no terminaba de convencer y varias libertades que no gustaron nada, como un Kingpin interpretado por un actor negro -Michael Clarke Duncan -.

La película no fue un fracaso, pero no hizo la taquilla que se esperaba y, viendo lo mal recibida que fue por los seguidores del cómic, los responsables decidieron no hacer la secuela que tenían pensada y, en su lugar, hicieron un spin-off sobre Elektra, interpretada en el film por Jennifer Garner y quién volvió a darle vida en dicho spin-off que fue dirigido por Rob Bowman en 2005 y que, aunque fue un fracaso de crítica y público, yo lo encontré mejor que esta película. Ahora están preparando un reboot del personaje junto a Frank Miller -que resucitó al personaje en el cómic allá por los 80 -con el que esperan tener mejor resultado.

Cabe destacar que quién da vida en la película a Franklin “Foggy” Nelson en la película es Jon Favreau, el director de Iron Man, y que la secretaria de Matt Murdock -el alter ego de Daredevil -está interpretada por Ellen Pompeo, la protagonista de la serie Anatomía de Grey.

HULK (2003)

Otro film que también levantó muchas expectativas que se quedaron en el limbo fue esta adaptación del famoso hombre verde. Fue toda una sorpresa cuando, en 2001 -con el éxito de Tigre y Dragón (2000) aún reciente -, se anunció que Ang Lee iba a dirigir la adaptación de el film sobre Hulk y esto dio muchas esperanzas al proyecto; sin embargo, hace falta mucho mas que un director talentoso para llevar una adaptación de cómic a buen puerto y eso quedó bien claro en este film.

Los seguidores del cómic se llevaron un nuevo chasco al ver que Lee se montó su propia película y, encima, con un Hulk que parecía mas el hermano pequeño del gigante verde de la conocida marca de maíz que al Hulk de los cómics que todos conocemos. Un film bien dirigido y con buenas interpretaciones de su elenco protagonista -Eric Bana, Jennifer Connelly, Sam Elliot, Nick Nolte... -, pero muy poco digerible y con muy poca fidelidad a los cómics. Ni que decir tiene que el film no logró recuperar los 137 millones de dólares que costó en la taquilla americana y que salvó los muebles gracias a la taquilla mundial.

Cinco años después, la cosa se arregló con El Increible Hulk, una secuela-reboot con nuevo director, Louis Leterrier, y con un reparto completamente renovado (Edward Norton, Liv Tyler, William Hurt, Tim Roth...). Puede que, comercialmente, este nuevo film tuviera unos resultados similares a los de la anterior. Sin embargo, si contentó mas a la mayoría de los fans gracias, especialmente, a un guión y una trama mas acorde a las de los cómics, un Hulk mas logrado y fiel al de las viñetas y, encima, un cameo del Iron Man cinematográfico al final ¿Que mas se puede pedir?

EL CASTIGADOR (2004)

Después de que Dolph Lundgren abochornara a los seguidores de Punisher en aquel bodrio de 1989 del que la Marvel renegó, el guionista Jonathan Hensleigh (Jungla de Cristal: La Venganza, Armageddon) debutó en la dirección llevando de nuevo al cine a este personaje en otro film que prometía y que, de nuevo, se quedó en casi nada gracias a un protagonista (Thomas Jane) falto de carisma, un villano (John Trabolta) demasiado pasado de rosca, unos secundarios metidos con calzador y una trama que no se puede coger ni con pinzas. El film mejora bastante comparado con la versión de Lundgren pero, aún así, no se puede decir que fuera la versión cinematográfica que Frank Castle merecía. Al igual que con Hulk, habría que esperar hasta 2008 para ver a un Punisher cinematográfico como dios manda.

Punisher: War Zone, de la directora Lexi Alexander, nos ofrece a un Frank Castle, interpretado por Ray Stevenson, mucho mas logrado y mas fiel al de las viñetas y una trama mucho mas apropiada en un film violento, sangriento y con un estilo ochentero -mas, incluso, que el del film de Lundgren -que lo hace mas atractivo. Es una pena que esta película no fuese apreciada por el gran público y no llegase a triunfar en taquilla -en España no llegó a estrenarse -, porque es un film mucho mejor de lo que aparenta que se merecía mejor suerte y, desde luego, es mucho mejor que la bozofia de Lundgren y este fallido intento de 2004.

LOS 4 FANTÁSTICOS (2005)

Tras pasar por las manos de directores como Chris Columbus -que terminó como productor -o Peyton Reed, esta adaptación que la Fox produjo de Los 4 Fantásticos terminó en manos de Tim Story, muy popular entonces gracias al éxito de Taxi, derrape total (2004) -versión americana de la exitosa cinta francesa producida por Luc Besson en 1998 -. Aunque cueste creerlo, uno de sus guionistas era Mark Frost, co-autor junto a David Lynch de la magnífica serie Twin Peaks. Desde luego no es una gran película y como adaptación de los cómics le gana la versión de 1994. No obstante, resulta divertida y sus protagonistas (Ioan Gruffudd, Jessica Alba, Chris Evans y Michael Chiklis) no lo hacían mal.

Aquí el problema es su secuela, Los 4 Fantásticos y Silver Surfer (2007), donde repitió el mismo director y el mismo reparto, pero donde no estuvieron tan acertados. Por no hablar de despropósitos como el convertir a Galactus en una especie de nube cósmica -o a saber que era eso -o devolverle el aspecto normal al Dr. Muerte -interpretado de nuevo por Julian McMahon -para que ya no podamos verlo con su famosa máscara de hierro y su capucha. Ni que decir tiene que los de la Fox ya están preparando un reinicio como con Daredevil.

EL MOTORISTA FANTASMA (2007)

Tras Daredevil, Mark Steven Johnson no aprendió la lección y dirigió esta adaptación de Ghost Rider que llevaba ya muchos años gestándose y por la que Nicolas Cage -que buscaba la forma de quitarse la espina por no haber podido ser Superman a finales de los 90 -y Johnny Depp se pelearon por el papel protagonista; saliendo vencedor el primero.

De nuevo, Johnson filmó una película de impecable aspecto visual, con un motorista fantasma de lo mas logrado -al menos, visualmente -y unas escenas de acción y efectos especiales a la altura. Sin embargo, el resto es para echarle de comer a parte. El guión que David S. Goyer -productor de la cinta -escribió para el film en 2001 fue rechazado y dejaron que Johnson escribiera uno de su cosecha propia, lleno de momentos y diálogos ridículos a mas no poder y un villano (Wes Bentley) que no hay por donde cogerlo; por no hablar de que la primera media hora es para dormirse.

En resumen, un desastre cuyos responsables quieren arreglar de la misma forma que con se hizo con Hulk y Punisher; haciendo una secuela-reboot, para mas señas. La buena noticia es que quieren a Goyer en el film como guionista y director; la mala es que él todavía se lo está pensando.

SPIDERMAN Y EL 11-S

Como ya he dicho antes, Spiderman fue una de las muchas películas que sufrieron la censura que se originó a raíz de los terribles atentados del 11 de septiembre de 2001 y se llegó a decir que la película no se estrenaría jamás debido, entre otras cosas, a que los americanos -especialmente, los neoyorkinos -no estaban para héroes. Naturalmente, se equivocaron, ya que, tras ese terrible suceso, los americanos -que acababan de descubrir su vulnerabilidad -necesitaban mas héroes que nunca.

Hay una teoría, que yo no encuentro muy descabellada, que afirma que los americanos empezaron a superar el 11-S después del estreno de Spiderman. A pesar de los meses transcurridos, en mayo de 2002 los efectos de aquella masacre seguían muy latentes, sobre todo en Nueva York, y, aunque se afirmaba que la población estaba empezando a pasar página, el miedo y el desánimo aún seguía muy dentro de la gente y la irrupción de Spiderman -un héroe americano y de Nueva York -en sus vidas marcó el inicio de la superación de la catástrofe al encontrar en el hombre araña una figura a seguir para salir del túnel. Puede que para algunos sea una chorrada, pero no sería la primera vez que se utiliza un personaje de cómic para estas cosas; acordaos de aquellos seriales de las sesiones matinales de Batman, Superman y otros superhéroes que se hacían en los años 40 para levantar la moral de los americanos durante la II Guerra Mundial.

Puede que esta fuera la intención de los responsables del film y por eso, entre otras cosas, se incluyó aquella escena -tachada de propagandista por los fans de Hugo Chávez -en la que, durante el enfrentamiento entre Spiderman y el Duende Verde en el puente de Brooklyn, una multitud de gente acude en ayuda de spidey al grito de consignas como “¡Si te metes con Spiderman, te metes con Nueva York!”.

Pero, bueno, no quiero profundizar mucho en ese tema porque no me gusta mucho mezclar cine y políctica; un tema que necesita una entrada -o mas -para él solo. Tan solo quiero dejar constancia de esto para mostrar como Spiderman, además de un gran éxito, fue todo un fenómeno sociológico.

Y, como ya viene siendo habitual, termino con la banda sonora del film, de la cual se encargó Danny Elfman, el mismo que ya puso música a Batman cuando este estaba al cargo de Tim Burton. Aquí os dejo el tema:

Y, si lo queréis escuchar viendo a la vez los impresionantes créditos iniciales del film, aquí os lo dejo también:

TIBURÓN

2009-07-23T02:15:00.000-07:00

En 1975, Steven Spielberg aterrorizó a medio mundo y parte del otro a la vez que consagraba su hermergente carrera como director gracias a una película que es ya todo un clásico y una de los films mas influyentes e imitados de la historia que, para bien y para mal, llegó a cambiar el modo de hacer cine en Hollywood. Se trata de Jaws, conocida en España como Tiburón, un film que pocos se atreven a cuestionar su importancia dentro de la historia del cine. Esta es su historia.

La tranquilidad en Amity Island -una pequeña localidad playera situada en una isla de la costa este de EEUU -se rompe cuando, poco antes de comenzar la temporada veraniega, una chica desaparece mientras nada en plena noche y, al día siguiente, aparece su cuerpo mutilado en la playa. Cuando le comunican que ha sido el ataque de un tiburón, el nuevo jefe de policía, Martin Brody, recién llegado de la ajetreada Nueva York, ordena que las playas sean cerradas inmediatamente, pero el alcalde, temeroso de que esto afecte al turismo, se niega argumentando que la chica fue descuartizada por la hélice de una motora, por lo que las playas siguen abiertas. Cuando, tras un nuevo ataque, muere un niño, las playas se cierran y se organiza una partida de caza que culmina con la captura de un tiburón tigre al que, rápidamente, se le atribuyen los ataques. Ante la creencia de que el peligro ha pasado, las playas vuelven a abrirse con la festividad del 4 de julio y estas se llenan de turistas de todo el país. Pero el animal, un gran ejemplar de tiburón blanco, vuelve a atacar de nuevo causando víctimas mortales. Esta situación lleva a Brody a embarcarse, a pesar de su miedo al agua, junto a Matt Hooper, un experto en tiburones del instituto oceanográfico, y Quint, un veterano cazador de escualos, con la intención de dar caza al tiburón.

Para conocer los orígenes de esta película deberíamos remontarnos a 1916. Ese año, en Nueva Jersey, se produjeron una serie de ataques de tiburón que se cobraron la vida de cuatro personas y un herido grave en una zona donde no eran habituales los ataques de escualos. Durante años, se creyó que el causante fue un tiburón blanco pero, hoy día, se cree que pudo haber sido un tiburón toro, ya que varios ataques se produjeron en el interior de un río y estos animales pueden sobrevivir en aguas dulces; además, también se cree que los causantes pudieron ser varios tiburones y no uno solo. Podéis encontrar mas información aquí y aquí.

Estos sucesos sirvieron de inspiración al escritor Peter Benchley para escribir su primera novela, Jaws. Benchley comenzó a escribir la novela en 1971 y la publicó en 1974, convirtiéndose en un gran éxito de ventas. Pero, antes de que se publicara, en 1973, los productores Richard D. Zanuck y David Brown le echaron el ojo para llevarla al cine. Así que convencieron a la Universal para que comprara los derechos por 150.000 dólares y, rápidamente, pusieron en marcha la pre-producción para la película. Sin embargo, el camino que habían comenzado no iba a estar exento de dificultades que, en mas de una ocasión, pusieron en serio peligro la producción y, mas de una vez, se creyó que la película no se haría nunca. Años después, en unas declaraciones, Brown declaró que, de haber sabido donde se metían, jamás la hubieran hecho.

El propio Benchley se encargaría del guión, aunque los productores contrataron a Howard Sackler, quién pidió expresamente no aparecer en los créditos, para revisarlo. Desde el primer momento, hubo un director -cuyo nombre se desconoce -asignado a este proyecto que, tras trabajar un tiempo en él, terminó renunciando por diferencias con los productores. Se dice que este director fue impuesto por la agencia a través de la cual la Universal se hizo con los derechos de la novela como una de las condiciones para su compra y, al no convencer nada su trabajo a los productores, estos se las arreglaron para hacer que abandonara el proyecto.

Antes de que esto ocurriera, un joven Steven Spielberg fue al despacho de Zanuck y Brown para hablar con ellos sobre unos últimos detalles de producción para la película que, en esos momentos, estaba haciendo con ellos, Loca Evasión (1974) -oficialmente, su primera película, ya que El Diablo sobre Ruedas (1971), aunque llegó a estrenarse en cines, fue concebida como telefilme -. Spielberg se fijó en unos papeles que había sobre la mesa de la secretaria de estos y le pidió a los productores poder leerlos con la promesa de devolvérselos cuanto antes. Se trataba de un borrador de la novela de Benchley -que, por entonces, todavía no había sido publicada -y Spielberg, aunque al principio se creyó que se trataba de una comedia sobre dentistas al ver el título -Jaws significa Mandíbulas -, quedó cautivado con la historia que contaba, la cual le recordó mucho a la de El Diablo sobre Ruedas, y enseguida quiso que fuera su siguiente película. Le pidió a Zanuck y a Brown poder dirigirla, pero estos le comunicaron que ya había un director seleccionado pero que, si este fallaba, no dudarían en llamarle. Y así fue. En cuando el otro director abandonó el proyecto, Spielberg fue llamado para sustituirle. Entonces no lo supieron, pero habían dado el primer paso para que el film que estaban preparando se convirtiera en una de las películas mas importantes de la historia.

Una vez al frente del proyecto, Spielberg propuso a Carl Gottlieb para reescribir el guión de Benchley, pero también aportó ideas propias para el guión. Una de ellas era una escena en la que Quint se encontraba en una sala de cine donde proyectaban Moby Dick (John Huston, 1956) partiéndose de risa ante lo que veía en la pantalla. A todo el mundo le pareció buena idea esa escena. Pero a Gregory Peck, que poseía los derechos de la película en esa época, no le hizo mucha gracia aquello y se negó a cederles imágenes del film de Huston.

Otro que se dice que también participó en el guión de forma no acreditada fue John Milius, guionista de Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979) y director de Conan el Bárbaro (1982); además de gran amigo de Spielberg. Se dice que fue él quién escribió la escena mas famosa y mas recordada de la película: el brillante monólogo en el que Quint relata la terrible historia del USS Indianapolis, donde él fue uno de los supervivientes y el origen de su odio hacia los tiburones. En realidad, Milius propuso que se incluyera esta historia en pleno rodaje pero, ni Benchley ni Gottlieb encontraban la manera de incluirla en el guión hasta que, tras varios intentos, Robert Shaw, el actor que daba vida a Quint, apareció con unas páginas que él mismo había escrito para esa escena -ya que también era un gran escritor y dramaturgo -. Estas terminaron gustando a todo el mundo por igual y fueron incluidas en el guión. El resultado fue memorable.

En el aspecto técnico, el diseñador de producción Joe Alves, junto al veterano experto en efectos especiales ya retirado, Bob Mattey, creó un impresionante tiburón mecánico de siete metros de largo y de aspecto bastante amenazador. Una anécdota bastante famosa cuenta que, poco antes de comenzar el rodaje, Spielberg llevó a Milius y a otros dos amigos suyos, los también cineastas George Lucas y Martin Scorsese, a ver el tiburón mecánico -al que llamaría en el rodaje "Bruce" en referencia a su abogado -ya construido. Solos en el galpón donde se encontraba el animal, Lucas, haciéndose el gracioso, metió la cabeza dentro del bicho y a los demás no se les ocurrió nada mejor que gastarle una broma accionando el mecanismo. Las fauces del tiburón se cerraron de golpe y Lucas quedó atrapado por ellas. El problema es que el mecanismo se trabó y Lucas estuvo un buen rato atrapado hasta que consiguieron sacarlo de allí. Temerosos de haber roto algo, no dudaron en irse de allí corriendo.

Para el reparto de la película, Spielberg no quería actores famosos y, mucho menos, a grandes estrellas; quería a actores completamente desconocidos. No obstante, los productores lograron convencerle de que contratara a actores famosos, al menos, para el trío protagonista. Fueron propuestos Lee Marvin para hacer de Quint, Jeff Bridges para Hooper y Charlton Heston, tanto para el papel de Quint como el de Brody. Todos fueron rechazados por Spielberg. Heston, que tenía mucho interés en participar en ese film, se tomó muy a mal su rechazo y juró no trabajar nunca con Spielberg. Finalmen, Roy Scheider, famoso gracias a su participación en la oscarizada Contra el Imperio de la Droga (William Friedkin, 1971), fue el elegido para interpretar a Brody, Richard Dreyfuss, propuesto por George Lucas, sería Hooper y, como ya he dicho, Robert Shaw, que ya había trabajado con Zanuck y Brown en la oscarizada El Golpe (George Roy Hill, 1973), fue el elegido para dar vida a Quint. El reparto lo completaron Lorraine Gary como la esposa de Brody, Ellen, y Murray Hamilton como Larry Vaughn, el avaricioso alcalde de Amity. Gottlieb, a parte de guionista, también ejerció como actor secundario interpretando a un lugareño y Benchley hizo un cameo como reportero de Tv. También cabe especial mención a Susan Backlinie, que interpretó a Chrissie Watkins, la chica que es devorada al principio, convirtiéndose en la primera víctima del tiburón en una escena ya memorable. Cuatro años después, la actriz parodió esa misma escena, de nuevo a las órdenes de Spielberg, en la comedia 1941 (1979); aunque, esta vez, la amenaza no fue un tiburón, si no un submarino japonés.

El rodaje comenzó en el verano de 1974 y, desde el primer momento, fue un caos. El primer problema con el que se encontraron fue el sitio donde iban a rodar. Martha's Vineyard (Massachusetts) era el lugar ideal para recrear Amity Island, pero se encontraron con la oposición de los lugareños, que no querían un equipo de rodaje en plena temporada alta; los productores tuvieron que batallar mucho con las autoridades locales para que la película pudiera salir adelante.

Otro problema fueron las relaciones entre los miembros del equipo. Un buen ejemplo fue la relación entre Shaw y Dreyfuss, la cual fue tan tensa como la de sus personajes en la película -incluso peor -. Los dos eran de caracteres muy diferentes -Shaw era serio y profesional mientras que Dreyfuss era indisciplinado e impuntual y solía abusar demasiado de las drogas -y esto hizo que los dos actores no se soportaran durante casi todo el rodaje. Otros que tampoco se llevaron nada bien fueron Spielberg y Benchley, quién estuvo presente en el rodaje, a parte de como guionista, en calidad de asesor. Al escritor no le hizo ninguna gracia los cambios que Spielberg estaba metiendo con respecto a su novela. Por ejemplo, mientras en el film Brody y Hooper se hacen muy amigos, en la novela tienen una relación bastante tensa y, además, el oceanógrafo muere cuando se mete en la jaula para intentar matar al tiburón mientras que en la película sobrevive. También se cambió el final y la muerte de Quint. En la novela el tiburón moría desangrando a causa de los arponazos que le propina Quint, a quién una de las cuerdas atadas a los arpones se le enreda en la pierna y muere ahogado al ser arrastrado al fondo del mar por el cadáver del tiburón -un claro homenaje a Moby Dick -. El final que todos conocemos fue, totalmente, idea de Spielberg. Sin embargo, esto le costó su mayor bronca con Benchley, quién ya había estado todo el rodaje incordiándole con sus protestas ante los cambios de guión, y Spielberg llegó a expulsarle del rodaje, provocando que el escritor abandonara la película y se enemistara con el director de por vida.

No obstante, los mayores problemas fueron de aspecto técnico. Rodar en el agua fue un reto demasiado grande y fue muy difícil evitar que los equipos se mojaran; además, tampoco ayudó mucho el empeño de Spielberg de que en muchas escenas la cámara estuviera a la misma altura del agua para dar la sensación al espectador de estar metido en ella. Aunque, el que mas problemas dio durante todo el rodaje fue "Bruce", el tiburón mecánico. Ya desde el primer día comenzó a fastidiar. Dado que nunca había sido probado dentro del agua, cuando lo llevaron por primera vez y lo metieron en el mar, este se hundió hasta el fondo y hubo que enviar buceadores a buscarlo y sacarlo de nuevo a flote; tarea que tardaron ¡dos semanas! en hacer. Después, el tiburón empezó a funcionar mal o, simplemente, a no funcionar y obligar a detener el rodaje para que Alves y su equipo pudieran repararlo; algo que, en la mayoría de las veces, les llevaría largas horas.

No obstante, Spielberg, demostrando ser el cineasta de gran talento que es, supo aprovechar estos problemas para mejorar la película. Ya en la escena inicial el director no quiso que se viera en ningún momento al tiburón para dar mas sensación de misterio y, ante las largas sesiones de espera para que "Bruce" fuese reparado, vio que aquello se podría aprovechar mas. Por ejemplo, en las secuencias en las que el tiburón ataca a los bañistas en la playa, "Bruce" resultó completamente inútil al no poder flotar en el agua y Spielberg lo sustituyó por planos subjetivos del tiburón dentro del agua que, unidas luego al eficaz montaje de la veterana Verna Fields y a la excelente banda sonora de John Williams, dieron mucho mas miedo que si se hubiera visto al tiburón mecánico. Luego, en las escenas en alta mar -aunque se pudieron rodar algunas tomas en las que el tiburón asoma la cabeza gracias a dos tiburones sesgados también obra de Alves -Spielberg lo sustituyó muchas veces por los barriles que hay atados a los arpones que le clavan, los cuales anuncian la presencia del tiburón sin que podamos verle dando una mayor sensación de angustia al saber que está ahí pero no puedes verlo. Todos estos cambios beneficiaron mucho a la película y hasta el propio Spielberg afirma hoy día que, de haber funcionado bien el tiburón mecánico desde el principio, la película no le habría salido tan bien.

Sin embargo, en plena producción, las cosas no se veían tan bonitas. El presupuesto inicial de 4 millones de dólares se vio aumentado en 12 millones y, debido a los muchos retrasos, los 55 días que debería haber durado el rodaje se aumentaron en 159. Debido a este retraso, les pilló la temporada de navegación y hubo que cortar varias tomas en las que aparecían barcos y veleros de fondo, retrasando aún mas el rodaje. Todo esto llevó a la Universal a amenazar con suspender la producción y Zanuck llegó a sopesar mucho la idea de convertir la película en un telefilme. Tan solo los, muy buenos, resultados de unos pases de prueba en los que Spielberg mostró parte del material rodado a los directivos, hizo que la película siguiera adelante.

Finalmente, "Bruce" logró funcionar bien para las últimas escenas, las que en su mayoría corresponden al espectacular final ideado por Spielberg, donde el tiburón salta sobre el barco, lo hunde, devora a Quint y termina explotando cuando Brody le dispara en un bidón de oxígeno comprimido que había logrado introducirle en la boca; para esto último se utilizó una reproducción del tiburón de cartón piedra rellena de explosivos, vísceras y sangre artificial. "Bruce" también fue utilizado con éxito en las escenas submarinas en las que ataca y destroza la jaula en cuyo interior se encuentra Hooper. Aunque, para estas escenas también se utilizaron tomas de tiburones blancos auténticos rodadas por especialistas en Australia. No obstante, ninguno de estos tiburones era tan grande como el de la película -los de mayor tamaño medían 3 o 4 metros -, así que, para dar una sensación de mayor tamaño, se utilizó una jaula pequeña con un enano dentro. Esto dio píe a varias anécdotas. En una de ellas, uno de los tiburones atacó la jaula y el enano, asustado, se negó a volver a meterse en el agua ese día. También, en una de las tomas, uno de los tiburones quedó atrapado entre los cables y, de no ser por la intervención de los especialistas, el animal hubiera muerto ahogado. Esta toma gustó tanto a Spielberg que hasta hizo que cambiaran esa parte del guión para poder introducirla.

Finalmente, la película se terminó, acabando con toda una odisea de la que todos los que participaron no guardan muy buen recuerdo, y quedó lista para su estreno el 20 de junio de 1975 -a España no llegaría hasta el verano de 1976 -convirtiéndose en un éxito enorme que marcó un antes y un después en la historia del cine. La película llegó a recaudar 260 millones de dólares solo en la taquilla americana -hasta el momento, ninguna película había logrado sobrepasar los 100 millones solo en EEUU -y 471 millones en todo el mundo, convirtiéndose así en el primer blockbuster veraniego -algo que hoy en día está muy de moda -y en la película mas taquillera de la historia hasta que, dos años después, La Guerra de las Galaxias le arrebató ese puesto. Además, esto terminó de consagrar la carrera de Spielberg, la cual había quedado en entredicho tras los malos resultados de Loca Evasión. El éxito también se materializó en una gran cantidad de premios entre los que hubo tres oscars al mejor montaje (Verna Fields), música (John Williams) y sonido (Robert Hoyt, Roger Heman, Earl Madery, John Carter); incluso llegó a optar a mejor película, aunque aquí se llevó el gato al agua Alguien voló sobre el nido del Cuco, de Milos Forman.

El punto negativo está en que el éxito de la película perjudicó a la temporada veraniega de ese año -y de años venideros también -porque creó una auténtica psicosis en la gente que vio la película y la mayoría tuvo miedo de ir a las playas y, muchos de los que si fueron, salieron despavoridos del agua al creer haber visto tiburones nadando en ella. Otro punto negativo es un serio aumento de la mala fama que, ya de por si, arrastran los tiburones y esto aumentó las matanzas de estos animales, a los que se veía como asesinos atroces a pesar de que los expertos habían demostrado con creces que el comportamiento de los tiburones blancos dista mucho del mostrado en la película y la novela de Benchley quién, al ver su parte de culpa en todo esto, se convirtió en uno de los principales defensores de los tiburones; y eso que antes solía cazarlos por puro deporte. Spielberg tampoco estuvo ajeno a esto y, a parte de haber participado en campañas para la defensa de estos animales, cuando se hizo cargo de Parque Jurásico (1993) se empeñó en reflejar a estos seres como animales y no como monstruos -tal y como dije en el reportaje de la película en este mismo blog -como una forma de redención.

Yo, que soy amante de los tiburones y el Gran Blanco está entre mis animales favoritos, no culpo a la película de esta locura. Culpo mas al ser humano, estúpido, miedoso e ignorante que no sabe hacer otra cosa que reaccionar con violencia y mas violencia ante lo que desconoce y no comprende -o no quiere comprender -. Por no hablar de que utilizar una obra de ficción para justificar una matanza no es algo propio de seres civilizados.

Todo esto a parte, la película es una auténtica maravilla del séptimo arte que demuestra que Spielberg es un excelente director provisto de un gran talento y un fuerte carácter para la improvisación ante las adversidades y para llevar adelante una producción de este calibre con solo 27 años y una experiencia que se limitaba a varios telefilms y una película pequeña. Pero no solo en el aspecto técnico es donde triunfa. También logra un excelente trabajo en la dirección de actores y demuestra tener una gran valía para entretener y, a la vez, maravillar al espectador.

En resumen, una obra maestra donde las haya que, a parte de ser un gran éxito y una película inolvidable, también creó escuela y ha sido imitada hasta la saciedad hasta a día de hoy.

Les dejo con el trailer:

LAS SECUELAS

El éxito de Tiburón generó una serie de secuelas. Aunque, ninguna de ellas llegó a estar a su altura:

TIBURON 2 (1978)

Tras el enorme éxito de Tiburón era mas que evidente que se rodaría una secuela. En esta ocasión, Spielberg no regresó a la dirección ya que estaba inmerso en otros proyectos. De todas formas, los productores no querían contar con él de nuevo debido a los muchos quebraderos de cabeza que dio la producción del primer film y querían a un director menos conocido y mas fácil de manejar. El elegido fue el francés Jeannot Szwarc que, al igual que Spielberg, provenía del mundo de la Tv. Carl Gottlieb y Howard Sackler -que, esta vez, si apareció en los créditos -volvieron a encargarse del guión. En un principio, Sackler quería hacer una precuela de la primera película protagonizada por un joven Quint y que tratase sobre la catástrofe del USS Indianapolis. Pero los productores rápidamente rechazaron esta idea.

La historia se sitúa cuatro años después de los acontecimientos de la primera. La tranquilidad ha vuelto a las costas de Amity Island. Pero Martin Brody, que continúa siendo el jefe de policía, aún continúa temeroso de que la pesadilla vuelva a repetirse. Sus temores se confirman cuando una pareja de buceadores desaparece y el cuerpo medio devorado de una orca es encontrado en la costa. Brody corre a alertar al alcalde y a los poderes locales de que un nuevo tiburón blanco ha llegado a las costas y les pide que tomen medidas antes de que se repita lo ocurrido cuatro años atrás. Pero estos vuelven a negar la evidencia; especialmente, en esos momentos en los que tratan de convencer a un importante empresario para que invierta en la isla. Brody no se rinde y se pone a vigilar las playas por su cuenta. Pero, cuando por error, y delante de los bañistas, dispara a un banco de peces creyendo que era el tiburón, es inmediatamente despedido. No obstante, Brody vuelve a adentrarse en el mar cuando se entera de que sus hijos, Michael y Sean, podrían estar en peligro, ya que viajan con un grupo de jóvenes a bordo de unos pequeños veleros y son presa fácil para el tiburón.

Otras de las razones de que los productores no quisieran a Spielberg es que, según ellos, con él la película hubiera quedado muy repetitiva. La cosa tiene guasa porque durante casi todo el metraje esta secuela no para de repetir los esquemas de la primera. Antes de Szwarc, fue contratado como director John D Hancock, pero este fue despedido tras varios meses de producción porque su trabajo no gustaba a los productores y, aunque se habló de un posible regreso de Spielberg para co-dirigir la película junto a otro director y así poder trabajar en sus otros proyectos a la vez, fue finalmente elegido Szwarc.

En el reparto, regresaron Lorraine Gary como Ellen Brody y Murray Hamilton como el alcalde. No obstante, del trio protagonista de la primera solo regresó Roy Scheider, quién tuvo que aceptar a regañadientes para cumplir su contrato con la Universal y que, durante el rodaje, no se llevó nada bien con el director. Dreyfuss si pudo negarse a participar y su personaje fue eliminado del guión -justificando su ausencia en una conversación que Brody tiene con su esposa -y estaba claro que Shaw -que fallecería el mismo año que se estrenó la película -no iba a regresar después de como terminó su personaje.

Con un presupuesto de 20 millones de dólares, la película comenzó su rodaje en el verano de 1977, de nuevo en Martha's Vineyard. Alves y su equipo construyeron hasta tres tiburones mecánicos nuevos para evitar los problemas que dio "Bruce" en la primera. No obstante, en pleno rodaje, uno de los tiburones sufrió un cortocircuito y media cara se le chamuscó. Lejos de ser un inconveniente, se decidió justificar aquello en el guión y hacer que el tiburón tuviera media cara quemada para darle un aspecto mas terrorífico; para ello se maquilló la quemadura cubriendo los circuitos y añadiéndole pintura roja que pareciera sangre.

La película se estrenó en EEUU el 16 de junio de 1978 -a España no llegaría hasta noviembre de ese año -y tuvo bastante éxito recaudando 103 millones solo en los cines americanos y 84 millones mas en el resto del mundo, haciendo un total de 187 millones de dólares; una cifra muy alta para la época, pero muy alejada de los 471 millones de la primera. Tras este film, Szwarc inició una carrera cinematográfica que no duró mucho, ya que los sucesivos fracasos de Supergirl (1984) y Santa Claus (1985) le obligaron a regresar a la Tv.

El film es, claramente, muy inferior a su excelente predecesora. El desarrollo es mas lento y aburrido y, por mucho que se esforzaran, no lograba asustar ni crear tanta tensión como aquel. No obstante, es un film correcto y tiene escenas bastante espectaculares, como la del helicóptero y la escena final en la que Brody mata al tiburón electrocutándole con un cable de alta tensión. Además, comparado con las demás entregas, se puede decir que esta es la secuela mas digna de la saga.

Les dejo con el trailer:

EL GRAN TIBURON (1983)

El título original de la película, Jaws 3D, hace un juego de palabras: por un lado utiliza el 3 que le corresponde al ser la tercera entrega de la saga y, por el otro, hace referencia a la técnica de las 3 Dimensiones, la cual se utilizó para este film. En España, aunque se la suele conocer como Tiburón 3, se estrenó con el título de El Gran Tiburón por razones que explicaré mas adelante.

La historia se traslada a SeaWorld, un parque acuático donde trabaja Michael Brody, el hijo mayor de Martin Brody, junto a su novia, Katherine Morgan, que es bióloga marina. No obstante, la tranquilidad del lugar se tambalea cuando un enorme tiburón blanco es avistado dentro de las instalaciones. El animal es capturado y resulta ser la cría de un tiburón blanco gigante, un enorme escualo capaz de alcanzar los 11 metros de longitud. El tiburón muere poco después debido a la negligencia de Calvin Bouchard, el director del parque, y todo parece quedar en el olvido. Sin embargo, cuando aparece el cadáver medio devorado de uno de los trabajadores, se confirma algo que tanto Michael como Katherine sospechaban: la madre del tiburón se encuentra dentro del parque y tiene muchas ganas de vengar a su retoño.

Originalmente, esta película debía haber sido una parodia de la saga para aprovechar el éxito de la película Aterriza como Puedas (Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker, 1980) -la cual, por cierto, comenzaba con una parodia de la película de Spielberg -con guión de John Hughes y Todd Carroll y dirección de Joe Dante. No obstante, la Universal abandonó rápidamente esta idea, provocando la salida de los productores Brown y Zanuck, principales artífices de esta, y se contrató al escritor Richard Matheson, quién había trabajado con Spielberg en El Diablo sobre Ruedas, como guionista.

Matheson se basó en una historia de Guerdon Trueblood sobre un tiburón blanco que se quedaba atrapado en un lago de agua dulce para confeccionar el guión junto a Carl Gottlieb y Michael Kane; no obstante, tiempo después de estrenase la película, declaró a los medios que los productores habían destrozado por completo todo su trabajo y que nada de lo que él había hecho estaba en la película. La dirección recayó en Joe Alves, que le cedió el diseño de producción a Woods Mackintosh. En un principio, estaba previsto que Alves co-dirigiera la película junto a John D. Hancock, que volvió a ser llamado para este film, pero este, aún cabreado por el mal trato que recibió cuando estuvo a cargo de Tiburón 2, rechazó participar y Alves emprendió en solitario su primera -y única -película como director. El empleo de las 3D se debió a un resurgimiento en aquella época de esta técnica que hizo furor en los años 50 gracias a películas como Viernes 13: Parte III (Steve Miner, 1982) y Amityville 3-D (Richard Fleischer, 1983).

En cuanto al reparto, un joven Dennis Quaid -que debutaba como protagonista -dio vida a Michael mientras que Bess Armstrong interpretaba a Katherine. El reparto lo completaron John Putch como Sean, el hermano menor de Michael,Lea Thompson como Kelly, la chica con la que liga Sean y que, además, consigue que supere su miedo al agua -generado por los acontecimientos del primer film -, y Louis Gossett Jr. como Calvin Bouchard, que es una especie de versión negra del personaje de Murray Hamilton en las dos primeras.

La película tuvo una fría acogida. Con un presupuesto de 18 millones de dólares, solo recaudó 15 millones en las taquillas americanas. El film logró remontar en la taquilla internacional, logrando 87 millones de dólares en todo el mundo. Sin embargo, no logró sobrepasar la cifra de los 100 millones de dólares y comenzó a verse una preocupante tendencia a la baja en lo que a recaudación y calidad se refiere.

Desde luego, en resultados cinematográficos, la película es muy inferior a la segunda y a penas se acerca casi nada a la primera; el único momento realmente espectacular es la parte final y esta tampoco es gran cosa. Aún así, es mucho mas preferible esta entrega que la cuarta.

Les dejo con el trailer:

TIBURON, LA VENGANZA (1987)

Tras los flojos resultados de El Gran Tiburón, los responsables intentaron resucitar la saga con una cuarta entrega que rompía totalmente con el film de Alves -que no regresó ni como diseñador de producción -e intentaba volver a los inicios de la saga -querían repetir el film de Spielberg, para mas señas -. Sin embargo, lo único que consiguieron fue terminar de hundirla del todo con una de las películas mas cutres, patéticas y bochornosas de la historia del cine.

Nos encontramos de nuevo en Amity Island. Martin Brody hace tiempo que murió de un ataque al corazón y su esposa, Ellen Brody, continúa viviendo en el pueblo, aunque no está sola. Su hijo pequeño, Sean, vive también allí y, siguiendo los pasos de su padre, trabaja como policía. Sin embargo, en una noche navideña, el joven muere tras ser atacado por un enorme tiburón blanco. Ellen, que está convencida de que su marido murió de miedo ante el temor de que, algún día, un tiburón trataría de vengarse de él y de toda la familia, tras conocer la muerte de Sean le pide a su hijo mayor, Michael, que deje su trabajo de biólogo marino en las Bahamas y se aleje del agua todo lo que pueda. Michael, que está casado y tiene una hija, cree que su madre desvaría por la muerte de su hermano y decide llevarla a pasar unos días en las Bahamas para que se recupere. Una vez allí, Ellen entabla una relación con Hoagie Newcombe, el piloto del avión que les llevó hasta allí, y parece olvidar lo sucedido. Pero pronto comienza a presentir algo terrible: el tiburón les ha seguido hasta ese lugar.

Producida y dirigida por Joseph Sargent, director que fue alguien en los 70 con películas como Pelham 1 2 3 (1974) -recientemente remakeada por Tony Scott -, donde coincidió con Robert Shaw, o MacArthur, el General Rebelde (1977), este film trató de recuperar la esencia de la primera película pero, a la vez, quiso darle una vuelta de tuerca a la historia introduciendo elementos sobrenaturales, como el tiburón que busca venganza o la capacidad de Ellen Brody de detectarlo telepaticamente.

Al principio quisieron recuperar a Roy Scheider. Primero como protagonista y,después, para un cameo al principio en el que le veríamos en el lecho de muerte avisando a Ellen del peligro que corren. Tras la doble negativa del actor, cargaron el protagonismo en Ellen Brody y buscaron a Lorraine Gary, quién ya la había interpretado en las dos primeras películas. Para interpretar a Michael, el elegido fue Lance Guest y, para dar vida a Carla, su esposa -¿que sería de Katherine? -, se escogió a Karen Young. En un intento de mejorar la cosa, se fichó a un gran actor como Michael Caine para dar vida a Hoagie Newcombe y a Mario Van Peebles, actor con bastante fama por aquella época -hoy bastante perdido -, para interpretar a Jake, el ayudante de Michael en su trabajo en las Bahamas.

El film costó 25 millones de dólares que, en mi opinión, debieron irse casi todos en pagarle el sueldo a Caine; como hacen en los cutre-films italianos, traer a un actor -o varios -de renombre para adornar un producto de lo mas penoso. Porque así es, el conjunto de este film da pena. Comenzando por el tiburón mecánico, que yo creo que fue uno de los descartados de alguna de las anteriores películas. Y, por si la cosa no fuera ya bastante cutre, encima, nos muestran al animal en todo momento quitándole suspense y todo. Luego está un chapucero guión de Michael De Guzman en el que el tiburón no solo trata de vengarse de todos los miembros de la familia Brody, si no que encima es capaz de seguirlos hasta las Bahamas en solo unos días, y con un montón de escenas de lo mas ridículas; como el ataque a la banana flotante -miradla aquí si queréis y, cuando se os pase el ataque de risa, continuad leyendo -. Además, el recuperar la esencia de la primera se limita solo a colocar una gran foto de Brody en la comisaria de Amity, utilizar imágenes del film de Spielberg y una ridícula escena de Michael con su hija emulando el juego de Brody con Sean en la primera.

Y, para terminar, el final es lo mas patético que se ha visto en años. Con Ellen clavándole el mástil de un barco al tiburón -que ruge y todo, no os lo perdáis -y este explota... pues por la misma razón que explotan los tiburones cuando les clavas un mástil. Bueno, esto tiene una explicación; aunque esta no sirve para justificar semejante chapuza. El final original era este:

Pero, tras unos pases de prueba, decidieron cambiarlo porque la gente lo encontraba demasiado sangriento y no se les ocurrió nada mejor que ensartar imágenes de la primera película del tiburón explotando y la cosa les quedó así. Por si esto no fuera ya suficiente, también hicieron que el personaje de Mario Van Peebles, que era devorado por el tiburón poco antes, sobreviviera de forma milagrosa porque la gente en los pases de prueba les pareció simpático. Hay montajes de ¿Donde estás Corazón? mas creíbles que todo esto.

Total, que la película se estrelló en taquilla recaudando solo 13 millones en la taquilla americana y, aunque en la taquilla mundial se recuperó la inversión y se hizo algo de mas dinero, el daño estaba ya hecho y se puso fin a la saga. Además, la película fue nominada a los Razzies de ese año y está considerada como una de las peores películas de la historia -razón no les falta -. Caine, que todavía lamenta el no haber podido ir a recoger el oscar que ganó por Hannah y sus Hermanas (Woody Allen, 1986) por estar rodando este bodrio, afirma no haber visto nunca la película porque sus amigos y conocidos ya le advirtieron que era una gran mierda. Eso si, el tío al menos presume de haberse tomado unas buenas vacaciones pagadas en las Bahamas y de haberse comprado una gigantesca casa con lo que le pagaron; si cuando digo que casi todo el presupuesto se fue en él, lo digo por algo.

Mas tarde, en la novelización del guión de la película, escrita por Hank Searls -autor también de la novelización de Tiburón 2 -trataron de arreglar un poco este estropicio dando a entender que el tiburón pudo ser enviado por un tipo de ritual vudú obra de una bruja que tenía alguna cuenta pendiente con la familia Brody o algo por el estilo. También justificaron la explosión del tiburón afirmando que, antes de ensartarlo en el mástil del barco le hicieron tragar un dispositivo que le daba calambres. Eso si, la razón de por qué explota ese dispositivo no la dicen.

En serio, esto es MIERDA PURA y lo único que logra es abochornar a los que nos encanta el film de Spielberg. Si algún afortunado aún no la ha visto que huya de ella como de la peste. Os dejo con el trailer, el cual no muestra mucho -afortunadamente -:

¿TIBURON 5?

No hace mucho surgieron rumores de que la Universal pretende resucitar la franquicia con una nueva entrega completamente renovada. Pero no se ha sabido mas de esto; y espero que siga siendo así.

SUCESORAS

Como ya dije, la película de Spielberg creó escuela y muchas han sido las películas que han explotado su fórmula; y no solo con tiburones, también fueron utilizados otros animales. La mayoría se concentraron a finales de los 70 y gran parte de los 80, pero esto ha durado hasta nuestros días. Las mas significativas son:

ORCA, LA BALLENA ASESINA (1977)

Esta lograda producción de Dino de Laurenttis dirigida por Michael Anderson es, posiblemente, una de las mejores sucesoras de Tiburón que se han hecho. Con un reparto encabezado por Richard Harris, Charlotte Rampling, Bo Derek y Robert Carradine, el film contaba una especie de Moby Dick a la inversa. Aquí era una orca la que quería vengarse del hombre responsable de la muerte de su pareja y su hijo nonato en una apabullante odisea muy bien musicada por Ennio Morricone. Este film tuvo una pequeña puya con la Universal. En una escena, una orca devora a un tiburón blanco como tratando de decir en un mensaje subliminal que su película se iba a comer -en las taquillas, claro -al film de Spielberg, cosa que no ocurrió. La Universal respondió un año después con la escena de la orca devorada en Tiburón 2. Durante años se ha creído que la orca era un depredador del tiburón blanco -en Tiburón, el barco de Quint se llamamaba Orca por eso -, pero hoy se sabe que las orcas solo devoran a los ejemplares jóvenes y no podrían hacer frente a un ejemplar adulto.

TINTORERA (1977)

El cine mexicano también se subió al carro de esta moda. Tintorera es el nombre con el que suelen ser conocidos los tiburones tigre y los tiburones azules. En este caso, es un tiburón tigre quién provoca el caos en la costa mexicana en este film de Rene Cardona Jr. El film trata sobre dos amigos, un americano rico que está de vacaciones en México y un mexicano lugareño que, por el día, se dedican a cazar tiburones y, por la noche, a ligar con chicas. Sin embargo, las cosas se tuercen cuando una tintorera que merodea la zona y ha causado varios ataques mata al mexicano y el americano se obsesiona con vengar a su amigo.

PIRAÑA (1978)

Producción de Roger Corman dirigida por Joe Dante que es ya un pequeño clásicco del cine de terror, además de un éxito en su día que tuvo una secuela, Piraña 2: Los Vampiros del Mar (1981), firmada por James Cameron -aunque este no llegó a terminarla -, un olvidable remake en 1995 y otro remake en 3D que está preparando actualmente el director francés Alexandre Aja. Unas pirañas alteradas para soportar cualquier clima, fruto de un experimento del gobierno, logran escapar de las instalaciones donde se encuentran y llegan a un río donde se situa una zona de veraneo en la que causarán una matanza con los bañistas.

LA BESTIA BAJO EL ASFALTO (1980)

Dirigida por Lewis Teague y con guión de John Sayles -hoy cineasta de culto -este film aborda una de las leyendas urbanas mas famosas de la historia. Esa que afirma que las cloacas de Nueva York están infestadas de caimanes que, cuando eran crías, los padres se los compraron a sus hijos y que, al hacerse mayores, los tiraron por el retrete, pero lograron sobrevivir. En este film, uno de estos caimanes crece de manera desproporcionada al ser afectado por los vertidos de una empresa que experimenta ilegalmente con la hormona del crecimiento y sale a la superficie provocando el caos. Si hay un animal en el mundo capaz de proocar tanto miedo en el agua como el tiburón ese es el cocodrilo y este animal también ha sido utilizado en muchas películas de este tipo. Un ejemplo muy reciente es la lograda cinta australiana El Territorio de la Bestia (Greg McLean, 2007).

TIBURON 3 (1981)

Su verdadero título es L'Ultimo Squalo (El Último Tiburón) y está dirigida por Enzo G. Castellari. Es una de esas cutre-producciones italianas que abundaron mucho por esta época y mamaron todo lo que pudieron del éxito de Tiburón. De hecho, el productor y distribuidor José Frade nos la vendió como una nueva secuela del film de Spielberg poniéndole el título de Tiburón 3 cuando se estrenó en España; esta es la razón de que la verdadera tercera entrega se distribuyera en nuestro país como El Gran Tiburón. En 1982, la Universal llevó a juicio a los responsables de este esperpento cuando vieron que la película copiaba descarádamente cosas del film de Spielberg y su primera secuela; incluso de El Gran Tiburón, que se encontraba ya en producción. Finalmente, la Universal ganó el juicio y evitó la distribución de esta película en norteamérica.

LA SERPIENTE VOLVADORA (1982)

No siempre la amenaza venía del agua. En este estupendo film de Larry Cohen protagonizado por el desaparecido David Carradine venía del aire. El film contaba como una bestia voladora atacaba a la gente de Manhattan a la vez que se producían una serie de asesinatos rituales. El detective que investiga estos casos termina descubriendo que los ataques son obra de una bestia voladora prehistórica adorada por los aztecas como Quetzalcoatl. Solo hace falta ver los excelentes planos subjetivos de la bestia en las secuencias de los ataques para ver que esta película tuvo en Tiburón una de sus principales influencias.

TEMBLORES (1990)

Si en la anterior la amenaza venía del aire, en este film -ya un pequeño clásico -de Ron Underwood venía de debajo de la tierra. Los habitantes de Perfección, una pequeña población al borde el desierto de Nevada, comienzan a sufrir el ataque de algo que se mueve bajo sus píes. No tardarán en descubrir que los atacantes son unos enormes gusanos carnívoros. Este film tiene un montón de secuelas, a cada cual mas mala.

ANACONDA (1997)

Film de Luis Llosa que sería considerado de serie B si en su reparto no estuvieran Jennifer Lopez, Jon Voight o el rapero Ice Cube. De nuevo cometieron el error de gastarse la mayor parte del presupuesto en el reparto y el conjunto les quedó bastante cutre. Aún así, este film, que trata sobre un grupo de documentalistas que se adentran en la selva amazónica para buscar una tribu perdida pero se encuentran con un cazador que les hace ir en busca de una enorme serpiente anaconda para capturarla y forrarse, tiene cosas buenas. Además, fue un inesperado éxito en su día y, al igual que Temblores, ha tenido varias secuelas, cada una mas mala que la anterior.

DEEP BLUE SEA (1999)

Afinales de los 90, el cine de tiburones, relegado a las películas cutres de videoclub, resucitó en parte con esta estupenda película de Renny Harlin sobre unos tiburones mako alterados genéticamente para descubrir una cura contra el Alzheimer pero que se vuelven demasiado listos y causan el terror en las instalaciones donde los tienen encerrados. Varios homenajes al film de Spielberg -como ese tiburón tigre con una placa en la boca -, escenas realmente impresionantes, como la muerte de Samuel L. Jackson, y alguna que otra sorpresa en su guión en un film que va directamente al grano y que mantiene la tensión hasta el final. Fue un éxito en su día, realzando la maltrecha carrera de su director; aunque esta volviera a decaer poco después.

OPEN WATER (2003)

Angustioso film en el que una pareja de vacaciones haciendo submarinismo, tras una inmersión descubren que el bote que los ha llevado hasta allí se ha ido a causa de una negligencia de la tripulación y los dos se quedan a la deriba en un mar infectado de tiburones. Película escrita y dirigida por Chris Kentis que, en su día, tuvo un impacto similar a el de El Proyecto de la Bruja de Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999); con solo dos actores y un solo escenario -el inmenso oceano plagado de tiburones -durante la mayor parte del metraje.

LA BANDA SONORA

Y, como ya es habitual, aquí dejo una muestra de la magnífica banda sonora que John Williams compuso para este film y que fue muy bien recompensada con un muy merecido oscar. Esta composición ayudó mucho a la hora de crear tensión y causar miedo al espectador. Con solo escuchar las primeras notas, ya sientes que algo malo está pasando:

DESAFIO TOTAL

2009-04-26T14:57:00.000-07:00

Desafío Total (1990) fue mucho mas que una simple película de acción futurista con efectos especiales. Dirigida por un gran director y basada en un relato escrito por uno de los grandes autores de la ciencia ficción del siglo XX, este film se coloca entre las mejores películas protagonizadas por Arnold Schwarzenegger y en uno de los mejores films de los últimos tiempos. Sin embargo, detrás de esta película hay toda una odisea en la que pasó por las manos de muchos actores y directores y que hizo que, durante muchos años, le tocara cargar con la etiqueta de proyecto maldito. Una historia que vale la pena contar:

Douglas Quaid es un hombre normal y corriente en la Tierra del año 2084. Su vida es simple, está casado desde hace 8 años con la bella Lori y tiene un rudimentario trabajo como obrero de la construcción. No obstante, lleva tiempo obsesionado con Marte -que se ha convertido en una colonia minera de la Tierra -, especialmente, desde que tiene un extraño sueño en el que camina por ese planeta en compañía de una bella mujer. Ante la negativa de su esposa de trasladarse al planeta rojo, decide acudir a Rekall, una empresa que crea vacaciones virtuales para los que no pueden costearse vacaciones verdaderas y, además, plantea la posibilidad de ser otra persona en esos viajes. Quaid acepta unas vacaciones en las que es un agente secreto en Marte pero, cuando le implantan el alucinógeno, se despiertan unos recuerdos que llevaba ocultos en su cerebro que revelan que ha estado en Marte de verdad. Será entonces cuando descubra que toda su vida es una mentira y que su mujer y sus amigos son en realidad agentes secretos que tratan ahora de matarlo. A través de un mensaje que se grabó a si mismo, Quaid descubre que, en realidad, se llama Hauser y que es un agente desertor de la inteligencia de Marte al servicio de Vilos Cohaagen, el gobernador de la colonia terrestre marciana que gobierna el lugar con mano de hierro a través de un control total del aire. Gracias a la ayuda de Hauser, Quaid viaja a Marte para encontrarse con Melina, la chica que aparece en sus sueños, quién lo llevará hasta Kuato, el líder de los rebeldes que luchan contra Cohaagen, un mutante con poderes psíquicos que puede desvelar el secreto que Quaid guarda en su mente y que puede terminar con el gobierno de terror de Cohaagen.

En 1979, cuando Alien, el Octavo Pasajero, de Ridley Scott, estaba a punto de estrenarse, sus guionistas, Dan O'Bannon y Ronald Shusett, acababan de terminar un guión llamado Total Recall que adaptaba libremente un relato corto de Philip K. Dick llamado Podemos recordarlo por usted al por mayor (1966). Ambos guionistas se pusieron en contacto con Thomas Wilhite, representante de Disney Pictures, con quién llegaron a un preacuerdo para convertir el guión en película. Al principio, todo parecía ir bien e, incluso, se empezó a buscar director para el film. Wilhite se puso en contacto con John Carpenter, quién empezaba a ser muy popular por aquel entonces gracias a los éxitos de Asalto a la Comisaría del Distrito 13 (1976) y La Noche de Halloween (1978) y que ya había trabajado con O'Bannon en Dark Star (1974). No obstante, las cosas se torcieron cuando la Disney exigió cambios en el guión para limar asperezas y esto provocó el abandono de todos los implicados.

Entonces, O'Bannon y Shusett contactaron con el famoso productor Dino de Laurentiis, a quién le encantó el guión y, rápidamente, llegó a un acuerdo con los guionistas para producir el film. Sin embargo, esto fue también el inicio de una larga odisea que duró casi una década y que, en mas de una ocasión, pareció que este proyecto no se rodaría nunca.

Durante los primeros años de la década de los 80, De Laurentiis trató de poner el proyecto en marcha sin demasiada fortuna. El primer director elegido fue Richard Rush, pero se vio obligado a despedirle debido a las enormes discrepancias que ambos tenían. Su sustituto fue el entonces poco conocido Russell Mulcahy -todavía no había dirigido Los Inmortales (1986) -, pero corrió la misma suerte que Rush; lo mismo que su sucesor, Fred Schepisi que, tras escribir siete versiones del guión, tuvo que abandonar. Al mismo tiempo, muchos fueron los actores que desfilaron por el proyecto para interpretar al protagonista, Douglas Quaid -en el relato de Dick se apellidaba Quail, pero decidieron cambiarlo -. Jeff Goldblum, Peter Carey, Chuck Norris o Sylvester Stallone fueron algunos de los muchos actores tanteados para el papel.

En 1984, De Laurentiis llegó a un acuerdo con David Cronenberg para que este dirigiera el film con Richard Dreyfuss de protagonista. Cronenberg se puso inmediatamente a trabajar en el proyecto y pasó mas de un año de pre-producción supervisando diseños, buscando localizaciones en Túnez para recrear los paisajes de Marte y escribiendo varias versiones del guión de O'Bannon y Shusett. Todo parecía ir bien pero, a la hora de empezar el rodaje, comenzaron las discrepancias entre director y productor sobre que versión del guión realizar. Cronenberg tenía claro que la ideal era la última que había escrito, la versión 12, pero De Laurentiis prefería mas la versión número 9. Ninguno de los dos quiso dar su brazo a torcer y, entonces, comenzó un tira y afloja entre ambos que terminó con el director abandonando la producción, la cual se paralizó durante varios meses hasta que De Laurenttis, derrotado, llamó a Cronenberg para decirle que aceptaba dejarle hacer la película tal y como él quería. Sin embargo, Cronenberg ya había perdido el interés y lo rechazó.

De Laurentiis, que veía como el proyecto se le escapaba de las manos, lo intentó una última vez con Bruce Beresford como director y Patrick Swayze de protagonista; Dreyfuss había abandonado hace tiempo cansado de la espera. De nuevo, el proyecto pareció salir adelante. Beresford trasladó la producción a Australia, donde pasó varios meses de pre-producción en los que, entre otras cosas, se construyeron unos enormes y costosos decorados, y todo parecía a punto para iniciarse el rodaje. Sin embargo, de nuevo la mala suerte volvió a sacudir a De Laurenttis cuando, a causa de varios problemas con las autoridades del país, se vio obligado a suspender la producción.

El agotamiento de tantos años de trabajo, la gran cantidad de dinero invertido y la sombra del fracaso económico de Blade Runner (Ridley Scott, 1982), también basada en una obra de Philip K. Dick, hicieron que De Laurentiis tirara la toalla y todo parecía indicar que el guión que Dan O'Bannon y Ronald Shusett habían escrito terminaría cogiendo polvo en un cajón; algo que, seguramente, hizo recordar a O'Bannon aquel ambicioso proyecto de adaptar la novela de Frank Herbert, Dune, en el que trabajó con Alejandro Jodorowsky en 1975 y que fue candelado. Sin embargo, algo ocurrió que salvó a este proyecto del desastre casi de forma milagrosa.

Arnold Schwarzenegger había leído tiempo atrás el guión de O'Bannon y Shusett y había quedado encantado. Así que, cuando se enteró de que el proyecto para llevarlo al cine era cancelado, se puso inmediatamente en contacto con Mario Kassar y Andrew G. Vajna, dueños de la desaparecida Carolco, convenciéndoles de que compraran los derechos del proyecto a De Laurentiis. Una vez realizada la transacción, Arnie se aseguró mediante contrato, además de protagonizar el film, el poder opinar sobre el guión, la composición del reparto, la campaña de promoción y, sobre todo, la elección del director. Para esto último, Schwarzenegger lo tenía bien claro, quería a Paul Verhoeven.

Venido de Holanda, Verhoeven acababa de estrenar por aquella época la película Robocop (1987), la cual había sido un gran éxito que lo había afianzado dentro de la industria de Hollywood. Por entonces, Verhoeven no quería ni oír hablar de ciencia ficción ni efectos especiales debido a lo compleja que había sido la producción de su anterior film. Sin embargo, no lograba encontrar ningún proyecto que le atrajera de verdad a pesar de la gran cantidad de guiones que le enviaron. Cuando se pusieron en contacto con él para que dirigiera Desafío Total se encontraba en negociaciones para dirigir la cinta policiaca Black Rain, proyecto que solo le interesaba porque estaba protagonizado por Michael Douglas, con quién tenía muchas ganas de trabajar -algo que haría en el futuro -.

A pesar de sus reticencias sobre volver a la ciencia-ficción, Verhoeven leyó el guión y le pareció de lo mas interesante la historia que contaba a pesar de que sabía que convertirla en película sería mucho mas duro y complejo que cuando hizo Robocop. Renunció a Black Rain, que terminaría en manos de Ridley Scott, y se metió de lleno en este proyecto. A pesar del inmenso control que tenía sobre el proyecto, Arnie tenía tanta confianza en Verhoeven que le dejó libertad total para hacer la película a su gusto y le dio carta blanca para hacer los cambios que quisiera.

Una de las primeras decisiones que tomó el director nada mas hacerse con el proyecto fue reescribir el guión ya que, aunque este le gustó mucho, consideraba que no había sido concebido para alguien como Arnold Schwarzenegger. Fue por ello por lo que contrató al guionista Gary Goldman -quién, años después, también participaría en otra adaptación de Dick, Next (Lee Tamahori, 2007) -para que reescribiera el libreto de tal forma que pegara mas con el actor. Y así lo hizo, realizando un excelente trabajo al escribir un guión donde actor e historia casaban del todo.

Una vez conseguido un libreto del agrado del director, se reunió a los actores que acompañarían a Schwarzenegger en esta aventura. De todos, quién mas terminaría destacando fue Sharon Stone, quién dio vida a Lori, ya que comenzó a convertirse en estrella con este film y luego trabajaría con Verhoeven en Instinto Básico (1992), exitoso thriller erótico que daría mucho de que hablar. Por lo demás, Rachel Ticotin fue escogida para Melina, Ronny Cox -que ya había trabajado con Verhoeven en Robocop -sería el elegido para Cohaagen y Michael Ironside interpretaría a Richter, principal lugarteniente de Cohaagen y verdadero esposo de Lori.

Con un presupuesto de 65 millones de dólares -aunque Verhoeven logró reducirlos a 55 millones -la película se rodó en su totalidad en México durante 22 semanas. Las escenas que transcurren en el metro de la Tierra se rodaron en la estación Chabacano del metro de Ciudad de México, mientras que las escenas que transcurren en la casa donde Quaid vive felizmente con la que cree su mujer se rodaron en los dormitorios del Heroico Colegio Militar, también de la capital mexicana. El resto del rodaje se completó en los gigantescos estudios Churubusco. Allí se construyeron, entre otras cosas, los escenarios del espacio-puerto, los suburbios de Venusville, las catacumbas donde se esconden los rebeldes, los inmensos reactores ocultos en el subsuelo del planeta -parte fundamental de la trama -o los espectaculares exteriores marcianos, los cuales se realizaron con fibra de vidrio y yeso, en los cuales se dejó ver mejor el excelente trabajo del director de fotografía Jost Vacano. Para construir estos impresionantes decorados, Verhoeven volvió a recurrir al diseñador de producción William Sandell, con quién ya había trabajado en Robocop. Sandell, al frente de 350 operarios, logró darle ese aspecto a la película a mitad de camino entre lo fantástico y lo cotidiano que tanto quería el director; algo a lo que también ayudó mucho Eric Brevig, supervisor de efectos visuales.

Al frente de la Dream Quest Images, y asesorado por la NASA, Brevig logró un excelente trabajo en los impresionantes efectos especiales del film; especialmente, en lo que suponía la fusión de maquetas y acción real. El film posee unos efectos especiales de los mas novedosos y abanzados de la época y no es de extrañar que esta película ganara el oscar en esta categoría sin ninguna competencia, ya que ninguna otra película estuvo nominada. Una buena muestra de los logros de esta película en sus efectos especiales es esta escena que ya ha pasado a la historia del cine y que pongo a continuación:

Aunque, de entre el inmenso equipo de efectos especiales, merece mención especial el trabajo de Rob Bottin que, además de sus excelentes trabajos en las tareas de maquillaje en las deformaciones de los mutantes -impresionante la tía de las tres tetas -, también es responsable de unos efectos especiales tan logrados como el brazo mutante del taxista o la deformación de los rostros de los personajes cuando entran en contacto con la atmósfera de Marte. Aunque, su obra cumbre fue la creación de Kuato, el mutante líder de los rebeldes; trabajo que recuerda mucho al que realizó para John Carpenter en La Cosa (1982). En el guión, Kuato era una especie de pelota de tenis con ojos y boca que surgía de la cabeza de su portador (Marshall Bell), pero Bottin prefirió darle mas personalidad e impacto a la criatura y, por ello, creó una especie de enano viscoso que surgía del pecho de su portador. Para ello, creó un impresionante animatronic de tamaño natural que se accionaba mediante treinta dispositivos electrónicos y neumáticos conectados a un tablero de mando. El resultado es de lo mas alucinante. La escena la podéis ver aquí si queréis.

La película se terminó y quedó lista para su estreno el 1 de junio de 1990 -a España llegaría el 30 de julio de ese año -, terminando con la fama de proyecto maldito que llevaba arrastrando desde hacía mas de una década y dejando boquiabierto a casi todo el mundo. El gran esfuerzo empleado en la creación de este film se materializó en un gran éxito, con casi 120 millones de dólares recaudados solo en EEUU y 231 millones en el resto del mundo. En los oscars, además del mencionado premio a los efectos especiales, la película también recibió nominaciones en los apartados de mejor sonido y efecto sonoro; pero la academia se mostró tan injusta en los premios como en las nominaciones.

No obstante, la película es mucho mas que efectos especiales y pura acción. Verhoeven, como el gran director que es, supo hacer una película tan comercial como compleja -cuando se estrenó hubo gente que tuvo que verla dos veces para poder entenderla -, logrando que durante la mayor parte del metraje el espectador no sepa si lo que está viviendo el protagonista es real o es imaginado, jugando así con la mente de la misma forma que el propio Dick hizo en su relato; incluso nos hace dudar si el final feliz que vemos es real o no es mas un producto de la imaginación generada por la empresa Rekall. Es por esto por lo que, a pesar de las muchas libertades que se toman con respecto al texto original -la película solo es fiel hasta que el protagonista llega a Recall y descubren que tiene recuerdos ocultos -, esta es, junto a Blade Runner, la mejor adaptación de Philip K. Dick y ninguna de las que se han hecho en los años posteriores ha logrado superarla. Además, ha servido de influencia en películas posteriores, como Abre los Ojos (Alejandro Amenábar, 1997), El Show de Truman (Peter Weir, 1998), Matrix (Andy y Larry Wachowski, 1999) o la sobrevalorada El Caso Bourne (Doug Liman, 2002) y sus, mas sobrevaloradas aún, secuelas dirigidas por Paul Greengrass.

Les dejo con el trailer:

LA SECUELA

Durante años, se habló de una secuela de este film -algo que no es de extrañar después de su éxito -que jamás vio la luz. Lo cierto es que esta secuela existió como proyecto, pero no logró salir adelante debido a la ocupación de Schwarzenegger en otros proyectos y la búsqueda de otro director, ya que Verhoeven no quería repetir. Después, tras el hundimiento de Carolco en 1995, no se supo nada mas de ella.

En los años posteriores hubo rumores de que otras compañías querían reactivar este proyecto e, incluso, se dice que la película Minority Report (Steven Spielberg, 2002), también basada en una historia de Dick, comenzó siendo la secuela de Desafío Total.

LA NUEVA VERSIÓN

Últimamente se está diciendo en muchos sitios de internet que se va a hacer un remake de Desafío Total; algo que ha puesto en píe de guerra a muchos fans de la película y a los anti-remakes de todo el mundo. No obstante, esto no es ciento del todo, ya que lo que se va a hacer en realidad es una nueva adaptación del relato de Dick mas fiel al texto original.

Este era un proyecto que, durante años, tuvieron en mente los hermanos Weinstein cuando estos todavía eran responsables de Miramax. No obstante, cuando rompieron su sociedad con la Disney en 2005, perdieron los derechos del proyecto, los cuales fueron a parar a las manos de Sony Pictures, que los ha tenido guardados en un cajón hasta que, recientemente, la productora Original Films se ha puesto en contacto con ellos para poder hacer la película junto a ellos, generando así los rumores del remake.

LA SERIE DE TV

En 1999 se estrenó Total Recall 2070, una serie de Tv germano-canadiense creada por Art Monterastelli que, a pesar de su título, no era una precuela televisiva de de la película de Verhoeven; aunque si podía servir como tal. Se trataba de una adaptación a medias del relato de Dick que inspiró Desafío Total y de la novela que inspiró Blade Runner, conocida en España como ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968).

La trama de la serie, como su título indica, se desarrolla en el año 2070 en un mundo completamente dominado por la contaminación y en el que la humanidad convive con androides; siendo los Delta los mas antiguos y defectuosos, los Beta los intermedios y los Alfa los mas modernos y perfeccionados. La Tierra se encuentra gobernada a nivel mundial por un gobierno corrupto en manos de El Consorcio, una entidad donde se agrupan las seis corporaciones que han hecho posible la colonización de Marte. En medio de todo esto, a David Hume (Michael Easton), un detective de la CPB (siglas en inglés de Oficina de Protección del Ciudadano), un cuerpo de policía futurista, se le asigna un nuevo compañero después de que el anterior muriera a manos de un androide defectuoso. Su nuevo compañero, Ian Farve (Karl Pruner) resultará ser un androide Alfa, el primero de su clase.

La serie no logró atraer al público y solo duró una temporada. Desconozco si se llegó a emitir en España. Aunque, de haberlo hecho, hubiera sido a través de las cadenas de pago. Aquí dejo su cabecera:

Y, para acabar, aquí dejo el impresionante tema central de la banda sonora que el gran Jerry Goldsmith compuso para esta película y que es una auténtica pena que los de Canal + lo utilicen para sus partidos de futbol de 2ª división: